Despedida a Siri Berg
La artista abstracta suecoamericana Siri Berg, miembro de American Abstract Artists y cuya obra forma parte de la colección del Museo Solomon R. Guggenheim, entre otras instituciones, falleció en la ciudad de Nueva York a los 98 años. Al igual que Josef Albers y otros artistas de la Bauhaus que la inspiraron, Berg dedicó su atención a los elementos fundamentales del arte visual: color, luz, forma, volumen, material y composición. Sus obras directas lograron éxito gracias a su honestidad y confianza. Berg solía referirse a sus obras simplemente como “declaraciones”. Aunque su trabajo es abstracto, no lo consideraba místico, sugestivo ni indirecto. Una declaración, más bien, es algo autoritario. Asegura. Revela. La esencia de lo que Berg expresaba con sus obras fluctuaba según muchos factores. A veces realizaba pinturas puramente formalistas claramente destinadas a ser declaraciones sobre el color, como su serie “Gradación”. Otras veces, hacía pinturas que, aunque emplean el color como un recurso estético, son también sin disculpas alegóricas sobre las relaciones que las personas desarrollan entre sí y con el mundo. Su obra seminal “La Ronde” (1972) toma su nombre de la obra teatral de Arthur Schnitzler de 1897, La Ronde, que trata sobre relaciones sexuales entre diez personas diferentes. Para su versión de “La Ronde”, Berg pintó una serie de lienzos que exploraban las relaciones entre distintos colores, colocando varios colores en diferentes contextos entre sí. Así como los personajes de la obra de Schnitzler revelan distintos aspectos de sus personalidades según con quién estén íntimos, Berg muestra cómo los colores parecen cambiar completamente su apariencia dependiendo de con qué otros colores se combinen—una declaración sobre cómo todo tipo de cambios a menudo son en realidad solo ficciones de nuestra percepción, causadas por circunstancias cambiantes. Berg disfrutaba de conversaciones como esta, que sabía que su obra tenía el poder de provocar.
Diálogos sutiles
Berg nació en 1921 en Estocolmo, Suecia. En 1940, tras obtener su título en el Instituto de Arte y Arquitectura de la Universidad de Bruselas—y justo cuando los alemanes comenzaron a ocupar Bélgica en los primeros años de la Segunda Guerra Mundial—huyó sola a América, enfrentando un viaje de 28 días a bordo de un pequeño carguero. Desde el principio supo que sus verdaderas ambiciones estaban en el campo del arte, sin embargo Berg pasó sus dos primeras décadas en América trabajando en campos creativos relacionados: primero en moda y luego como diseñadora de escaparates para grandes almacenes. Finalmente, en sus cuarenta años, dirigió completamente su atención a la pintura, primero pintando en su casa y luego alquilando un estudio en SoHo, cerca de donde vivía. Desde el inicio, sus pinturas ocuparon un espacio individualista en el contexto de sus contemporáneos. No exactamente minimalista, pero lejos del expresionismo; formalmente abstractas, pero llenas de contenido alegórico: la obra ejemplificaba un objetivo que Berg denominaba asegurarse de estar “presente” en la obra.
Siri Berg - La Ronde, 1972. cat #99, acrílico sobre masonita, 12” x 87” (7@12”x12” cada una). © Siri Berg
Lo que para Berg significaba estar “presente” era que podía encontrar maneras de permitir que sus experiencias y pruebas personales se plasmaran en las formas geométricas y las relaciones de color en sus pinturas. Una de sus obras tempranas más reconocidas, “Ciclo de la vida” (1967), ofrece un ejemplo perfectamente sutil de esta combinación de contenido personal y precisión formalista: moviliza una simple cuadrícula superpuesta de círculos y una paleta de colores limitada para expresar las etapas de desarrollo de un embrión. Otro ejemplo matizado de Berg estando “presente” en la obra se encuentra en su serie “Fases”, en la que círculos parciales y completos se alinean sobre superficies planas en patrones de cuadrícula. Los círculos pueden parecer fases lunares, pero en realidad son solo declaraciones formales del hecho de las fases. Lo que importa es la verdad de la existencia de las fases, sin importar si hablamos de fases geométricas, fases naturales o las fases cambiantes e incompletas de la vida del artista.
Siri Berg - Ciclo de la vida, 1967. cat #53, óleo sobre lienzo, 28” x 28”. © Siri Berg
Contrastes y percepción
A lo largo de su carrera, Berg se mantuvo fiel a una paleta simple de solo nueve colores básicos. Partiendo de ese marco básico, se esforzó por mezclar colores que “no existen” en el mundo natural. Al desarrollar tonos no naturales, pudo provocar encuentros con los espectadores en los que podían dejar de agobiarse buscando referencias a la naturaleza. La artificialidad se convirtió en verdad en sus pinturas. Liberada de referencias narrativas externas, la obra es libre para comunicar cualquier contenido que Berg quisiera transmitir. Uno de sus temas favoritos fue la Cábala, un campo de enseñanzas esotéricas judías sobre la relación entre fuerzas divinas infinitas y el universo finito y mortal. Berg exploró este concepto en sus pinturas “Cábala” enfocándose en su aspecto más esencial: la noción de contrastes.
Siri Berg - Cábala, 1983. cat#443, óleo sobre lienzo, 12” x 12”. © Siri Berg
Otros temas importantes para Berg incluían la arquitectura y la luz. Expresó esos intereses claramente en sus ensamblajes de objetos encontrados. “Mouseballs” (1999), un ensamblaje de seis bolas rodantes de ratones de computadora adheridas a un lienzo, es un ejemplo clásico. Las bolas y la superficie están pintadas del mismo tono violeta. La parte central de la obra es acanalada, mientras que el resto es plano. Las bolas proyectan sombras sobre las acanaladuras. A medida que el ojo se mueve de las esferas a las acanaladuras y luego a la superficie plana, aparecen trazos que crean ilusiones rebotantes de sombra y forma. Otro ensamblaje, “Singularidades” (1980-99), consiste en una cuadrícula de 25 ventosas redondas transparentes adheridas a un lienzo blanco. Las ventosas proyectan sombras redondas e inducen trazos circulares sobre la superficie plana. Aunque definitivamente son pinturas y no esculturas, obras como estas hacen declaraciones claras sobre el potencial del espacio y la luz para afectar la percepción humana. En última instancia, la idea de percepciones cambiantes era lo más importante para Berg, especialmente en cuanto a cómo la gente la percibía como artista. Como dijo una vez en respuesta a una pregunta sobre qué significaba ser una artista feminista, “Quiero que mi obra sea vista y experimentada por ustedes por lo que es y no por lo que soy.”
Imagen destacada: Siri Berg - Fase 25, 1973. cat#152a, óleo sobre lienzo, 12” x 14”. © Siri Berg
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
