La Música de Color de Sam Gilliam en Basilea

En conjunto con el inicio de Art Basel 2018, el Kunstmuseum Basel inauguró recientemente lo que se considera la primera exposición individual europea de la obra del artista abstracto estadounidense Sam Gilliam. Titulada La música del color: Sam Gilliam, 1967 – 1973, la exposición presenta un total de 45 obras seleccionadas de colecciones privadas e institucionales de Estados Unidos y Europa. Según la opinión de muchos artistas actuales, Gilliam es uno de los pintores estadounidenses más importantes, no solo porque su obra es hermosa, sino por la contribución que ha hecho a la teoría del arte contemporáneo. Sus innovaciones rompieron prejuicios en un momento crucial y desafiaron directamente algunas de las voces más fuertes de su generación. Tan importantes fueron sus ideas que puede parecer difícil de creer que Gilliam nunca antes haya tenido una exposición individual en Europa. Sin embargo, si se examina su carrera detenidamente, quizás no sea tan sorprendente después de todo. Gilliam siempre ha hecho las cosas a su manera. Aunque su obra ayudó a establecer el mercado artístico multifacético que conocemos hoy, nunca se ajustó a las expectativas de ese mercado. En una palabra, Gilliam es un rebelde. A pesar de haber representado a Estados Unidos en la Bienal de Venecia en dos ocasiones —en 1972 y 2017—, solo recientemente firmó con una galería, por primera vez en su carrera. En el pasado, incluso cuando estuvo en el centro de atención, vendía principalmente su obra él mismo, desde su taller. No obstante, sus compradores incluyeron a decenas de los museos más prestigiosos del mundo, como la Tate Modern, el Museo Guggenheim de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte, el MoMA y la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, todos los cuales poseen sus obras. Su disposición a no hacer nunca lo esperado podría ser la razón por la que Gilliam no fue objeto de una exposición monográfica europea hasta ahora. Pero también es lo que llevó a sus mayores avances. Su confianza singular en su propia visión hace de Gilliam el representante perfecto de la independencia en el mundo del arte, y es lo que lo ha convertido en una leyenda viva en el mundo del arte abstracto contemporáneo.

En el borde biselado

Nacido en 1933, Gilliam inició su carrera profesional en una época en que las tendencias se dirigían hacia el minimalismo, la abstracción geométrica y la abstracción post-pictórica. Como muchos otros pintores de su generación, comenzó pintando precisamente ese tipo de obras. Sus trabajos abstractos geométricos de bordes duros de principios de los años 60 recuerdan a los de artistas como Frank Stella, Max Bill o Carmen Herrera. El año en que todo cambió para Gilliam fue 1967. Fue entonces cuando adoptó un método completamente diferente: verter pintura acrílica directamente sobre lienzo sin imprimar y luego plegar el lienzo mientras la pintura aún estaba húmeda. Después dejaba secar el lienzo para que las líneas arrugadas quedaran para siempre incorporadas al material. Solo entonces estiraba el lienzo sobre los bastidores.

Sam Gilliam - Whirlirama, 1970. Acrílico sobre lienzo, 282.6 x 293.4 x 5.1 cm. Foto: Fredrik Nilsen, Cortesía del artista, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, y la Galería David Kordansky, Los Ángeles. ©2018, ProLitteris, Zúrich

Las líneas resultantes de este método sirven como vestigios de la mano del artista y añaden estructura y dimensionalidad al objeto artístico. Esta innovación por sí sola fue revolucionaria. Pero Gilliam no se detuvo ahí. Luego biseló los bordes de sus bastidores, lo que atrajo nueva atención a los lados de la pintura, dándoles igual importancia que a la superficie. Los bordes biselados hacían que las pinturas parecieran emerger de la pared, en lugar de simplemente colgar en ella. Esto les otorgaba una presencia casi escultórica. Él llamó a estas obras “Pinturas en rebanadas”. La palabra rebanada tenía múltiples significados. Los bastidores eran cortados, creando el efecto biselado. Además, los pliegues en el lienzo actuaban como cortes en la imagen, creando combinaciones de colores impredecibles y variaciones estructurales inesperadas en la obra, que recuerdan a los cauces de ríos tallados en la superficie de la Tierra.

Sam Gilliam - Rondo, 1971. Acrílico sobre lienzo, vigas de roble. 261 x 366 x 198 cm. Foto: Lee Thompson, Cortesía del artista, Kunstmuseum Basel y Galería David Kordansky, Los Ángeles ©2018, ProLitteris, Zúrich

Nunca igual dos veces

La siguiente innovación por la que Gilliam es conocido ocurrió en 1968, cuando creó su primera “Pintura Drapeada”. Este conjunto de obras habita un espacio teórico entre la pintura, la escultura y la instalación, porque elimina los bastidores, ampliando así la definición de lo que puede ser una pintura. Gilliam pintó sus “Pinturas Drapeadas” usando el mismo método que empleó con sus “Pinturas en rebanadas”, vertiendo pintura acrílica directamente sobre lienzo sin imprimar. Pero cuando la pintura estaba terminada, en lugar de arrugarla y luego estirarla, simplemente colgaba el lienzo directamente en la pared, como una cortina o una prenda de vestir. Sus “Pinturas Drapeadas” llevaron la idea del lienzo con forma a un nuevo nivel, permitiendo que la obra adopte una configuración completamente nueva cada vez que se presenta. Gilliam ha señalado con satisfacción que sus “Pinturas Drapeadas” nunca se muestran igual dos veces.

Sam Gilliam - Ruby Light, 1972, Acrílico sobre lienzo, 203 x 144 x 30 cm. Foto: Cathy Carver, Cortesía del artista y del Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Institución Smithsonian, Washington DC. ©2018, ProLitteris, Zúrich

Desde sus grandes avances a finales de los años 60, Gilliam ha continuado experimentando y evolucionando como artista. Ha ampliado su gama de superficies, pintando sobre papel y madera. También ha explorado los límites del collage, encontrando cada vez más formas de combinar materiales, medios y técnicas. A pesar de las aparentes diferencias en todos sus diversos conjuntos de obras, hay un aspecto en todo lo que Gilliam ha hecho que define su contribución única al arte contemporáneo, y tiene que ver con cómo nos ayudó a entender que la pintura y la escultura realmente son lo mismo. A menudo se dice que un artista ha difuminado las fronteras entre pintura y escultura, quizás porque sus pinturas tienen dimensión, o porque cuelgan del techo o están en el suelo. Gilliam logró mucho más que eso. Realmente trata sus superficies de la misma manera que un escultor podría tratar el metal, el mármol o la arcilla. Demuestra que la superficie de una pintura posee la capacidad de transmitir emoción, contar una historia o comunicar un tema formal. Define la superficie como algo más que un soporte: la convierte en un medio en sí misma. La música del color: Sam Gilliam, 1967 – 1973 estará en exhibición hasta el 30 de septiembre en el Kunstmuseum Basel.

Imagen destacada: Sam Gilliam - Light Depth, 1969. Acrílico sobre lienzo, 304.8 x 2269 cm. Colección Corcoran, Washington D.C. © 2018, ProLitteris, Zúrich

Por Phillip Barcio