Enfoques Abstractos del Arte Italiano Moderno

La mayoría de las personas que estudian la historia del arte italiano aprenden sobre los maestros clásicos del Alto Renacimiento y los períodos Barroco, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael y Caravaggio. Menos oyen hablar de movimientos de arte italiano moderno como Arte Povera y Espacialismo, o de maestros italianos contemporáneos como Ettore Spalletti. Para entender la historia completa del arte italiano, es esencial estudiar las numerosas formas en que los artistas italianos han contribuido al Modernismo. Algunos movimientos modernistas italianos han sido figurativos por naturaleza, como Arte Nucleare, que confrontó los horrores del poder atómico en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, y Transavantgarde, una versión italiana del Neoexpresionismo que surgió en la década de 1970. Y al menos un movimiento modernista italiano, Novecento Italiano, fue regresivo, abrazando el fascismo y abogando por un regreso a estilos antiguos, realistas y clásicos. Pero Italia también ha sido la cuna de varios movimientos de arte modernista abstracto que han influido en las tendencias del arte contemporáneo internacional de maneras profundas. Aunque la lista de artistas asociados con estos movimientos puede ser demasiado larga para cubrir en un artículo, aquí hay un primer vistazo a algunos de los movimientos clave de arte moderno abstracto italiano y algunos de los artistas que ayudaron a definirlos.

Futurismo italiano

En un camino rural fuera de Milán en 1909, Filippo Tommaso Marinetti estrelló su coche en una zanja después de desviarse para evitar a un ciclista. Marinetti se enfureció por el incidente. Resentía la bicicleta de movimiento lento. Era fanático de la velocidad y el poder y creía que las carreteras debían pertenecer a las máquinas de la nueva era. Era parte de la audaz generación de jóvenes artistas italianos que pronto serían conocidos como los Futuristas.

Tras su accidente automovilístico, Marinetti escribió un ensayo que fue publicado en periódicos de Italia y Francia. Se conoció como el Manifiesto Futurista y describía en apasionados detalles la frustración que estos jóvenes artistas sentían bajo el peso de la historia. Hablaba de querer “liberar a Italia de su gangrena de profesores, de arqueólogos, de guías y de anticuarios.” Abogaba por la fuerza mecánica, la violencia y la guerra, y sugería que los artistas modernos debían abrazar el nuevo mundo industrializado y destruir todas las tradiciones e instituciones del pasado.

Umberto Boccioni - Formas Únicas de Continuidad en el Espacio, 1913, dos vistas

Arte Futurista Italiano

En su arte, los futuristas italianos se esforzaron por retratar el movimiento y la velocidad. Retrataron el caos de la ciudad y visiones de un mundo que cambia rápida y violentamente. Un principio clave del futurismo italiano se conocía como Dinamismo, o la experiencia combinada de velocidad, movimiento y sonido. Giacomo Balla fue uno de los maestros del Dinamismo. Sus primeros esfuerzos en la técnica fueron figurativos, pero su estilo rápidamente se volvió más abstracto a medida que evolucionaba para abordar el Dinamismo a través de las cualidades formales de la pintura, como el color, la línea y la forma. Un ejemplo clave es la pintura Velocidad Abstracta + Sonido, de 1914.

Umberto Boccioni fue otro maestro futurista del dinamismo. Un pintor consumado, Boccioni creó una de las pinturas futuristas más famosas, llamada La ciudad que surge. Pero con el tiempo se interesó en el desafío de presentar lo que él llamaba "sucesión", o la sensación de movimiento a través del espacio físico, en un espacio tridimensional. Realizó este objetivo de manera más famosa en su escultura abstracta Formas únicas de continuidad en el espacio, creada en 1913.

Lucio Fontana - Concepto Espacial, 1950. © Fondazione Lucio Fontana, Milán

Espacialismo

Una generación después de los Futuristas, comenzó el siguiente gran movimiento de arte abstracto modernista italiano, iniciado por un artista llamado Lucio Fontana. Originario de Argentina, Fontana estaba interesado principalmente en expresar las cualidades y la esencia del espacio. Le intrigaba cómo la forma podía ocupar espacio, contener espacio y abrir acceso al espacio. A menudo se le considera un pintor, ya que sus obras más famosas cuelgan en la pared. Pero Fontana fue entrenado originalmente como escultor, y consideraba que sus llamados cuadros desafiaban la definición del arte bidimensional.

En 1946, escribió un ensayo llamado el Manifiesto Blanco, que abogaba abiertamente por el fin de las definiciones tradicionales del arte bidimensional y tridimensional. En su lugar, alentó la síntesis en el arte. En su manifiesto, Fontana describió cómo las definiciones "estáticas" tradicionales del arte, como la pintura y la escultura, ya no eran adecuadas para una época dominada por "el principio dinámico del movimiento a través del tiempo y el espacio". A través de esta perspectiva transformadora, Fontana creó muchas innovaciones. Hizo algunos de los primeros ejemplos de arte de instalación y, a finales de la década de 1940, logró la manifestación definitiva de su pensamiento cuando comenzó a construir lienzos que luego cortaba con un cuchillo. Su obra Concetto spaziale – Attesa, un lienzo rojo monocromático con una sola hendidura de cuchillo en el centro, se considera la epitome del pensamiento espacialista, ya que logra crear forma a partir del espacio.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Fondazione Lucio Fontana, Milán

arte pobre

Uno de los movimientos de arte abstracto modernista más transformadores del siglo XX se originó en Italia en la década de 1960. Se llamó Arte Povera, o arte pobre, debido a la tendencia de sus practicantes a depender de materiales comunes y temas cotidianos. El movimiento surgió inicialmente como una resistencia a otras tendencias del arte modernista como el Minimalismo, que enfatizaba los procesos industriales y trataba de eliminar la personalidad del artista de la obra. Los artistas asociados con Arte Povera querían reconectar el arte con la vida cotidiana.

Para conectarse con lo mundano, lo banal y lo cotidiano, estos artistas intentaron crear momentos únicos de interacción entre los objetos de arte que hicieron y los espectadores que los encontraban. Hicieron arte que, aunque abstracto, comunicaba mensajes simples y directos. Usaron materiales fáciles de entender, naturales, táctiles y preindustriales como cuerda, tierra, tela e incluso heces. En medio de movimientos artísticos concurrentes dedicados a eliminar la emoción y el individualismo del arte, estos artistas enfatizaron la importancia de la humanidad tanto del artista como del espectador, e invitaron abiertamente al público a interactuar directamente con su arte.

Pino Pascali - Gusanos de cerdas

Los Artistas del Arte Povera

Piero Manzoni es considerado el padre del Arte Povera, aunque murió a los 29 años en 1963, antes de poder ser incluido en sus principales exposiciones. A través de su obra, Manzoni destruyó la ilusión de que el arte y la vida son separadas al involucrar directamente a los espectadores con su arte. En una pieza llamada Consumo de arte dinámico por el público devorador de arte, Manzoni "firmó" huevos duros con su huella dactilar y luego invitó a los espectadores a comer los huevos. En una pieza llamada Magisk Sokkel, holandés para Estante Mágico, invitó a los espectadores a participar al estar de pie sobre un pedestal, transformándolos en esculturas vivientes.

Otros artistas del Arte Povera no involucraron al público directamente, sino que crearon obras que estaban intencionadamente diseñadas para sugerir la interacción del espectador. Pino Pascalo creó Bristleworms a gran escala, que eran esculturas en forma de gusano hechas de cepillos de cerdas que se animaba a los espectadores a tocar. Y en 1965, Michelangelo Pistoletto expresó lo que quizás sea la iteración perfecta del matrimonio entre el arte y la vida cotidiana. Su obra Estructura para Hablar de Pie (Menos Objetos) consistía en una barandilla instalada en una galería en la que los espectadores podían apoyarse y poner su pie mientras hablaban.

Michelangelo Pistoletto - Estructura para Hablar Mientras se Está de Pie (Menos Objetos)

Arte Italiano Moderno Contemporáneo

Hoy en día, las tradiciones del Modernismo Italiano están vivas y bien. Ettore Spalletti es uno de los principales artistas abstractos que trabaja en Italia hoy. Está asociado de manera laxa con las ideas centrales del Arte Povera, aunque su trabajo es decididamente diferente al de la mayoría de los miembros de ese grupo. Artista multidisciplinario, Spalletti crea objetos que tratan sobre la esencia del color. Se involucra en un proceso laborioso que implica la aplicación de múltiples capas de pintura hecha a mano hasta que la naturaleza esencial del color que busca se revela. Es en ese momento fugaz cuando el color finalmente aparece que detiene su proceso.

Los objetos que crea Spalletti proyectan una luminosidad etérea. Parecen momentos capturados de un amanecer o destellos de luz en la superficie del agua congelada en el tiempo. Además de mostrar sus obras en galerías y museos, Spalletti también ha creado entornos interiores completos en lugares como una morgue y una capilla. Quizás es de tales expresiones, que se relacionan con la vida cotidiana, de donde continúa su asociación con el Arte Povera. Pero Spalletti también es una voz única en el arte abstracto contemporáneo italiano. Él y sus muchos contemporáneos en la comunidad del arte abstracto italiano de hoy disfrutan de una conexión con cada uno de los influyentes movimientos artísticos italianos del pasado. Y lo más importante, al igual que sus predecesores, continúan manteniendo viva la tradición de colocar el arte italiano en la vanguardia del pensamiento modernista innovador.

Imagen destacada: Giacomo Balla - Velocidad + Sonido Abstracto, 1913-1914. Óleo sobre cartón sin barnizar en el marco pintado por el artista. 21 1/2 x 30 1/8 in (54.5 x 76.5 cm). La Fundación Solomon R. Guggenheim Colección Peggy Guggenheim, Venecia, 1976. © 2018 Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York/SIAE, Roma.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio