Cómo la Pintura de Acción Cambió el Arte

Si la frase “pintura de acción” suena confusa, podría ser porque parece contener una redundancia. Pintar implica acción. ¿Puede haber pinturas sin acción? Pero ni el hecho de que pintar sea una acción ni que las pinturas resulten de una acción tienen mucho que ver con la definición de pintura de acción. De hecho, la pintura de acción no trata realmente de la acción ni de la pintura en sí. Se trata de un estado mental. El crítico de arte Harold Rosenberg acuñó la frase pintura de acción en 1952, en un ensayo titulado “Los pintores de acción americanos.” El ensayo fue un intento de explicar lo que Rosenberg consideraba un cambio fundamental que ocurría en la mentalidad de un pequeño grupo de pintores abstractos americanos. En lugar de abordar la pintura como creación de imágenes, estos pintores usaban el acto de pintar para registrar los resultados de dramas personales, intuitivos y subconscientes que representaban frente al lienzo. Usaban el lienzo como un escenario. Eran actores, y la pintura era el método para registrar la evidencia del evento. En su ensayo, Rosenberg no solo señaló la novedad de este método, sino que también desvió completamente la atención de las pinturas como objetos, declarando que lo único que importaba a los pintores de acción era el acto creativo.

El fin de la objetualidad

Antes de la observación de Rosenberg, ningún crítico de arte respetado había sugerido por escrito que el propósito del trabajo de un artista no fuera crear algo tangible. Se daba por sentado que el propósito de ser artista era crear obras de arte. Pero lo que Rosenberg observó en pintores como Jackson Pollock, Franz Kline y Willem de Kooning fue que no se centraban en crear objetos. Más bien, se enfocaban en su propio proceso como pintores. Daban la máxima importancia no al producto terminado, sino al acto de conectar con su propio inconsciente. La pintura era simplemente una forma de registrar los efectos resultantes de esa conexión.

Imagina estar con los ojos vendados y que te den un pincel para que encuentres tu camino a través de un laberinto mientras pasas el pincel por la superficie de la pared. La marca resultante en la pared no sería un logro estético tanto como un registro de tu recorrido. Tal fue la raíz de la observación de Rosenberg: que los pintores de acción no estaban creando imágenes; estaban haciendo registros externos de sus viajes internos.

Jackson Pollock - Número 8, 1949, 1949. Óleo, esmalte y pintura de aluminio sobre lienzo. 34 × 71 1/2 pulg; 86.4 × 181.6 cm. Federación Americana de Artes. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

Técnicas de pintura de acción

Cuando un pintor se propone hacer una pintura de una imagen específica, las herramientas y técnicas involucradas deben ofrecerle el mayor control posible. Pero si el propósito de una pintura no es hacer una imagen específica y predeterminada, sino crear un relicario visual abstracto de un evento psico-físico, el pintor puede disfrutar de más flexibilidad en cuanto a herramientas y técnicas. Dado que la pintura de acción trata sobre la espontaneidad y la capacidad de transmitir sin interrupciones cada intuición subconsciente mediante un gesto físico, todo lo que obstaculice la libertad y el instinto debe ser abandonado.

El pintor de acción Jackson Pollock abandonó las preparaciones y soportes tradicionales y en su lugar pintaba directamente sobre lienzos sin imprimar colocados en el suelo. Renunció a las herramientas tradicionales y optó por aplicar la pintura a sus superficies usando lo que tuviera a mano, incluyendo pinceles para pintar casas, palos o incluso las manos desnudas. A menudo lanzaba, vertía, salpicaba y goteaba pintura sobre sus superficies directamente desde cualquier recipiente que tuviera la pintura. Y usaba cualquier medio disponible, incluyendo todo tipo de pintura líquida, así como vidrios rotos, colillas de cigarrillos, ligas y cualquier otra cosa que su instinto le indicara.

Jackson Pollock - Mural, 1943. Óleo y caseína sobre lienzo. 95 7/10 × 237 1/2 pulg; 243.2 × 603.2 cm. Museo Guggenheim Bilbao. Bilbao

Grandes gestos

Además de ser libres con los medios, herramientas y técnicas, los pintores de acción también se liberaron de las limitaciones de su propia corporalidad. Las pinturas de acción de Franz Kline se centran en el gesto físico. Cada marca audaz que Kline hacía en el lienzo es un registro de un momento en que su cuerpo estaba completamente en movimiento. Mientras que una pincelada impresionista se hace con algo tan sutil como un giro de muñeca, las pinceladas de Kline se hacían con un impulso de todo el brazo o de todo el cuerpo, guiado por las profundidades de su mente.

Pollock a menudo no tocaba el lienzo en absoluto. En cambio, confiaba en el impulso y el uso dinámico de su cuerpo, creando velocidad y fuerza para proyectar el medio en el espacio y sobre la superficie. Al no obstaculizar su movimiento con el contacto con la superficie, colaboraba con las fuerzas de la naturaleza, lo que resultaba en marcas fluidas, elegantes y de apariencia orgánica. En cierto sentido, los gestos de Pollock y Kline no solo creaban marcas, sino que también producían impactos. Como cráteres de meteoritos, estos impactos pueden apreciarse tanto por su apariencia como por las fuerzas primordiales, antiguas y naturales que los causaron.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Óleo y collage de papel sobre lienzo, 80 × 100 pulg. (203.2 × 254 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; compra con fondos de los Amigos del Museo Whitney de Arte Americano 57.10. © 2020 The Franz Kline Estate / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

El inconsciente consciente

El auge de la pintura de acción no fue un misterio. Tenía raíces lógicas en el contexto de la cultura americana posterior a la Segunda Guerra Mundial. La sociedad americana en general se estaba recuperando de la guerra y ajustándose a una extraña nueva realidad moderna. En sus esfuerzos por entenderse a sí mismos y su mundo, las personas se interesaron cada vez más en la psicología, especialmente en ideas relacionadas con los pensamientos subconscientes e inconscientes. En la mente de los pintores de acción americanos, estas ideas se vinculaban directamente con el trabajo que los surrealistas habían hecho con el dibujo automático, que consistía en dejar que el cuerpo creara marcas basadas en movimientos reflejos inspirados por impulsos inconscientes.

Su pensamiento también se relacionaba con tradiciones primitivas encontradas en el arte totémico de las culturas nativas del norte de América. El arte totémico está ligado a la creencia de que las personas están conectadas entre sí, con la historia y con los mundos natural y espiritual a través de ciertos objetos naturales, o a través de seres que poseen poderes espirituales o místicos. Los pintores de acción esperaban que, mediante su estilo de pintura intuitivo y subconsciente, pudieran canalizar imágenes totémicas con las que los espectadores pudieran conectar en presencia de los relicarios estéticos de su proceso.

Jaanika Peerna - Pequeño remolino (Ref 855), 2009. Lápiz pigmento sobre mylar. 45.8 x 45.8 cm

El legado de la pintura de acción

No se puede exagerar la importancia del regalo que la pintura de acción entregó a las generaciones futuras de artistas. Las observaciones cuidadosamente expresadas por Harold Rosenberg inspiraron un cambio tremendo en el arte modernista. Dio palabras a la idea de que el proceso es más importante que el producto. Demostró que el viaje realmente es más importante que el destino, o si eso suena demasiado trillado, demostró que el drama que se desarrolla durante el proceso del acto creativo de un pintor es más importante que el relicario que resulta de ese proceso.

La realización de Rosenberg liberó a las generaciones siguientes de artistas de pensar en su trabajo únicamente en términos de “producción de objetos.” Pudieron involucrarse en procesos experimentales y centrarse completamente en las ideas. Tuvieron permiso para comenzar sin tener que predecir los resultados finales. Sin este cambio en la conciencia de los artistas, nunca hubiéramos podido disfrutar de los “acontecimientos” ni del trabajo de los artistas conceptuales o del movimiento Fluxus. Nunca hubiéramos podido experimentar los misterios efímeros y transitorios del arte terrestre. Nunca hubiéramos disfrutado los frutos del movimiento de espacios alternativos para el arte. En muchos sentidos, fue la pintura de acción la que permitió a los artistas cambiar su enfoque de hacia dónde exactamente se dirigían, y recordarles que a menudo lo más importante en el arte y en la vida es cómo llegan allí.

Imagen destacada: Jackson Pollock - Arcoíris grisáceo, 1953. Óleo sobre lino. 72 × 96 1/10 pulg; 182.9 × 244.2 cm. Instituto de Arte de Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio