¿Podemos encontrar un elemento abstracto en el arte expresionista alemán?

Oscuro. Ansioso. Aterrador. Primitivo. Crudo. Estas son algunas de las palabras que la gente usa para describir el arte expresionista alemán. Para una referencia visual de lo que esas personas quieren decir, imagina El Grito, la famosa pintura recreada múltiples veces por el artista noruego Edvard Munch a partir de 1893. Esa imagen distorsionada, emotiva y horriblemente hermosa encarna las muchas razones por las que Munch fue una inspiración principal para los pintores expresionistas alemanes. Entonces, ¿quiénes eran estos artistas y qué los llevó a desarrollar una estética tan ominosa? Quizás una pregunta más interesante sería si su estética es realmente tan ominosa como parece. Muchas personas encuentran las pinturas de los expresionistas alemanes inquietantes y evocadoras. Algunos incluso las consideran reveladoras sobre el espíritu humano. Quizás hay elementos abstractos en el arte expresionista alemán que, si pudiéramos interactuar con ellos, podrían llevarnos a una comprensión más profunda del significado de estas obras. Pocos movimientos artísticos han sido tan influyentes como el Expresionismo, cuyas tendencias han resurgido repetidamente en otros movimientos a lo largo de la historia moderna del arte. Si podemos ampliar nuestra comprensión de los matices y orígenes de este fascinante movimiento, también podremos entender mejor el Expresionismo Abstracto, el Neoexpresionismo y ciertos desarrollos actuales en el arte contemporáneo. Incluso podríamos aprender algo esencial sobre nosotros mismos.

Tan romántico

El Expresionismo Alemán fue un movimiento artístico del siglo XX, que data de aproximadamente 1905 a 1920. Pero para entender sus raíces, tenemos que mirar un poco más atrás. Muchos de los cambios más profundos en la historia del arte occidental comenzaron a mediados del siglo XIX. La razón se puede resumir en dos palabras: Revolución Industrial. Antes de aproximadamente 1760, la mayoría de las personas en el mundo occidental vivían una vida rural o artesanal. Trabajaban la tierra o en un oficio no mecanizado. Pero durante un período de 90 años, entre aproximadamente 1760 y 1850, esa realidad de vida de larga data cambió drásticamente gracias al rápido avance de la tecnología y las máquinas.

A mediados del siglo XIX, los cambios en los procesos químicos y de fabricación habían dejado obsoleta a la mayor parte de la fuerza laboral agrícola y artesanal. Pero la actividad industrial urbana estaba aumentando exponencialmente. En un grado nunca antes visto, la población se trasladó del campo a la ciudad, y junto con eso, el estilo de vida del humano típico cambió de maneras radicales. Hubo beneficios, como agua limpia y alimentos y ropa asequibles, pero también desafíos, como la contaminación y la sobrepoblación. Lo más disruptivo fue el egocentrismo de la urbanidad, que cambió la forma en que los humanos promedio se relacionaban entre sí.

Egon Schiele - Autorretrato con jarrón negro y dedos extendidos, 1911, 34 x 27.5 cm, Museo de Historia del Arte, Viena, Austria

Impresiones Artísticas

El primer movimiento artístico que surgió de la Revolución Industrial fue el Romanticismo. Emergió a medida que esos decenas de millones de nuevos urbanitas se dieron cuenta de que anhelaban las formas bucólicas y agrarias de sus antepasados. Los artistas románticos retrataron la belleza del mundo natural y la elegancia de tiempos pasados. Después de los románticos vinieron los Impresionistas. Estos artistas también se centraron en temas algo idílicos, pero estilísticamente dieron pasos audaces hacia lo que eventualmente se convertiría en abstracción. En lugar de pintar imágenes precisamente realistas, utilizaron nuevas técnicas y exageraron sus paletas de colores para transmitir de manera hermosa y magistral la impresión de sus sujetos, con un énfasis particular en capturar las cualidades de la luz.

Pero a principios del siglo, surgía otra generación de artistas, una que no tenía conexión con el pasado agrario y ningún deseo de continuar con las tradiciones estéticas existentes. Eran los hijos de los hijos de la Revolución Industrial. Estaban completamente alienados de cualquier mundo idealista que los impresionistas, y mucho menos los románticos, intentaban representar. Estos artistas estaban llenos de angustia. Sus pinturas no retrataban el mundo exterior objetivo. Más bien, expresaban el mundo interior subjetivo de emociones y experiencias de vida.

Oskar Kokoschka - La Novia del Viento, 1913 - 1914, Óleo sobre lienzo, 181 cm × 220 cm (71 in × 87 in), Kunstmuseum Basel

Los Expresionistas Alemanes

Esas experiencias subjetivas de vida estaban dominadas por la ansiedad, el miedo, el desapego de la naturaleza y la alienación de otros seres humanos. Dado que esta experiencia era ubicua en todo el mundo industrializado, varias versiones de la tendencia expresionista se manifestaron en diferentes países, todas alrededor de la misma época. No obstante, cuando la mayoría de los historiadores se refieren al Expresionismo, primero se refieren al Expresionismo alemán, ya que los artistas que establecieron la mayoría de las tendencias estéticas importantes del movimiento vivieron o trabajaron en Alemania en el apogeo del período.

Al buscar tendencias abstractas en el trabajo de esos expresionistas alemanes, ayuda analizar a los dos pintores que más los influyeron. El primero, como mencionamos anteriormente, fue Edvard Munch. Su estilo de pintura exuberante, oscuro, dramático y altamente evocador capturó la sensibilidad alienada de la vida urbana a principios de siglo. Sus gestos exagerados y su extrema paleta de colores incitaron emoción en los espectadores y los conectaron con los sentimientos del pintor. Gustav Klimt fue el otro pintor que inspiró a los expresionistas, pero lo hizo de una manera diferente. Klimt fue influenciado por los simbolistas. Usó figuras míticas y pesadillescas en su trabajo, e incorporó imágenes oscuramente simbólicas. Sus lienzos contenían grandes campos de imágenes abstractas, y los elementos figurativos estaban grotescamente distorsionados para maximizar el drama y la emoción.

Gustav Klimt - Las Tres Edades de la Mujer, 1905, Óleo sobre lienzo, 1.8m x 1.8m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, Italia

El puente

Dos escuelas principales del Expresionismo Alemán emergieron eventualmente, y reflejaron las diversas influencias de Munch y Klimt. La primera fue un grupo de cuatro pintores aspirantes, Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl, que se llamaron a sí mismos El Puente. Su nombre fue inspirado por una cita del libro Así habló Zaratustra: Un libro para todos y para nadie, de Friedrich Nietzsche, que dice: “Lo que es grande en el hombre es que es un puente y no un fin.”

La figuración distorsionada y las paletas de colores extremas unieron a los artistas de El Puente; influencias directas de Edvard Munch. Las figuras en los grabados en madera de Erich Heckel están aisladas, estoicas y desconectadas. Sus rostros brutales parecen animalísticos. Aparecen como esqueletos caminantes. En los impactantes paisajes urbanos neón de Ernst Kirchner, todas las figuras están aisladas, anónimas, solas en su lucha, excepto las prostitutas que parecen felices, pero que representan la máxima comercialización y destrucción del espíritu humano.

Ernst Ludwig Kirchner - Calle, Berlín, 1913, Óleo sobre lienzo, 47 1/2 x 35 7/8 in, 120.6 x 91.1 cm, Colección MoMA

Los jinetes azules

El otro grupo principal de expresionismo alemán se llamaba El Jinete Azul. Incluía a Wassily Kandinsky, Franz Marc y Paul Klee, entre otros. Fueron nombrados así por una figura en una pintura de Kandinsky llamada El Juicio Final. La pintura había sido rechazada de una exposición por su contenido abstracto, y así Kandinsky invocó la pintura como una referencia simbólica.

En la pintura, el Jinete Azul simbolizaba la transición del mundo objetivo al mundo místico, que Kandinsky veía como análoga a la transición que él y los demás estaban intentando lograr con su arte. Los pintores del Jinete Azul dependían menos de la forma y la figuración, y más de cualidades formales como el color para transmitir estados emocionales. Sus composiciones eran dramáticas, vibrantes y caóticas. Comunicaban un sentido de violencia y angustia, pero también insinuaban un brillo cósmico y las armonías subyacentes del reino espiritual.

Wassily Kandinsky - El Juicio Final, 1912, Óleo sobre lienzo, Colección Privada

Abstracción en el Expresionismo

Claramente, muchos expresionistas alemanes abrazaron completamente la abstracción en su trabajo. Separaron el color, la forma y la línea de la representación objetiva, utilizándolos para transmitir estados emocionales y evocar respuestas emocionales de los espectadores. Pero, ¿qué podemos decir que es abstracto en el trabajo más figurativo del expresionismo? Un elemento abstracto es, sin duda, la calidad reductiva de sus pinturas. Todo lo que no es necesario para la composición se elimina. Esto expresa directamente la ansiedad de principios del siglo XX. La industria y la guerra hicieron que muchas personas sintieran que la humanidad era solo una masa de personas anónimas, grotescas y en sombras. Cualquiera que no fuera necesario parecía desaparecer. Quizás eso es lo que la gente quiere decir cuando dice que el arte expresionista alemán es oscuro, ansioso, aterrador, primitivo o crudo.

Pero otro elemento abstracto del Expresionismo Alemán envía el mensaje opuesto. Este elemento emana de las pinceladas en espiral y de la imaginería codificada y simbólica. Muchas figuras en estas pinturas parecen estar sumergidas en un mundo sin significado. Están en movimiento, pero rodeadas de incertidumbre. Sin embargo, son emotivas. Eso comunica algo, aunque solo sea de manera abstracta. Dice que las emociones de una sola persona importan. Ya sea la emoción del pintor, como en las pinturas de Wassily Kandinsky y Franz Marc, o las emociones de la figura en la obra, como en las pinturas de Edvard Munch, Erich Heckel y Ernst Kirchner, los Expresionistas comunicaron que a pesar de la tendencia de la modernidad a hacernos sentir deshumanizados, el espíritu humano individual importa. Eso es indomabilidad. Es una creencia de que expresarse siempre es relevante. Es lo que inspiró a los Expresionistas Abstractos y a los Neo-Expresionistas, y lo que continúa inspirando a los artistas hoy en día. Y es lo que Ernst Kirchner quiso decir cuando habló de los Expresionistas: “Todo aquel que representa directa y honestamente lo que lo impulsa a crear es uno de nosotros."

Imagen destacada: Edvard Munch - El Grito, 1893, Óleo, témpera y pastel sobre cartón, 91 cm × 73.5 cm, 36 in × 28.9 in, Galería Nacional, Oslo, Noruega
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio