El Papel de las Formas Biomórficas en el Arte Abstracto

Biomorphism proviene de las palabras griegas bio, que significa vida, y morphe, que significa forma. Sin embargo, no significa forma de vida. Más bien, significa la tendencia a mostrar la apariencia o cualidades de un ser vivo. Aunque suena científico, el uso más antiguo del término fue para describir el arte biomórfico en la exposición de Cubismo y Arte Abstracto de 1936 en el MoMA. Escrito por Alfred H. Barr, el catálogo de esa exposición definió el biomorfismo como, “Curvilíneo más que rectilíneo, decorativo más que estructural y romántico más que clásico en su exaltación de lo místico, lo espontáneo y lo irracional.” Barr acuñó el término para explicar a los espectadores la naturaleza de un cierto tipo de abstracción que había estado apareciendo en el arte moderno desde principios del siglo XX. La abstracción biomórfica incorpora un lenguaje visual basado en formas biomórficas—formas bulbosas, exuberantes y suntuosas—que no son ni representativas ni geométricas, pero que resultan extrañamente familiares; las personas las reconocen y conectan con ellas a un nivel primario, aunque nunca las hayan visto antes.

Las raíces del biomorfismo

Un filósofo francés llamado Henri Bergson expresó por primera vez los conceptos subyacentes al biomorfismo a principios de 1900. En ese momento, la actitud predominante de la clase intelectual era que la razón y la ciencia eran las mejores, si no las únicas, formas de entender el mundo real. Una forma particularmente popular de ver el mundo era desde una perspectiva teleológica. La teleología sostiene que todo tiene dos tipos de propósitos: propósitos naturales, innatos o intrínsecos, y propósitos no naturales, impuestos o extrínsecos. Por ejemplo, el propósito intrínseco de un bulbo de flor sería crecer hasta convertirse en una flor. El propósito extrínseco de un bulbo de flor sería generar ingresos para el dueño de una tienda de bulbos de flores.

Henri Bergson creía que el propósito no era ni intrínseco ni extrínseco, sino maleable, incognoscible y quizás inexistente en el sentido de que no podía definirse objetivamente. Creía que la intuición, basada en la experiencia y el instinto, era igual o más importante que la ciencia y la lógica. Explicó que la creatividad evoluciona de la misma manera que la naturaleza, a través de procesos de fecundidad, mutación y lo que describió como novedad imprevisible. Sentía que había un límite para la razón y para lo que podía planificarse, y que el azar era vital tanto en el mundo natural como en la obra creativa de los artistas. Vital para su filosofía era el automatismo; la idea de que los sistemas naturales y los individuos creativos pueden actuar de forma independiente e impredecible, sin precedentes ni explicación.

Wassily Kandinsky - Estudio para Composición II, 1910. 97.5 x 130.5 cm. Museo Solomon R. Guggenheim, Ciudad de Nueva York, NY, EE. UU.

Arte biomórfico

Las ideas que propuso Bergson contrastaban marcadamente con la forma analítica en que muchos artistas abordaban su trabajo. Una de las primeras manifestaciones estéticas de los procesos naturales que describió Bergson fue la pintura Le Bonheur de Vivre, de Henri Matisse. La pintura es figurativa pero abstracta. Muestra personas descansando desnudas en un paraíso similar al Edén. Las formas biomórficas conforman el entorno natural, y las formas humanas son corpulentas y de aspecto orgánico. El entorno natural parece estar en un estado de cambio, y el lenguaje visual que comparten con las figuras humanas implica que la humanidad también está conectada con el estado en constante evolución de la naturaleza. La estética de esta pintura formó la base de lo que llegaría a considerarse abstracción biomórfica.

La abstracción biomórfica fue una alternativa para muchos pintores frente al formalismo intencional que dominaba las tendencias abstractas precisas y geométricas de estilos como el Constructivismo y el Arte Concreto. Wassily Kandinsky estaba particularmente interesado en los aspectos espirituales y musicales del arte abstracto. Combinó formas biomórficas con las líneas y formas geométricas en sus primeras pinturas puramente abstractas. Aunque el pintor Joan Miró insistía en que sus pinturas no eran abstractas, sino representaciones de las imágenes oníricas que veía en su mente, también incorporó de manera famosa formas biomórficas en su estilo icónico e idiosincrático.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (La alegría de vivir), 1905-1906. Óleo sobre lienzo. 175 x 241 cm. Fundación Barnes, Lower Merion, PA, EE. UU.

Escultura biomórfica

Poco después de su aparición en pinturas abstractas, el biomorfismo encontró su voz en las artes tridimensionales. El primer escultor abstracto biomórfico fue Jean Arp. Inicialmente incorporó formas biomórficas en sus relieves murales, que se asemejaban a objetos con forma de huevo con formas anidadas dentro de otras formas. Luego amplió su trabajo creando objetos escultóricos biomórficos en una gran variedad de formas y tamaños, desarrollando gradualmente un inmenso lenguaje de formas orgánicas y naturales a lo largo de su carrera.

El lenguaje de formas bulbosas que creó Arp se convirtió en una profunda inspiración para dos escultores británicos de mediados de siglo que realmente definieron el lenguaje de la escultura abstracta biomórfica modernista. El primero fue Henry Moore, quien usó el biomorfismo para expresar la conexión esencial entre la naturaleza y la humanidad, y es mejor conocido por sus monumentales abstracciones biomórficas de figuras humanas reclinadas. La otra fue Barbara Hepworth, quien utilizó una enorme variedad de materiales y técnicas y amplió enormemente el lenguaje del biomorfismo en su obra monumental.

Joan Miró - Pintura, 1933. Óleo sobre lienzo. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París

Surrealismo y la otra morfología

Uno de los estilos más influyentes en los que el biomorfismo dejó su huella fue el Surrealismo. Yves Tanguy pintó formas inquietantes, extrañamente vivas, pero alienadas en sus desolados paisajes surrealistas. Su luz dura y sus entornos antinaturales evocan nociones apocalípticas, y las formas mismas parecen más huesos y restos que vida en sí. Mientras tanto, las formas que gotean, rezuman y cambian constantemente en las pinturas de Salvador Dalí habitan un espacio entre la vida y la muerte. Incluso lo que parece estar hecho de piedra amenaza con cobrar vida en sus imágenes oníricas.

El uso surrealista de formas biomórficas añade una capa interpretativa adicional al estudio del arte abstracto biomórfico. Estos pintores tenían una conexión especial con la palabra raíz morphe. En la mitología griega, Hipnos es el dios del sueño. Su hijo se llama Morfeo, y es el dios de los sueños. El Surrealismo se basó en el estudio del subconsciente y fue muy influenciado por el mundo de los sueños. En ese sentido, fue la manifestación máxima del biomorfismo, ya que se apoyó en el verdadero automatismo, la expresión perfecta de la libertad y la novedad imprevisible, y también habitó el reino de Morfeo, el dios de los sueños.

La tradición biomórfica contemporánea

Hoy en día, las formas biomórficas han encontrado un lugar dentro del léxico estético general del arte abstracto, y muchos artistas contemporáneos incorporan las tradiciones del biomorfismo en su obra. El pintor abstracto radicado en Los Ángeles Gary Paller explora esas tradiciones directamente creando composiciones intuitivas y estratificadas de formas orgánicas que parecen anidarse juntas, envueltas en los ritmos del proceso y la evolución. Y el artista nacido en Boston y radicado en Nueva York Dana Gordon incorpora patrones biomórficos en sus exploraciones de preocupaciones abstractas más formales, como el color, la estructura y la línea.

Aunque el pensamiento raíz detrás del biomorfismo surgió como una reacción contra la racionalidad y la ciencia, la evolución del biomorfismo en el arte nos ha ayudado a darnos cuenta de que las personas ya no necesitan elegir entre la razón y el instinto. Nos ha ayudado a unir el lado racional y analítico de nuestra naturaleza con la extraña y natural belleza de lo que Alfred H. Barr llamó el “místico, lo espontáneo y lo irracional” mundo biomórfico.

Imagen destacada: Yves Tanguy - Te espero, 1934. Óleo sobre lienzo. 28 1/2 x 45 in. (72.39 x 114.3 cm) Marco: 35 × 50 × 1 in. (88.9 × 127 × 2.54 cm). Colección LACMA
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio