La Música de Color de Sam Gilliam en Basilea
En conjunción con el inicio de Art Basel 2018, el Kunstmuseum Basel abrió recientemente lo que se considera la primera exposición individual europea del trabajo del artista abstracto estadounidense Sam Gilliam. Titulada La Música del Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973, la exposición presenta un total de 45 obras seleccionadas de colecciones privadas e institucionales de Estados Unidos y Europa. En la opinión de muchos artistas que trabajan hoy en día, Gilliam es uno de los pintores estadounidenses más importantes, no solo porque su trabajo es hermoso, sino por la contribución que ha hecho a la teoría del arte contemporáneo. Sus innovaciones destruyeron preconcepciones en un momento crucial y desafiaron directamente algunas de las voces más ruidosas de su generación. Tan importantes fueron sus ideas que puede parecer difícil de creer que Gilliam nunca antes haya tenido una exposición individual en Europa. Sin embargo, si realmente examinas su carrera, puede que no sea una sorpresa después de todo. Gilliam siempre ha hecho las cosas a su manera. A pesar de que su trabajo ayudó a establecer el mercado de arte multifacético que conocemos hoy, nunca ha actuado según las expectativas de ese mercado. En una palabra, Gilliam es un rebelde. A pesar de haber representado a Estados Unidos en la Bienal de Venecia en dos ocasiones—en 1972 y 2017—recientemente firmó con una galería, por primera vez en su carrera. En el pasado, incluso cuando estaba en el centro de atención, principalmente vendía su trabajo él mismo, desde su estudio. No obstante, sus compradores incluían docenas de los museos más prestigiosos del mundo, incluyendo el Tate Modern, el Museo Guggenheim de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte, MoMA y la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, todos los cuales poseen sus obras. Su disposición a nunca hacer lo que se espera podría ser lo que detuvo a Gilliam de ser el tema de una exposición monográfica europea hasta ahora. Pero también es lo que llevó a sus mayores avances. Su singular confianza en su propia visión hace de Gilliam el representante perfecto de la independencia en el mundo del arte, y es lo que lo ha convertido en una leyenda viva en el mundo del arte abstracto contemporáneo.
En el Biselado
Nacido en 1933, Gilliam comenzó su carrera profesional en un momento en que las tendencias se dirigían hacia el Minimalismo, la Abstracción Geométrica y la Abstracción Post-Pictórica. Al igual que muchos otros pintores de su generación, comenzó pintando exactamente ese tipo de obras. Sus obras abstractas geométricas de borde duro de principios de la década de 1960 son reminiscentes de las obras de artistas como Frank Stella, Max Bill o Carmen Herrera. El año en que todo cambió para Gilliam fue 1967. Fue entonces cuando adoptó un método completamente diferente de verter pintura acrílica directamente sobre lienzo sin imprimar y luego doblar el lienzo mientras la pintura aún estaba húmeda. Luego permitiría que el lienzo se secara para que las líneas arrugadas quedaran incorporadas para siempre en el material. Solo entonces estiraría el lienzo sobre barras de estiramiento.
Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrílico sobre lienzo, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Cortesía del artista, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, y David Kordansky Gallery, Los Ángeles. ©2018, ProLitteris, Zúrich.
Las líneas resultantes de este método sirven como restos de la mano del artista y añaden estructura y dimensionalidad al objeto artístico. Esta innovación por sí sola fue revolucionaria. Sin embargo, Gilliam no se detuvo ahí. A continuación, biseló los bordes de sus barras de estiramiento, lo que trajo nueva atención a los lados de la pintura, dándoles igual importancia junto con la superficie. Los bordes biselados hacían que las pinturas parecieran emerger hacia afuera de la pared, en lugar de simplemente colgar de ella. Esto le dio a las pinturas una presencia casi escultórica. Él llamó a estas obras “Pinturas en Rebanadas.” La palabra rebanada tenía múltiples significados. Las barras de estiramiento fueron rebanadas, creando el efecto biselado. Además, los pliegues en el lienzo actuaron como rebanadas en la imagen, creando combinaciones de colores impredecibles y variaciones estructurales inesperadas en la obra, reminiscentes de lechos de ríos tallados en la superficie de la Tierra.
Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrílico sobre lienzo, viga de roble. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Cortesía del artista, Kunstmuseum Basel y David Kordansky Gallery, Los Ángeles ©2018, ProLitteris, Zúrich
Nunca el mismo dos veces
La siguiente innovación por la que Gilliam es conocido ocurrió en 1968, cuando creó su primera "Pintura de Drapé". Este cuerpo de trabajo habita un espacio teórico en algún lugar entre la pintura, la escultura y la instalación, porque elimina los bastidores, ampliando así la definición de lo que puede ser una pintura. Gilliam pintó sus "Pinturas de Drapé" utilizando el mismo método que empleó con sus "Pinturas de Corte", vertiendo pintura acrílica directamente sobre lienzo sin imprimar. Pero cuando la pintura estuvo terminada, en lugar de arrugarla y luego estirarla, simplemente colgó el lienzo directamente en la pared, como una cortina o un artículo de ropa. Sus "Pinturas de Drapé" llevaron la idea de un lienzo moldeado a un nuevo nivel, permitiendo que la obra adoptara una configuración completamente nueva cada vez que se presenta. Gilliam ha señalado con alegría que sus "Pinturas de Drapé" nunca se muestran de la misma manera dos veces.
Sam Gilliam - Luz Rubí, 1972, Acrílico sobre lienzo, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Cortesía del artista y del Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Institución Smithsonian, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zúrich.
Desde sus grandes avances a finales de la década de 1960, Gilliam ha continuado experimentando y evolucionando como artista. Ha ampliado su gama de superficies, pintando sobre papel y madera. También ha examinado los límites del collage, encontrando cada vez más formas de mezclar materiales, medios y técnicas. Sin embargo, a pesar de las aparentes diferencias en todos sus diversos cuerpos de trabajo, hay un aspecto de todo lo que Gilliam ha hecho que define su contribución única al arte contemporáneo, que tiene que ver con cómo nos ayudó a entender que la pintura y la escultura realmente son lo mismo. La gente a menudo dice que un artista ha difuminado las fronteras entre la pintura y la escultura, quizás porque sus pinturas tienen dimensión, o porque cuelgan del techo o se sientan en el suelo. Gilliam logró mucho más que eso. Realmente trata sus superficies de la misma manera que un escultor podría tratar el metal, el mármol o la arcilla. Prueba que la superficie de una pintura posee la capacidad de transmitir emoción, contar una historia o comunicar un tema formal. Define la superficie como más que un soporte; la convierte en un medio en sí mismo. La Música del Color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 está en exhibición hasta el 30 de septiembre en El Kunstmuseum Basel.
Imagen destacada: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acrílico sobre lienzo, 304.8 x 2269 cm. Colección Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zúrich
Por Phillip Barcio
