Un Arte Otro - Abstracción en el París de la Posguerra en Levy Gorvy

En 1952, el crítico y curador de arte francés Michel Tapié acuñó la frase “Un Art Autre,” que significa “arte de otro tipo,” para referirse a una tendencia que percibía en el arte abstracto, alejándose de la racionalidad y acercándose a la espontaneidad. La tendencia no solo se manifestaba en Francia, donde Tapié residía, sino que fue a Francia a donde muchos artistas de todo el mundo viajaron durante las décadas de 1950 y 60 para compartir su exploración de este fenómeno estético. Algunos eran veteranos de la Segunda Guerra Mundial que se quedaron en Europa después de la guerra o regresaron para estudiar y trabajar. Otros simplemente se sentían atraídos por la emoción de una ciudad y cultura que intentaba reconstruirse. Aprovechando la única “cultura de café” de París, este colectivo internacional de artistas y pensadores compartía sus ideas libremente, creando una escena emocionante y primordial. Esa fascinante cultura es actualmente el tema de una exposición en Levy Gorvy en Londres, que toma su nombre del movimiento al que Tapié dio nombre. Un Art Autre presenta 22 pinturas de cinco pintores— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell y Sam Francis—cada uno de los cuales en algún momento durante las décadas de 1950 y 60 llamó a París su hogar. Representando a Francia, China, Canadá y Estados Unidos respectivamente, estos artistas trajeron consigo una visión del mundo individualista y una historia personal. Cada uno tenía una relación completamente diferente con la pintura y con la vida. Sin embargo, todos compartían el deseo de conectar con algo intuitivo y libre. De ninguna manera estos cinco artistas fueron las únicas voces del “arte de otro tipo” que evolucionó tras la guerra en Europa, pero ver sus obras juntas en esta exposición ofrece un punto de entrada conmovedor al movimiento del que formaron parte. También brinda a los espectadores contemporáneos la oportunidad de examinar las diferencias entre este movimiento y tendencias similares que se manifestaron en otros lugares durante este tiempo, como el Expresionismo Abstracto en Estados Unidos.

Color y Blanco y Negro

Hoy en día, Pierre Soulages es considerado por muchos como el pintor vivo más grande. Es amado por sus elegantes y a menudo emocionalmente abrumadoras pinturas negras. Incluso cuando Soulages estaba desarrollando su voz única en París después de la guerra, tenía una comprensión profunda de cómo funcionaba el color negro en sus pinturas. No lo veía como una forma de mostrar oscuridad, sino como una manera de “crear luz.” Al yuxtaponer acabados brillantes y mate, y crear relaciones entre áreas negras y blancas del lienzo, creó oportunidades para que la luz interactuara con las texturas y matices. Las relaciones entre las diferentes áreas del lienzo son parte de lo que hace que sus pinturas sean tan luminosas. En esta exposición, vemos cinco de sus lienzos. A pesar de su estructura compositiva ajustada en pinturas como “Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957” (1957) y “Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957” (1957), sus negros vibrantes y sus vigorosas pinceladas dan vida a sus superficies. No son un negro puro, pero la interacción de ocres, azules y blancos hace que el negro brille aún más.

Joan Mitchell - Sin título, 1957. Óleo sobre lienzo. 175,2 x 148,5 cm (69 x 58 1/2 pulgadas). Colección privada, Santa Bárbara. © Patrimonio de Joan Mitchell.

Las relaciones de color también eran de suma importancia para Joan Mitchell, cuatro de cuyas obras están en esta exposición. Las cuatro—que probablemente serán nuevas para la mayoría de los visitantes, ya que fueron reunidas completamente de colecciones privadas—demuestran la maestría de Mitchell para transmitir tono emocional a través de su paleta de colores. Lo que vemos en sus obras es claramente algo “de la naturaleza,” a pesar de que las imágenes son completamente abstractas. Esa sensación de naturalidad se intensifica por el estilo gestual casi extático que Mitchell desarrolló durante sus frecuentes visitas y eventual traslado a Francia—un estilo que está bellamente representado por las obras en esta muestra. Sus composiciones son las más sueltas y libres de todas las obras en la exposición: un testimonio de su deseo de desaparecer dentro de sí misma mientras pintaba, y de capturar una sensación de algo personal basado en sus propios recuerdos del mundo natural.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Óleo sobre lienzo. 205,1 x 193 cm (80 3/4 x 76 pulgadas). Museo de Arte Mildred Lane Kemper, Universidad de Washington en St. Louis. Donación del Sr. y la Sra. Richard K. Weil, 1962. © Fundación Sam Francis, California / DACS 2019.

La Gama Completa del Impulso

Las obras en exhibición de Jean Paul Riopelle demuestran el cambio dramático que ocurrió en sus métodos durante los primeros años de la década de 1950. La más reconocible en la muestra es “Abstracción (Naranja)” (1952). Una de las obras más grandes de la exposición, su acción gestual frenética establece un paralelo inmediato con las pinturas salpicadas más comúnmente asociadas con pintores expresionistas abstractos como Jackson Pollock. En obras posteriores como “Horizontal, Blanco y Negro” (1955), vemos a Riopelle construyendo una técnica mucho más deliberada, con marcas de pincel apretadas, medidas y llenas de ansiedad, aunque sin perder la energía impulsiva que tanto anima su trabajo. En casi el extremo opuesto de la escala del impulso vemos tres pinturas sublimes de Zao Wou-Ki. Sus paletas apagadas y armonías compositivas equilibradas muestran a un pintor que logra un equilibrio maravillosamente inquietante entre la expresión libre y la calma medida.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Blanco y Negro, 1955. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm (28 3/4 x 36 1/4 pulgadas). Foto: Øystein Thorvaldsen. Colección Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Noruega. © SODRAC, Montreal y DACS, Londres, 2019.

El pintor que menos conozco de esta exposición es Sam Francis. Después de ver los cinco ejemplos de su obra en la muestra, siento que aún hay mucho por aprender sobre él. La frivolidad etérea de una composición sin título, naranja, amarilla y azul evocó en mí pensamientos de Hellen Frankenthaler, mientras que su “Serie Azul No. 1” (1960) recordó inmediatamente a Yves Klein. Dos piezas más—“Composición” (c. 1957-58) y “Sin título” (1959)—ofrecieron algo más distinto: una emoción casi eléctrica, como si estuviera literalmente viendo imágenes de fluctuación y flujo. Esos conceptos, de hecho, están en el corazón de lo que esta exposición tiene que decir sobre el “otro tipo de arte” que surgió en París en las décadas de 1950 y 60. Es difícil definirlo exactamente y difícil de nombrar, pero fue un arte definido por su capacidad de cambiar y su disposición a dejarse llevar. Un Art Autre está en exhibición en Levy Gorvy Londres hasta el 5 de julio de 2019.

Imagen destacada: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Óleo sobre lienzo. 81 x 130 cm (31 7/8 x 51 3/16 pulgadas). Colección privada. © DACS 2019.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio