Cómo Arshile Gorky Descubrió la Abstracción

¿Dónde estaríamos sin el camuflaje? Ayudó a los Aliados a ganar la Segunda Guerra Mundial y desde entonces se ha vuelto omnipresente en la estrategia militar. Y hay otros tipos de camuflaje además de los utilizados en la guerra. Los animales utilizan camuflaje. También lo hacen las plantas. ¿Y qué hay del camuflaje emocional? El artista abstracto Arshile Gorky era un maestro del camuflaje. En los años previos a la Segunda Guerra Mundial, Gorky fue uno de los muchos artistas invitados por el gobierno estadounidense a participar en el desarrollo de técnicas de camuflaje efectivas para soldados, vehículos y barcos. Gorky incluso organizó un grupo de artistas de Nueva York para preparar sus habilidades de camuflaje y contribuir pacíficamente al esfuerzo bélico. Y en 1941 enseñó una clase sobre camuflaje en la Grand Central School of Art. En la descripción del curso escribió: “Lo que el enemigo destruiría… primero debe verlo. Confundir y paralizar esta visión es el papel del camuflaje.” Betty Parsons, propietaria de la galería homónima de Manhattan, tomó la clase de camuflaje de Gorky y comentó años después que, “Gorky probablemente sabía más sobre estética que cualquier persona que haya conocido en mi vida.” Pero la variedad visual era solo un tipo de camuflaje del cual Gorky era un maestro. También camufló su vida, falsificando su nombre, biografía y currículum. Y durante décadas, hasta solo unos años antes de su trágica muerte, incluso camufló su auténtica voz artística.

Semillas del sufrimiento

La historia de Arshile Gorky comienza como la historia de Vosdanig Adoian, un niño nacido de padres campesinos en la Turquía otomana en algún momento de los primeros cuatro años del siglo XX. Vosdanig vivía en un hermoso país, lleno de jardines, arroyos y sauces. Desde una edad temprana, aprovechó cada oportunidad para estudiar arte con el fin de copiar las cosas bellas que veía. Según su hermana, el joven Vosdanig incluso dibujaba en su sueño, su mano moviéndose como si sostuviera un lápiz mientras soñaba.

Cuando Vosdanig tenía alrededor de seis años, su padre se fue a América. Se suponía que la familia lo seguiría, pero antes de que pudieran, comenzó la Primera Guerra Mundial. El gobierno turco inició un genocidio sistemático de los turcos armenios. Durante los siguientes cinco años, Vosdanig y su familia huyeron de un campo de refugiados a otro, atravesando barro y sufriendo enfermedades. Después de años de horror, la familia asediada de Vosdanig encontró refugio en la relativa seguridad de una habitación abandonada y sin techo en Rusia. En esa habitación, Vosdanig vio morir a su madre hambrienta.

Arshile Gorky - Jardín en Sochi, c. 1943. Óleo sobre lienzo. 31 x 39" (78.7 x 99 cm). Adquirido a través de la herencia de Lillie P. Bliss (por intercambio). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018 Patrimonio de Arshile Gorky / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Convirtiéndose en Arshile Gorky

Después de que su madre murió, Vosdanig y sus hermanas huyeron de Rusia en barco. Después de un año pasando de puerto en puerto, llegaron a América donde la familia los esperaba en Massachusetts. Como sucedía tan a menudo, los funcionarios de inmigración en Ellis Island mal nombraron a su pequeño grupo de sobrevivientes, llamando a Vosdanig "Vartanouche". Este no sería su último cambio de nombre. Pasaría el resto de su vida editando su identidad en un esfuerzo por superar la tragedia de su pasado. 

Una vez establecido en América, Vosdanig regresó a su pasión por el arte. Frecuentó museos y se inscribió en la Nueva Escuela de Diseño e Ilustración de Boston. Como un experto artista realista, se mantenía dibujando imágenes por dinero en la acera. Sus habilidades eran tan impresionantes que los administradores de la Nueva Escuela lo invitaron de regreso después de graduarse para enseñar dibujo de figura. Fue allí, en 1924, durante el recreo, que Vosdanig pintó Park Street Church, Boston, y lo firmó “Gorky, Arshele,”, el primer uso de un seudónimo que eventualmente se convertiría en Arshile Gorky.

Arshile Gorky - Noche, Enigma y Nostalgia, 1931-1932. Pluma y pincel y tinta sobre tabla. 26 1/16 × 34 1/8 in. Museo Whitney de Arte Americano, Ciudad de Nueva York, NY, EE. UU. © 2018 Patrimonio de Arshile Gorky / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York

La Nueva York de Gorki

No mucho después de elegir su nuevo nombre, Gorky recibió la oportunidad de rehacer el resto de su historia de vida. Se mudó a Nueva York para enseñar en el nuevo campus de Broadway de la New School. Fascinado con Nueva York, se embarcó en lo que él llamaba "aprendizajes" con los maestros que admiraba, especialmente Cezanne y Picasso, sentándose frente a sus pinturas en museos y copiando meticulosamente sus obras. Dos años después consiguió su trabajo de enseñanza en la Escuela de Pintura y Dibujo de la Grand Central School of Art. Su biografía en la escuela lo lista como un nativo ruso que estudió en París y cuyo trabajo había sido incluido en múltiples exposiciones: todo es una mentira.

Las razones de las mentiras de Gorky pueden haber estado fundamentadas en el miedo. Seguramente temía las repercusiones por ser un inmigrante. Y debía temer que no lo tomarían en serio sin un pedigree impresionante. Luchó interminablemente por ganarse la vida en Nueva York. Su trabajo como profesor pagaba poco, y el mundo del arte de Nueva York casi no tenía interés en el trabajo de los inmigrantes. La mayoría de las galerías y museos querían modernismo europeo o arte popular americano. Lo que Gorky y sus contemporáneos estaban creando estaba en algún lugar intermedio, una especie de crisol de influencias y estilos.

Arshile Gorky - Argula, 1938. Óleo sobre lienzo. 15 x 24" (38.1 x 61 cm). Crédito Donación de Bernard Davis. Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018 Patrimonio de Arshile Gorky / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Rompiendo a través

A pesar de sus luchas, Gorky era inmensamente apasionado y hablaba poéticamente sobre la promesa del Modernismo. Atraía a muchos de los más grandes artistas de Nueva York hacia él con el poder de su personalidad. Sus conocidos incluían Lee Krasner, Isamu Noguchi, André Breton y Willem de Kooning, quien una vez dijo: “[Gorky] sabía mucho más sobre pintura y arte—lo sabía por naturaleza—cosas que se suponía que yo debía saber, sentir y entender. . . . Tenía un don extraordinario para dar en el clavo.”

Afortunadamente para Gorky y el resto de estos artistas, dos nuevos museos abrieron en Nueva York a principios de la década de 1930: el Whitney y el MoMA. Una de las primeras exposiciones de Gorky fue una muestra colectiva de artistas contemporáneos menores de 35 años en el MoMA. El catálogo de esa exposición ofrece otra versión diferente de su lugar de nacimiento, además de la falsa afirmación de que estudió con el pintor Wassily Kandinski. A pesar de la evidente belleza y maestría de la obra de Gorky, los críticos la llamaron derivativa. Gorky era tan hábil copiando que estaba incorporando elementos de otros artistas abstractos en sus pinturas. Quizás sus afirmaciones falsas sobre sus aprendizajes eran intentos de justificar esto ante sus críticos.

Arshile Gorky - La hoja de la alcachofa es un búho, 1944. Óleo sobre lienzo. 28 x 35 7/8" (71.1 x 91.2 cm). Crédito Fondo de la Colección Sidney y Harriet Janis. Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018 Patrimonio de Arshile Gorky / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Viviendo el sueño

El proceso que finalmente llevó al avance de Gorky comenzó en 1936 cuando leyó el libro de Julien Levy sobre el Surrealismo. Gorky comenzó a experimentar con el dibujo automático, abriéndose a su auténtico yo subconsciente. Durante los siguientes ocho años, a través de una multitud de contratiempos debido a relaciones fallidas, problemas de dinero y el inicio de la Segunda Guerra Mundial, Gorky desarrolló su búsqueda de su yo interior. Para 1944, desarrolló lo que se reconocería como su estilo maduro y único. Estaba informado por la técnica surrealista, pero se basaba en un lenguaje visual que era completamente abstracto.

Con la ayuda de su amigo André Breton, Gorky añadió títulos profundamente personales a sus nuevas obras, lo que les otorgó una calidad expresiva que desafiaba su naturaleza abstracta. Los títulos transmitían lo que finalmente era la narrativa veraz de su historia de vida. Entre los años 1944 y 1948 pintó lo que llegaría a considerarse sus obras maestras, tales como, El hígado es la cresta del gallo, Cómo se despliega el delantal bordado de mi madre en mi vida, y Agua del molino florido.

Arshile Gorky - Sumación, 1947, Lápiz, pastel y carbón sobre papel buff montado en tablero de composición. 6' 7 5/8" x 8' 5 3/4" (202.1 x 258.2 cm). Crédito Nina y Gordon Bunshaft Fund. Museo de Arte Moderno, Nueva York. © 2018 Patrimonio de Arshile Gorky / Sociedad de Derechos de Artistas (ARS), Nueva York.

Éxito agridulce

Habiendo finalmente encontrado su voz, Gorky se asoció con los artistas más influyentes de su tiempo. Fue incluido en el artículo “Cinco pintores americanos” en Harper’s Bazaar junto con Jackson Pollock. Y después de una exposición que incluyó su trabajo junto con el de Mark Rothko y Lee Krasner, el propietario de la galería comentó: “Creo que estamos viendo el verdadero comienzo de la pintura americana ahora.” La mezcla de expresión personal y subconsciente de Gorky con imágenes abstractas se convirtió en la característica que muchos historiadores se refieren como el comienzo del Expresionismo Abstracto.

Pero en el apogeo de su éxito, la vida de Gorky volvió a tornarse trágica. En solo un lapso de dos años, un incendio destruyó su estudio, arrasando docenas de obras de arte y todos sus libros favoritos; fue diagnosticado con cáncer y se sometió a una cirugía; su padre murió; luego, en una tormenta de lluvia, Gorky tuvo un accidente automovilístico y se rompió el cuello. Después del accidente, Gorky temía que nunca volvería a pintar. Su depresión hizo que su esposa se desmoronara. Ella lo dejó y se llevó a los niños. Días después, Gorky se quitó el collarín y se ahorcó. Su nota de suicidio decía: “Adiós Mis Amados.”

Considerando su trágica vida, se pueden perdonar las libertades que Gorky tomó con la realidad. No mintió, tanto como abstractó. Como él dijo, “La materia del pensamiento es la semilla del artista… La abstracción permite al hombre ver con su mente lo que no puede ver físicamente con sus ojos... Es la emancipación de la mente. Es una explosión hacia áreas desconocidas.” El genio de Gorky para ocultar los hechos grotescos de la realidad objetiva inspiró su transformación en uno de los artistas abstractos americanos más influyentes del siglo XX. A través de la imaginación y la exageración, creó un camuflaje para su mente, del cual emergió para encarnar el logro supremo para un artista abstracto: a través de la ofuscación expresó la verdad.

Imagen destacada: Arshile Gorky - El hígado es la cresta del gallo, 1944, El hígado es la cresta del gallo (1944). Óleo sobre lienzo. Soporte: 73 1/4 x 98 3/8 pulgadas (186.055 x 249.8725 cm); enmarcado: 75 3/16 x 100 3/8 x 2 3/4 pulgadas (190.98 x 254.95 x 6.99 cm). Colección Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York. Donación de Seymour H. Knox, Jr., 1956. © 2018 Patrimonio de Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio