¡Impresiones de Fotografía Abstracta en Venta que No Te Puedes Perder!
En su transgresión de límites, la fotografía abstracta fue más allá de definiciones y caracterizaciones simples. Aunque inicialmente arraigada en el realismo, el medio fotográfico abrazó lo no representacional a lo largo de los siglos de su existencia, con las obras de artistas legendarios como Man Ray, William Klein, Hiroshi Sugimoto y más tarde Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff y Jessica Eaton. Parte de este variado cuerpo de trabajo se muestra en nuestra propia selección excepcional de impresiones de fotografía abstracta de alta calidad a la venta que se presenta a continuación. Nos enorgullece llamar su atención sobre seis de los artistas más notables cuyo trabajo está transformando profundamente tanto el medio de la fotografía como el arte abstracto en sí. A continuación, encontrará nueve impresiones de fotografía abstracta de la más alta calidad que no debe perderse!
Richard Caldicott - Sin título 153
Richard Caldicott ganó su reconocimiento mundial con su composición abstracta de colores y formas geométricas que emanan de Tupperware (re)organizado y objetivado que se disuelve en la pura abstracción de sus fotografías. Sus esfuerzos continuos y audaces por desafiar el canon fotográfico no se han atenuado a lo largo de los años, ya que su obra también abarca el dibujo y la escultura, acentuando la misma sofisticación y compostura. El trabajo reciente de Caldicott revela la gradual salida de la quietud modernista hacia composiciones que imitan interrupciones y fracturas.
En Sin Título 153, Caldicott persigue su enfoque tradicional de fotografía analógica para infundir su conjunto minimalista de componentes generosos en color y vitalidad. Estas formas, superficies y colores surgen de su experiencia más personal y atraen al espectador a su universo más íntimo. Sin Título 153 sigue una lógica compositiva lineal discernible y germina en una maravillosa obra abstracta que es tanto autoexplicativa como parte de un diálogo más amplio. Al enfatizar la duplicación, replicación y ajustes sutiles de colores, Caldicott anuncia sin pretensiones sus nuevas intenciones estéticas y simbólicas que se basan en el minimalismo icónico, las pinturas de Color Field y la reapropiación pop.
Richard Caldicott - Sin título 153, 2000. Impresión C. 61 x 50.8 cm.
Richard Caldicott - Oportunidad/Caída (4), 2010
El trabajo más reciente de Caldicott marca la salida final de la serenidad modernista hacia la adopción del dinamismo y la fuerza. Chance/Fall (4), 2010 muestra capas superpuestas y flotantes de colores brillantes que emanan vivacidad e intensidad de energía luminosa y atractiva. Su radiante claridad atrae al espectador mientras se apoya firmemente en la transparencia y la saturación. La repetición inscrita en la propia naturaleza de la serie convierte a Caldicott en un adoptante de una ‘actitud serial’ (Derek Horton) y resuena con el Minimalismo que reubica al espectador en el laberinto contemplativo de la fotografía abstracta.
Richard Caldicott - Chance/Fall (4), 2010, 2010. Impresión C. 127 x 101.6 cm.
Luuk De Haan - Campo de Color 12
Fusionando técnicas fotográficas históricas y la tecnología contemporánea del software de gráficos digitales Luuk de Haan, un artista visual holandés, desarrolló su propia expresión distintiva. De Haan crea una composición geométrica utilizando software de gráficos digitales que fotografía directamente de la pantalla. Él altera las condiciones físicas bajo las cuales se toma la fotografía, enfatizando la incertidumbre y el elemento errático de sorpresa que se revela a través de la interacción con la imagen digital. Las imágenes recién emergidas cautivan la elocuencia visual natural y orgánica, así como una rigurosa exploración gráfica de forma, color, geometría y línea.
Color Field 12 es un asombroso ejemplo de una meticulosa exploración del color inspirada en expresionistas abstractos como Ellsworth Kelly, Barnett Newman y Kenneth Noland. Esta obra sugiere estar en flujo, pero un flujo que escapa a una interpretación más precisa y a un rigor explicativo. De Haan revela acertadamente su estética minimalista y composiciones definidas por formas geométricas seguras, líneas claras, superficies suaves que resuenan rápidamente con su vocabulario visual. Su trabajo emana el libre movimiento y profundidades en cascada mientras evoca una sensación de calma elusiva que se evapora en la serenidad utópica tanto de los colores como de las formas.
Luuk De Haan - Color Field 12, 2015. Tinta UltraChrome HD sobre papel Hahnemühle. 100 x 72.5 cm.
Luuk De Haan - No Meter la Mano en el Tambor Giratorio 11
De Haan muestra su talento único en este intento de traducir formas bidimensionales en imágenes tridimensionales mientras explora la deformación y alteración creada por la cámara. Selecciona una presentación de diapositivas de dos o más imágenes que fotografía en una sola toma, moviendo y acercando el lente, creando así una imagen tridimensional. Estas imágenes logran capturar el movimiento, la geometría y las relaciones dinámicas de color de su creación. Nicht in die Laufende Trommel Greifen (No Caigas en el Tambor Giratorio), un cartel de advertencia impreso en la parte superior de una máquina giratoria, sirvió de inspiración para de Haan.
Luuk De Haan - No meter la mano en el tambor en movimiento 11, 2015. Tinta UltraChrome HD sobre papel Hahnemühle. 59.4 x 42 cm.
Seb Janiak - Gravedad líquida 04 (Medio)
Bien versado en una gran variedad de formas de arte y medios, Seb Janiak se siente como en casa oscilando entre la fotografía y la producción de video. Sus escapadas fotográficas se extienden desde este trabajo mate temprano hasta sus últimas fotografías con láser tomadas a través de un prisma. No ofrece lealtad a ninguna escuela o dogma mientras explora la complejidad del mundo que lo rodea. Sus fotografías son conocidas por su excepcional encarnación de la tensión nacida de las dicotomías y opuestos de nuestro mundo. Su trabajo serpentea a través de la fantasía frenética y la ciencia ficción solo para alcanzar las costas de una naturaleza atormentada y una humanidad utópica. Janiak es un productor de video y música francés celebrado globalmente por su contribución a la fotografía analógica contemporánea.
La gravedad líquida 04 (Medio) incrusta profundamente la propia afirmación metafísica de Janiak de que una forma no puede existir sin un entorno y que las formas visibles dependen de las condiciones que permiten que estas formas existan. Para cuestionar visualmente su afirmación metafísica, Janiak optó por centrar su atención en la gravedad como una fuerza oculta que da forma a nuestro universo. En esta serie de fotografías, explora el poder transformador que la gravitación tiene sobre los líquidos y los gases. Aplicó el proceso fotográfico para congelar la forma, pero dado que el entorno está en constante transformación, también lo está este proceso.
Seb Janiak - Gravity liquid 04 (Medio), 2014. Impresión cromogénica. 110 x 86 cm.
Gianfranco Pezzot - III. Engaño del Lenguaje
Gianfranco Pezzot es un artista abstracto italiano que está profundamente inspirado por las formas en que experimentamos e impactamos el entorno que nos rodea. Sus intereses penetran profundamente en las complejas modalidades de nuestras interacciones con el mundo, ya que su trabajo se entrelaza aún más con los ámbitos de la historia, la política y la economía. Al hacerlo, Pezzot está inventando un nuevo lenguaje fotográfico contemporáneo que combina diversas imágenes y medios y crea una imagen compleja y estratificada, presentada en su forma final como una impresión digital C. III.
El Engaño del Lenguaje es parte de su serie Dicotomía de un Cerebro Humano donde Pezzot profundiza en las narrativas que los cerebros construyen al percibir diferentes imágenes. Pezzot busca proporcionar un marco interpretativo para narrativas que se distorsionan cuando las imágenes son alteradas, reestructuradas o combinadas con otras imágenes. En III. Engaño del Lenguaje combina fragmentos de flores, paisajes de playa y hojas de papel trituradas en un ensamblaje que invita a una intervención artística adicional. Este es uno de sus intentos más persuasivos de investigar el papel cambiante de la fotografía como un medio artístico contemporáneo.
Gianfranco Pezzot - III. Engaño del Lenguaje, 2017. Impresión digital C-Type en papel fotográfico Kodak Endura. 240 x 180 cm.
Paul Snell - Intersect # 201701
Un artista de Tasmania, Paul Snell combina técnicas tradicionales y digitales mientras expande los límites de la abstracción y el minimalismo. Su proceso creativo comienza capturando el objeto o la ubicación con una cámara tradicional, seguido de una decodificación digital. Después de reducir y simplificar colores y formas, Snell invierte el proceso recodificando la imagen: estos colores y formas simplificados se vuelven autorreferenciales en una nueva composición hasta que el proceso de tomar y hacer se oscurece conceptual y prácticamente. El resultado final se presenta en sus impresiones cromogénicas que dispersan una impresión luminosa y vívida sobre papel metálico montado en plexiglás. Intersect # 201701 encapsula el léxico visual distintivo de Snell, inspirado en la pintura modernista, particularmente en el minimalismo y la abstracción de bordes duros. Autodescribiendo su proceso creativo como una búsqueda de una "comprensión sensorial del objeto físico", Snell reconoce la sustancia material del mundo abstracto. Esta fotografía epitomiza su fascinación por las relaciones de color y las realidades espaciales: sus relaciones dinámicas, vibrantes y sorprendentes interacciones. Su trabajo incluye una visión contemplativa persuasiva, aquella que roza con el reino metafísico.
Paul Snell - Intersect # 201701, 2017. Impresión cromogénica montada en la cara de Plexiglás de 4.5 mm. 118 x 118 cm.
Paul Snell - Hover # 201909
La última y profundamente hipnotizante obra de Snell despliega estructuras visuales rítmicas y armónicas que transportan al espectador a las profundidades del pensamiento puro. Crea sugerencias visuales que traducen la reflexión en un estado auténticamente meditativo. Hover # 201909 revela el dinamismo de las relaciones de color de Snell que surge de una combinación de aspectos arquitectónicos de sus composiciones y sus superficies vibrantes y luminosas. La ausencia de metasemántica y representación arrastra al espectador en medio de la materia estética primal y tonal. En esta experiencia primordial, el espectador se sumerge en color, ritmo y espacio que se abre a su reflexión interpretativa, despejando así el camino hacia la pura trascendencia.
Paul Snell - Hover # 201909, 2019. Impresión cromogénica montada en plexiglás mate de 3 mm. 80 x 80 cm.
Tenesh Webber - Boxy
Tenesh Webber, una artista canadiense, es ampliamente aclamada por sus audaces intentos de crear una intersección distintiva entre la fotografía y la escultura. Ella crea hábilmente objetos bidimensionales al superponer y cortar el hilo de coser o un dibujo lineal repetitivo en el plexiglás. Estos objetos se utilizan para crear imágenes fotográficas sin cámara que capturan un elemento de imprevisibilidad e incertidumbre generado por el movimiento de la mano. En su trabajo más reciente, profundiza en la naturaleza oculta de la fotografía como medio mientras continúa reflexionando sobre la percepción del espacio negativo y positivo, el movimiento y la completa quietud.
Boxy es un ejemplo de las icónicas exploraciones de Webber sobre los desafíos y convenciones de la fotografía tradicional en blanco y negro. Ella termina creando una composición rítmica e intuitiva que captura tanto la tensión como el equilibrio que surge entre lo orgánico y lo rectilíneo. La sofisticada composición de Boxy emana las vistas macro y micro conflictivas de la naturaleza y su relación con el hombre.
Tenesh Webber - Boxy, 2005. Fotografía en blanco y negro. 50.8 x 50.8 cm.
Imagen destacada: Richard Caldicott - Sin título 153, vista de instalación.
Por Jovana Vuković
