El Último Expresionismo Abstracto en las Obras de Sam Francis

Algunas personas dicen que para los verdaderos artistas, hacer arte no es una elección; es una compulsión. Hacen obras de arte ya sea que les paguen o no, incluso si son ignorados. En otras palabras, los artistas hacen arte porque no pueden no hacer arte. Tan serio como suena, Sam Francis consideraba que la relación entre los artistas y la creación artística era aún más intensa. Él veía la creación artística no como algo que un artista hace, sino como algo que simplemente es porque el artista es. Dijo: “el artista es su obra y ya no es humano.” Para Francis, separar el arte de un artista era tan imposible como separar la lluvia de una nube. La lluvia es la nube. El arte es el artista. No hay separación. Son uno.

La oscuridad es solo un color

Al mirar hacia atrás en la historia del Expresionismo Abstracto, se hace evidente bastante rápido que los artistas asociados con los primeros días del movimiento fueron profundamente influenciados por las ansiedades de su tiempo. Eran de una generación definida por el sufrimiento y el sacrificio, atormentada por los horrores de la guerra y el miedo a la bomba atómica. A través de sus obras de arte, intentaron sinceramente conectarse con su subconsciente y expresar sus estados internos de ser. La oscuridad de su tiempo a menudo parece evidente en su arte, ya sea en la paleta de colores o en la angustia de los gestos, formas, texturas o composiciones. Pero esas mismas obras también son reveladoras, llevando a los espectadores a experimentar estados de conciencia trascendentes y contemplativos. ¿Así que realmente es oscuridad lo que expresan?

Sam Francis está asociado con la segunda generación del expresionismo abstracto. Alcanzó la prominencia tras ser incluido en la exposición 12 American Artists en el MoMA en 1956, el mismo año en que Jackson Pollock, la figura principal del movimiento temprano, falleció. Francis comenzó a pintar en el hospital mientras se recuperaba de una lesión en la columna vertebral que sufrió mientras servía como piloto de caza en la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, regresó a la escuela en su California natal, obteniendo una Maestría de la UC Berkeley en 1950. Mientras estaba allí, conoció a algunos pintores de la primera generación del Expresionismo Abstracto, incluyendo a Mark Rothko, quien enseñaba en la California School of Fine Arts en San Francisco en ese momento. Francis encontró inspiración en el enfoque que estos creativos tenían sobre el ser y el devenir, y en su compromiso con la búsqueda del yo auténtico. 

Sam Francis - Sin título, 1959, gouache sobre papel, 11.5 x 36 cm. © La Fundación Sam Francis

El Matrimonio de la Oscuridad y la Luz

Para Sam Francis, la oscuridad y la luz no eran fuerzas opuestas. Eran fuerzas complementarias, o quizás incluso manifestaciones fluctuantes de la misma cualidad. Una vez dijo: “Un aumento en la luz da un aumento en la oscuridad.” ¿Estaba diciendo que la luz y la oscuridad son una? ¿O estaba hablando de la forma en que la luz proyecta una sombra, lo que significa que cuanto más brillante se vuelve una luz, más oscura es la sombra que proyecta? ¿O se refería a la iluminación y al impacto metafísico de darse cuenta de que cuanto más aprendemos, más nos damos cuenta de lo poco que sabemos?

Él podría no haber querido decir ninguna de esas cosas. También dijo una vez: “El color nace de la interpenetración de la luz y la oscuridad.” Así que es posible que simplemente estuviera hablando sobre los contrastes, y cómo el espacio blanco en un lienzo expresa la oscuridad de la pintura. En cualquier caso, sus comentarios al menos ofrecen una perspectiva matizada desde la cual interpretar la aparente oscuridad del movimiento expresionista abstracto en general. Y nos dan un punto de partida para entender la forma en que confrontó la oscuridad, la luz y el color en sus propias pinturas.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © La Fundación Sam Francis

12 Pintores Americanos

Francis mostró siete pinturas en su exposición grupal en el MoMA. Eran de gran escala. La más pequeña medía más de seis pies de altura y la más grande más de doce pies por diez pies. Todas las pinturas llevaban nombres de colores: Azul Negro, Amarillo, Rojo Grande, Negro en Rojo, Rojo en Rojo, Gris, y Naranja Profundo sobre Negro. Cada una de estas pinturas compartía una estética común, lo que estableció a Francis como un pintor con un estilo visual definido. Estaban compuestas de formas biomórficas en capas realzadas por goteos desenfrenados.

"Estos lienzos envuelven a los espectadores en las composiciones. La voz de las obras redefine la palabra composición, para centrarse menos en la disposición de los elementos estéticos y más en lo que significa sentirse compuesto. Emiten una sensación de control, de confianza y de armonía. Transmiten la impresión de que todo lo necesario para entender sobre la pintura está contenido en el espacio del lienzo. Y, sin embargo, su naturaleza sensorial y personal nos invita a una exploración más profunda de lo que aún permanece oculto en su interior."

Sam Francis - Naranja profundo sobre negro, 1955, óleo sobre lienzo. © La Fundación Sam Francis

Contención

No bien se había hecho conocido Sam Francis por su estética única, que la superó. Amplió su paleta de colores para incluir una vívida gama de colores brillantes y puros. Y exploró una multitud de enfoques para la composición, incluyendo la representación biomórfica en una serie de obras llamadas Blue Balls, que presentan prominentes esferas azules inspiradas en su lucha contra la enfermedad renal. A mediados de la década de 1960, llegó a otro idioma estético distinto caracterizado por pinceladas coloridas alrededor de los bordes de sus pinturas que rodean un espacio blanco casi vacío en el interior.

"Estas obras hablan de manera directa y elegante sobre las nociones que Francis expresó acerca de la ligereza y la oscuridad. El aumento del espacio en blanco, o ligereza, intensifica la expresión de la oscuridad que se transmite a través del color. El color se minimiza y, sin embargo, define la imagen. Estas imágenes desafían la naturaleza omnipresente de tantas obras del expresionismo abstracto. Hablan sobre la nada y sobre el poder de la matiz, y llaman la atención sobre lo que no se está expresando."

Sam Francis - Sin título, 1965, gouache sobre papel (Izquierda) y Sam Francis - Sin título (SF-106A), 1969, litografía (Derecha). © La Fundación Sam Francis

Sin restricciones

A lo largo de la mayor parte de su carrera, Francis evitó la escena artística de Nueva York, prefiriendo vivir y trabajar en París, Tokio y California. No estaba restringido por las tendencias. Utilizó las técnicas asociadas con la pintura de acción, como el goteo, el vertido y el salpicado, y también utilizó la tinción y trabajó con pinceles tradicionales. Hizo impresiones, litografías y monotipos, trabajando con una variedad de medios y superficies diferentes. Y evolucionó incansablemente su estilo compositivo. En las décadas de 1970 y 1980, a menudo incluía formas geométricas en sus pinturas, y a veces incluso pintaba obras geométricas de borde duro.

Él es recordado con mayor frecuencia por las pinturas de salpicaduras de colores brillantes que creó en la década de 1980. Su adherencia a técnicas que muchos otros pintores de su generación habían abandonado las distingue con confianza. Sus cualidades primitivas conversaban con las obras neoexpresionistas de pintores como Basquiat. Su paleta de colores resonaba con la del Pop Art y los Imagistas de Chicago. Y su imaginería evocaba la historia del arte abstracto, recordando a pintores como Miro, Calder y Gorky.

Sam Francis - Sin título, 1983, monotipo (Izquierda) y Sam Francis - Sin título (SF-330), 1988, litografía sobre papel de hilo (Derecha). © La Fundación Sam Francis

Más allá de la Segunda Generación

Sam Francis nunca dejó de evolucionar artísticamente. Incluso después de perder el uso de su mano derecha poco antes de su muerte, aprendió a pintar con la mano izquierda y se dedicó a la creación de un gran nuevo cuerpo de trabajo que continuó hasta su muerte. A pesar de cambiar su estilo estético, nunca abandonó los principios esenciales del expresionismo abstracto. Sin embargo, en su dedicación a ello, también transformó fundamentalmente lo que el expresionismo abstracto podría ser. No quiero decir que lo alteró. Mantuvo sus elementos integrales. Nunca dejó de pintar intuitivamente, de conectarse con su propio estado interno de ser y de interactuar con el lienzo como una arena en la que ocurre un evento. Pero también añadió a la definición. Lo que añadió se resume bien en su propia descripción de lo que es la pintura: “La pintura trata sobre la belleza del espacio y el poder de la contención.”

Todo está en las cuatro palabras: belleza, espacio, poder y contención. Sam Francis persiguió sin vergüenza la belleza. Aceptó tanto las limitaciones como las posibilidades de un espacio definido. Reconoció y asumió la responsabilidad personal por la realidad primal de la búsqueda humana de poder. Y, finalmente, expresó la confianza y la seguridad inherentes en el sentido de que algo ha sido contenido. Compara eso con lo que Jackson Pollock dijo una vez sobre la pintura: “La pintura tiene vida propia. Trato de dejar que salga.” Además de todo lo demás de lo que trataba su trabajo, Pollock y la primera generación de expresionistas abstractos fueron desenfrenados en su experimentación. Estaban sosteniendo a un tigre salvaje por la cola, emocionados por descubrir qué podría hacer a continuación, completamente abiertos a las posibilidades, y sobre todo comprometidos a mantenerlo tan salvaje como fuera posible durante el mayor tiempo posible. Sam Francis ayudó a domesticar al tigre. Al hacerlo, también dio a las próximas generaciones de artistas el permiso para definir lo que el expresionismo abstracto significa para ellos.

Imagen destacada:Sam Francis - Sin título, 1962, Acrílico y gouache sobre papel. © La Fundación Sam Francis
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio