Escultura Minimalista como la Contemplación Prístina del Espacio

¿Está la escultura minimalista definida por un conjunto de reglas? ¿El éxito de una escultura minimalista depende de sus propias propiedades o de cómo interactúa con su entorno? El crítico de arte Guillaume Apollinaire declaró una vez que la escultura debe representar formas de la naturaleza, o de lo contrario era arquitectura. El artista minimalista Robert Morris describió la escultura como ocupando la parte media de un continuo de “cosas tridimensionales inútiles” que van desde monumentos hasta adornos. Dejando de lado el valor cómico, ninguna de estas afirmaciones ayuda mucho a entender la verdadera y completa naturaleza de la escultura, especialmente la escultura minimalista. En lugar de enredarnos en definiciones académicas, creemos que la escultura minimalista se entiende mejor manteniendo una mente abierta y observando cuidadosamente a los artistas que fueron pioneros en sus caminos.

El Padre Fundador de la Escultura Minimalista

Ronald Bladen demostró una habilidad ejemplar para el dibujo y la pintura desde temprana edad. Pero fueron sus obras escultóricas las que le trajeron fama y respeto. A principios de los años 60, Bladen cambió su práctica alejándose de las pinturas expresionistas abstractas que realizaba y comenzó a crear objetos de madera a gran escala. Algunas formas eran reconocibles, como una X gigante, y otras eran abstractas. No especificaba exactamente qué eran los objetos, simplemente señalaba que intentaba hacer algo que tuviera “presencia”.

Una de las primeras esculturas minimalistas de Bladen se llamó White Z. No era ni geométrica ni figurativa. Era abstracta, monocromática, de bordes definidos y compleja. Reaccionaba a la luz, era táctil y se apoyaba en el suelo. No fue reducida de una forma mayor, sino construida a partir de formas más pequeñas. Poseía su propio gestalt: un todo organizado que se volvía más sustancial que la suma de sus partes.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

En 1966, la obra de Bladen fue incluida en la exposición Primary Structures, junto con Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre y decenas de otros artistas minimalistas. Esa exposición se considera un momento definitorio en la historia del minimalismo. Bladen presentó una obra en la muestra, una escultura de tres piezas titulada Three Elements.

La obra era casi monumental en escala. Transformaba la naturaleza misma del espacio que ocupaba. El espacio es simplemente un área dentro de la cual las cosas existen y se mueven. Three Elements creó nuevos espacios dentro de un espacio. Se convirtió en espacio. Forzaba la contemplación no solo de su propia forma sino también de la forma de su entorno y de los otros habitantes de sus alrededores.

Ronald Bladen - Three Elements, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Valores Escultóricos

A pesar del innegable “algo” de las esculturas de Bladen, algunos críticos y espectadores de la época, y también algunos artistas, no las consideraban esculturas. Las definiciones existentes de escultura parecían no aplicarse a lo que fueran esas cosas. Por eso estas obras fueron tan revolucionarias y tan perfectamente adecuadas a la teoría minimalista emergente de entonces. Requirieron una reducción de las mismas definiciones del arte.

En lugar de definir una escultura como algo figurativo, o geométrico, o algo tallado de algún material o fundido de otro, estos objetos requerían una explicación diferente. Redefinieron la escultura como algo caracterizado no por lo que es, sino por lo que no es. Una pintura es un objeto estético que consiste en una superficie que actúa como soporte para la pintura, cuyo propósito está contenido o comunicado a través de la pintura en la superficie. La arquitectura es una estructura destinada a la habitación. Una escultura no es ninguna de las dos. Es un objeto estético que no es pintura ni arquitectura pero que existe en el espacio tridimensional.

Donald Judd - Objetos específicos sin título, © Donald Judd

La Relación de la Escultura con la Pared

Uno de los mayores desafíos que el minimalismo planteó a la escultura fue si la escultura tenía que colocarse en el suelo. Robert Morris declaró una vez que las esculturas debían colocarse absolutamente en el suelo, porque solo en el suelo podían ser afectadas por la gravedad, una propiedad escultórica esencial. Pero algunos de los objetos escultóricos más famosos creados por artistas asociados con el minimalismo, de hecho, cuelgan en la pared o utilizan la pared para su soporte.

Donald Judd llamó a las obras escultóricas que creó Objetos específicos. Los definió como ni pinturas ni esculturas. Muchas de sus Objetos específicos más famosos cuelgan en la pared. Son objetos tridimensionales, tienen una forma definida, poseen escala, interactúan con la luz y son táctiles. Poseen color y superficie, como todas las cosas materiales, pero su propósito no está definido por esos elementos ni se comunica necesariamente algo a través de ellos.

¿Son esculturas o no? Cualesquiera que sean los juegos semánticos que queramos jugar, las obras de Judd son claramente de naturaleza escultórica. Pero al colgarlas en la pared se plantearon nuevas preguntas sobre las relaciones espaciales. En lugar de usar el espacio de una galería para contextualizar obras de arte, estas obras recontextualizaron los espacios en los que se instalaron. Habitaron el entorno y lo reordenaron. Invitaron a los espectadores a contemplar los espacios adicionales que las partes de las obras creaban con su presencia. Incluso cuestionaron el papel de la arquitectura al adherirse a ella. Aunque no están forzadas al suelo por la gravedad, llaman la atención sobre la gravedad al demostrar resistencia a ella.

Ellsworth Kelly - Obra, © Ellsworth Kelly

La Forma del Cambio

Las obras de otros artistas minimalistas como Ellsworth Kelly y John McCracken también desafiaron las definiciones existentes de escultura. Las superficies moldeadas y monocromáticas de Kelly colgaban en la pared y estaban cubiertas de pintura, pero estaban mucho más alineadas con la esencia de la escultura que con la de la pintura. Las “tablillas” monocromáticas de McCracken descansaban contra la pared, usándola como soporte al igual que una pintura, pero confiando principalmente en el suelo.

Aunque cada uno de estos artistas minimalistas se esforzó por definir lo que hacían y abordar el debate sobre cómo definir sus obras escultóricas, queda mucho espacio para continuar el debate sobre el tema. El artista minimalista contemporáneo Daniel Göttin es uno de los muchos artistas que siguen explorando esta zona estética vagamente definida. Artista multidisciplinario, Göttin crea murales, instalaciones y objetos abstractos geométricos tridimensionales que cuelgan en la pared.

Sus objetos de pared poseen superficies que están pintadas o cubiertas con otros medios industriales, pero no se definen por sus superficies pintadas, y las superficies no comunican nada específico. Son escultóricos, pero cuelgan planos en la pared. Detrás de ellos y dentro de ellos se crea y redefine el espacio, y nuestra experiencia del espacio circundante se recontextualiza por su presencia.

John McCracken - obra, © John McCracken

La Sencillez No Es Simple

Una de las lecciones clave que nos enseña la escultura minimalista es que la semántica de las etiquetas es irrelevante. El significado que encontramos en estas obras proviene menos de cómo las llamamos y más de las formas en que nos invitan a contemplar el espacio. A través de ellas volvemos a la pureza de esta simple revelación, que ellas, como nosotros, habitan el espacio, lo interrumpen, lo contienen, lo definen, lo contextualizan y le dan orden.

A pesar de su sencillez, son infinitamente complejas en su capacidad para desafiarnos y comprometernos. Como señaló Robert Morris, “La simplicidad de la forma no equivale necesariamente a simplicidad de la experiencia.”

Imagen destacada: Daniel Göttin - Sin título E, 2005, Papel de aluminio sobre cartón corrugado, 25 x 25 pulgadas.
Todas las imágenes usadas solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio