El Último Expresionismo Abstracto en las Obras de Sam Francis

Algunas personas dicen que para los verdaderos artistas, crear arte no es una elección; es una compulsión. Hacen obras de arte ya sea que les paguen o no, incluso si son ignorados. En otras palabras, los artistas hacen arte porque no pueden no hacer arte. Por serio que suene, Sam Francis consideraba que la relación entre los artistas y la creación artística era aún más intensa. Él veía la creación artística no como algo que un artista hace, sino como algo que simplemente es porque el artista es. Dijo: “el artista es su obra y ya no es humano.” Para Francis, separar el arte de un artista era tan imposible como separar la lluvia de una nube. La lluvia es la nube. El arte es el artista. No hay separación. Son uno.

La oscuridad es solo un color

Al mirar hacia atrás en la historia del Expresionismo Abstracto, se hace evidente rápidamente que los artistas asociados con los primeros días del movimiento estaban profundamente influenciados por las ansiedades de su época. Eran de una generación definida por el sufrimiento y el sacrificio, atormentada por los horrores de la guerra y el miedo a la bomba atómica. A través de sus obras intentaron sinceramente conectar con su subconsciente y expresar sus estados internos de ser. La oscuridad de su tiempo a menudo parece evidente en su arte, ya sea en la paleta de colores o en la angustia de los gestos, formas, texturas o composiciones. Pero esas mismas obras también son reveladoras, llevando a los espectadores a experimentar estados trascendentes y contemplativos de conciencia. ¿Entonces es realmente oscuridad lo que expresan?

Sam Francis está asociado con la segunda generación del expresionismo abstracto. Alcanzó la fama tras ser incluido en la exposición 12 Artistas Americanos en el MoMA en 1956, el mismo año en que murió Jackson Pollock, la figura principal del movimiento temprano. Francis comenzó a pintar en el hospital mientras se recuperaba de una lesión en la columna que sufrió mientras servía como piloto de combate en la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra regresó a estudiar en su California natal, obteniendo una maestría en UC Berkeley en 1950. Allí conoció a algunos pintores de la primera generación del Expresionismo Abstracto, incluyendo a Mark Rothko, quien enseñaba en la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco en ese momento. Francis encontró inspiración en el enfoque que estos creadores tenían sobre el ser y el devenir, y en su compromiso con la búsqueda del yo auténtico.

Sam Francis - Sin título, 1959, gouache sobre papel, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

El matrimonio de la oscuridad y la luz

Para Sam Francis, la oscuridad y la luz no eran fuerzas opuestas. Eran fuerzas complementarias, o quizás incluso manifestaciones fluctuantes de la misma cualidad. Él dijo una vez: “Un aumento de luz da un aumento de oscuridad.” ¿Estaba diciendo que la luz y la oscuridad son una? ¿O hablaba del modo en que la luz proyecta una sombra, es decir, que cuanto más brillante es una luz, más oscura es la sombra que proyecta? ¿O se refería a la iluminación, y al impacto metafísico de darse cuenta de que cuanto más aprendemos, más nos damos cuenta de lo poco que sabemos?

Podría no haber querido decir ninguna de esas cosas. También dijo una vez: “El color nace de la interpenetración de la luz y la oscuridad.” Así que es posible que simplemente estuviera hablando de contrastes, y de cómo el espacio blanco en un lienzo expresa la oscuridad de la pintura. En cualquier caso, sus comentarios al menos ofrecen una perspectiva matizada desde la cual interpretar la aparente oscuridad del movimiento expresionista abstracto en general. Y nos dan un punto de partida para entender cómo enfrentó la oscuridad, la luz y el color en sus propias pinturas.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 Pintores Americanos

Francis mostró siete pinturas en su exposición grupal de lanzamiento en el MoMA. Eran de gran tamaño. La más pequeña medía más de seis pies de alto y la más grande más de doce pies por diez pies. Todas las pinturas llevaban nombres de colores: Azul Negro, Amarillo, Gran Rojo, Negro en Rojo, Rojo en Rojo, Gris y Naranja Profundo sobre Negro. Cada una de estas pinturas compartía una estética común, que estableció a Francis como un pintor con un estilo visual definido. Estaban compuestas por formas biomórficas superpuestas realzadas por goteos sin restricciones.

Estos lienzos envuelven a los espectadores en las composiciones. La voz de las obras redefine la palabra composición, enfocándose menos en la disposición de elementos estéticos y más en lo que significa sentirse compuesto. Emiten una sensación de control, confianza y armonía. Transmiten la idea de que todo lo necesario para entender la pintura está contenido en el espacio del lienzo. Y sin embargo, su naturaleza sensual y personal nos invita a una exploración más profunda de lo que permanece oculto en su interior.

Sam Francis - Naranja Profundo sobre Negro, 1955, óleo sobre lienzo. © The Sam Francis Foundation

Contención

Tan pronto como Sam Francis se hizo conocido por su estética única, la superó. Amplió su paleta de colores para incluir una gama vívida de colores brillantes y puros. Y exploró múltiples enfoques de composición, incluyendo la representación biomórfica en una serie de obras llamada Bolas Azules, que presentan orbes azules prominentes inspirados en su lucha contra una enfermedad renal. A mediados de los años 60, llegó a otro idioma estético distinto caracterizado por pinceladas coloridas alrededor de los bordes de sus pinturas que rodean un espacio blanco casi vacío en el centro.

Estas obras hablan directa y elegantemente a las nociones que Francis expresó sobre la claridad y la oscuridad. El aumento del espacio blanco, o claridad, intensifica la expresión de la oscuridad que se transmite a través del color. El color se minimiza y, sin embargo, define la imagen. Estas imágenes desafían la naturaleza uniforme de muchas obras expresionistas abstractas. Hablan de la nada y del poder del matiz, y llaman la atención sobre lo que no se está expresando.

Sam Francis - Sin título, 1965, gouache sobre papel (izquierda) y Sam Francis - Sin título (SF-106A), 1969, litografía (derecha). © The Sam Francis Foundation

Sin restricciones

Durante la mayor parte de su carrera, Francis evitó la escena artística de Nueva York, prefiriendo vivir y trabajar en París, Tokio y California. No se dejó limitar por las modas. Usó técnicas asociadas con la pintura de acción, como goteo, vertido y salpicado, y también utilizó el teñido y trabajó con pinceles tradicionales. Hizo grabados, litografías y monotipos, trabajando con una variedad de medios y superficies. Y evolucionó incansablemente su estilo compositivo. En las décadas de 1970 y 80 a menudo incluyó formas geométricas en sus pinturas, y a veces incluso pintó obras geométricas de bordes duros.

Es más recordado por las pinturas de salpicaduras de colores brillantes que creó en los años 80. Su adhesión a técnicas abandonadas hace mucho tiempo por muchos otros pintores de su generación las distinguió con confianza. Sus cualidades primitivas dialogaban con las obras neoexpresionistas de pintores como Basquiat. Su paleta de colores evocaba la del arte pop y los imagistas de Chicago. Y su imaginería evocaba la historia del arte abstracto, recordando a pintores como Miró, Calder y Gorky.

Sam Francis - Sin título, 1983, monotipo (izquierda) y Sam Francis - Sin título (SF-330), 1988, litografía sobre papel verjurado (derecha). © The Sam Francis Foundation

Más allá de la segunda generación

Sam Francis nunca cesó su evolución artística personal. Incluso después de perder el uso de su mano derecha poco antes de morir, aprendió a pintar con la izquierda y se dedicó a crear un gran nuevo cuerpo de obra que continuó hasta su fallecimiento. A pesar de cambiar su estilo estético, nunca abandonó los principios esenciales del expresionismo abstracto. En su dedicación a él, sin embargo, también transformó fundamentalmente lo que el expresionismo abstracto podía ser. No es que lo alterara. Mantuvo sus elementos integrales. Nunca dejó de pintar intuitivamente, de conectar con su propio estado interno de ser y de interactuar con el lienzo como un espacio donde ocurre un acontecimiento. Pero también añadió a la definición. Lo que añadió se resume bien en su propia descripción de lo que es la pintura: “La pintura trata sobre la belleza del espacio y el poder de la contención.”

Todo está en esas cuatro palabras: belleza, espacio, poder y contención. Sam Francis persiguió la belleza sin vergüenza. Abrazó tanto las limitaciones como las posibilidades de un espacio definido. Reconoció y asumió la responsabilidad personal de la realidad primordial de la búsqueda humana de poder. Y, finalmente, expresó la confianza y seguridad inherentes a la sensación de que algo ha sido contenido. Compárelo con lo que Jackson Pollock dijo una vez sobre la pintura: “La pintura tiene vida propia. Trato de dejar que se manifieste.” Además de todo lo demás que significaba su obra, Pollock y la primera generación de expresionistas abstractos experimentaban sin restricciones. Sostenían un tigre salvaje por la cola, emocionados por descubrir qué haría a continuación, completamente abiertos a las posibilidades y, sobre todo, comprometidos a mantenerlo tan salvaje como fuera posible durante el mayor tiempo posible. Sam Francis ayudó a domar al tigre. Al hacerlo, también dio a las siguientes generaciones de artistas permiso para definir lo que el expresionismo abstracto significa para ellos.

Imagen destacada:Sam Francis - Sin título, 1962, acrílico y gouache sobre papel. © The Sam Francis Foundation
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio