Enfoques Abstractos del Arte Italiano Moderno

La mayoría de las personas que estudian la historia del arte italiano aprenden sobre los maestros clásicos del Alto Renacimiento y los períodos Barroco, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Caravaggio. Menos conocen los movimientos del arte moderno italiano como Arte Povera y el Espacialismo, o maestros contemporáneos italianos como Ettore Spalletti. Para comprender la historia completa del arte italiano, es esencial estudiar las numerosas formas en que los artistas italianos han contribuido al Modernismo. Algunos movimientos modernistas italianos han sido de naturaleza figurativa, como Arte Nucleare, que confrontó los horrores del poder atómico tras la Segunda Guerra Mundial, y Transavantgarde, una versión italiana del Neoexpresionismo que surgió en los años setenta. Y al menos un movimiento modernista italiano, Novecento Italiano, fue regresivo, abrazando el fascismo y defendiendo un retorno a estilos antiguos, realistas y clásicos. Pero Italia también ha sido la cuna de varios movimientos abstractos modernistas que han llegado a moldear las tendencias internacionales del arte contemporáneo de manera profunda. Aunque la lista de artistas asociados a estos movimientos puede ser demasiado extensa para cubrir en un solo artículo, aquí hay una introducción a algunos de los movimientos clave del arte abstracto moderno italiano y algunos de los artistas que ayudaron a definirlos.

Futurismo Italiano

En un camino rural fuera de Milán en 1909, Filippo Tommaso Marinetti chocó su automóvil contra una zanja tras desviarse para evitar a un ciclista. Marinetti se enfureció por el incidente. Resentía la lentitud de la bicicleta. Era fanático de la velocidad y el poder y creía que las carreteras debían pertenecer a las máquinas de la nueva era. Formaba parte de la generación audaz de jóvenes artistas italianos que pronto serían conocidos como los futuristas.

Tras su accidente automovilístico, Marinetti escribió un ensayo que se publicó en periódicos de Italia y Francia. Se conoció como el Manifiesto Futurista y describía con pasión la frustración que estos jóvenes artistas sentían bajo el peso de la historia. Hablaba de querer “liberar a Italia de su gangrena de profesores, arqueólogos, guías y anticuarios.” Promovía la fuerza mecánica, la violencia y la guerra, y sugería que los artistas modernos debían abrazar el nuevo mundo industrializado y destruir todas las tradiciones e instituciones del pasado.

Umberto Boccioni - Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913, dos vistas

Arte Futurista Italiano

En su arte, los futuristas italianos se esforzaron por retratar el movimiento y la velocidad. Representaron el caos de la ciudad y visiones de un mundo que cambiaba rápida y violentamente. Un principio clave del futurismo italiano se conocía como Dinamismo, o la experiencia combinada de velocidad, movimiento y sonido. Giacomo Balla fue uno de los maestros del Dinamismo. Sus primeros esfuerzos en esta técnica fueron figurativos, pero su estilo rápidamente se volvió más abstracto al evolucionar para abordar el Dinamismo a través de las cualidades formales de la pintura como el color, la línea y la forma. Un ejemplo clave es la pintura Velocidad + Sonido Abstractos, de 1914.

Umberto Boccioni fue otro maestro futurista del Dinamismo. Pintor consumado, Boccioni creó una de las pinturas futuristas más famosas, llamada La ciudad se eleva. Pero con el tiempo se interesó en el desafío de presentar lo que llamó “sucesión”, o la sensación de movimiento a través del espacio físico, en el espacio tridimensional. Lo logró más famosamente en su escultura abstracta Formas únicas de continuidad en el espacio, creada en 1913.

Lucio Fontana - Concepto espacial, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milán

Espacialismo

Una generación después de los futuristas, comenzó el siguiente gran movimiento abstracto modernista italiano, iniciado por un artista llamado Lucio Fontana. Originario de Argentina, Fontana estaba interesado principalmente en expresar las cualidades y la esencia del espacio. Le intrigaba cómo la forma podía ocupar el espacio, contener el espacio y abrir acceso al espacio. A menudo se le considera pintor porque sus obras más famosas cuelgan en la pared. Pero Fontana fue originalmente formado como escultor, y consideraba que sus llamadas pinturas desafiaban la definición del arte bidimensional.

En 1946, escribió un ensayo llamado el Manifiesto Blanco, que abiertamente pedía el fin de las definiciones tradicionales del arte bidimensional y tridimensional. En cambio, alentaba la síntesis en el arte. En su manifiesto, Fontana describió cómo las definiciones tradicionales “estáticas” del arte como la pintura y la escultura ya no eran adecuadas para una época dominada por “el principio dinámico del movimiento a través del tiempo y el espacio.” A través de esta perspectiva transformadora, Fontana creó muchas innovaciones. Realizó algunos de los primeros ejemplos de arte de instalación y a finales de los años cuarenta alcanzó la máxima manifestación de su pensamiento cuando comenzó a construir lienzos que luego cortaba con un cuchillo. Su obra Concetto spaziale – Attesa, un lienzo monocromático rojo con un solo corte de cuchillo en el centro, se considera la máxima expresión del pensamiento espacialista, ya que logra crear forma a partir del espacio.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milán

Arte Povera

Uno de los movimientos abstractos modernistas más transformadores del siglo XX se originó en Italia en los años sesenta. Se llamó Arte Povera, o arte pobre, debido a la tendencia de sus practicantes a usar materiales comunes y temas cotidianos. El movimiento surgió inicialmente como resistencia a otras tendencias del arte modernista como el Minimalismo, que enfatizaba los procesos industriales y trataba de eliminar la personalidad del artista en la obra. Los artistas asociados con Arte Povera querían reconectar el arte con la vida cotidiana.

Para conectar con lo mundano, lo banal y lo cotidiano, estos artistas intentaron crear momentos únicos de interacción entre los objetos artísticos que hacían y los espectadores que los encontraban. Hicieron arte que, aunque abstracto, comunicaba mensajes simples y directos. Usaron materiales naturales, táctiles y preindustriales fáciles de entender, como cuerda, tierra, tela e incluso excrementos. En medio de movimientos artísticos concurrentes dedicados a eliminar la emoción y el individualismo del arte, estos artistas enfatizaron la importancia de la humanidad tanto del artista como del espectador, e invitaron abiertamente al público a interactuar directamente con su arte.

Pino Pascali - Gusanos de cerda

Los artistas de Arte Povera

Piero Manzoni es considerado el padre de Arte Povera, aunque murió a los 29 años en 1963, antes de poder participar en sus exposiciones principales. A través de su obra, Manzoni destruyó la ilusión de que el arte y la vida son separados al involucrar directamente a los espectadores con su arte. En una obra llamada Consumo de arte dinámico por el público devorador de arte, Manzoni “firmó” huevos duros con la huella de su pulgar y luego invitó a los espectadores a comerlos. En una obra llamada Magisk Sokkel, que en neerlandés significa Estante Mágico, invitó a los espectadores a participar parándose en un pedestal, transformándolos en esculturas vivientes.

Otros artistas de Arte Povera no involucraron al público directamente, sino que crearon obras diseñadas intencionalmente para sugerir la interacción del espectador. Pino Pascali creó a gran escala los Gusanos de cerda, esculturas con forma de gusano hechas de cepillos de cerda que los espectadores eran alentados a tocar. Y en 1965, Michelangelo Pistoletto expresó quizás la iteración perfecta del matrimonio entre arte y vida cotidiana. Su obra Estructura para hablar mientras se está de pie (sin objetos) consistía en una barandilla instalada en una galería sobre la que los espectadores podían apoyarse y poner el pie mientras hablaban.

Michelangelo Pistoletto - Estructura para hablar mientras se está de pie (sin objetos)

Arte moderno contemporáneo italiano

Hoy en día, las tradiciones del modernismo italiano están vivas y bien. Ettore Spalletti es uno de los principales artistas abstractos que trabajan en Italia hoy. Está vagamente asociado con las ideas centrales de Arte Povera, aunque su obra es decididamente diferente a la mayoría de los miembros de ese grupo. Artista multidisciplinario, Spalletti crea objetos que tratan la esencia del color. Se involucra en un proceso laborioso que implica la aplicación de múltiples capas de pintura hecha a mano hasta que la naturaleza esencial del color que busca se revela. Es en ese momento fugaz cuando el color finalmente aparece que detiene su proceso.

Los objetos que crea Spalletti proyectan una luminosidad etérea. Parecen momentos capturados de un amanecer o destellos de luz sobre la superficie del agua congelados en el tiempo. Además de mostrar sus obras en galerías y museos, Spalletti también ha creado ambientes interiores completos en lugares como una morgue y una capilla. Quizás es a partir de tales expresiones, que se relacionan con la vida cotidiana, que continúa su asociación con Arte Povera. Pero Spalletti también es una voz única en el arte abstracto contemporáneo italiano. Él y sus muchos contemporáneos en la comunidad del arte abstracto italiano de hoy disfrutan de una conexión con cada uno de los influyentes movimientos artísticos italianos del pasado. Y lo más importante, como sus predecesores, continúan manteniendo viva la tradición de colocar el arte italiano a la vanguardia del pensamiento modernista innovador.

Imagen destacada: Giacomo Balla - Velocidad + Sonido Abstractos, 1913-1914. Óleo sobre cartón sin barnizar en marco pintado por el artista. 54.5 x 76.5 cm (21 1/2 x 30 1/8 pulg.). Colección Peggy Guggenheim de la Fundación Solomon R. Guggenheim, Venecia, 1976. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York/SIAE, Roma
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio