Un Arte Otro - Abstracción en el París de la Posguerra en Levy Gorvy

En 1952, el crítico de arte y curador francés Michel Tapié acuñó la frase “Un Art Autre”, que significa “arte de otro tipo”, para referirse a una tendencia que percibía en el arte abstracto, alejándose de la racionalidad y hacia la espontaneidad. La tendencia no solo se manifestaba en Francia, donde Tapié estaba basado, sino que era a Francia a donde muchos artistas de todo el mundo viajaron durante las décadas de 1950 y 1960 para compartir su exploración de este fenómeno estético. Algunos eran veteranos de la Segunda Guerra Mundial que se quedaron en Europa después de la guerra o regresaron allí para estudiar y trabajar. Otros simplemente se sintieron atraídos por la emoción de una ciudad y una cultura que intentaban reconstruirse. Aprovechando la única “cultura de café” de París, este colectivo internacional de artistas y pensadores compartió sus ideas libremente, creando una escena emocionante y primordial. Esa fascinante cultura es actualmente el tema de una exposición en Levy Gorvy en Londres, que toma su nombre del movimiento al que Tapié dio un nombre. Un Art Autre presenta 22 pinturas de cinco pintores— Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell y Sam Francis—cada uno de los cuales, en algún momento durante las décadas de 1950 y 1960, llamó a París su hogar. Representando a Francia, China, Canadá y los Estados Unidos respectivamente, estos artistas trajeron consigo una cosmovisión individualista y una historia personal. Cada uno tenía una relación completamente diferente con la pintura y con la vida. Sin embargo, todos compartían un deseo de conectarse con algo intuitivo y libre. De ninguna manera estos cinco artistas fueron las únicas voces del “arte de otro tipo” que evolucionaron a partir de los años de posguerra en Europa, pero ver sus obras juntas en esta exposición ofrece un punto de entrada conmovedor al movimiento del cual formaron parte. También brinda a los espectadores contemporáneos la oportunidad de examinar las diferencias entre este movimiento y tendencias similares que se manifestaron en otros lugares durante este tiempo, como el Expresionismo Abstracto en los Estados Unidos.

Color y Blanco y Negro

Hoy, Pierre Soulages es considerado por muchos como el mejor pintor vivo. Es querido por sus elegantes y a menudo emocionalmente abrumadoras pinturas negras. Incluso cuando Soulages estaba desarrollando su voz única en París después de la guerra, tenía una profunda comprensión de cómo funcionaba el color negro en sus pinturas. Lo veía no como una forma de mostrar la oscuridad, sino como una manera de "crear luz". Al yuxtaponer acabados brillantes y mate, y crear relaciones entre las áreas negras y blancas del lienzo, creó oportunidades para que la luz interactuara con las texturas y matices. Las relaciones entre las diferentes áreas del lienzo son parte de lo que hace que sus pinturas sean tan luminosas. En esta exposición, vemos cinco de sus lienzos. A pesar de su estricta estructura compositiva en pinturas como "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) y "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), sus negros vibrantes y enérgicos pinceladas dan vida a sus superficies. No son en absoluto negro puro, pero la interacción de los ocres, azules y blancos de alguna manera hace que el negro brille aún más.

Joan Mitchell - Sin título, 1957. Óleo sobre lienzo. 69 x 58 1/2 pulgadas (175.2 x 148.5 cm). Colección privada, Santa Bárbara. © Patrimonio de Joan Mitchell.

Las relaciones de color también fueron de suma importancia para Joan Mitchell, cuyas cuatro obras están en esta exposición. Las cuatro—que probablemente serán nuevas para la mayoría de los visitantes, ya que fueron reunidas completamente de colecciones privadas—demuestran la maestría que tenía Mitchell para transmitir el tono emocional a través de su paleta de colores. Lo que estamos viendo en sus obras es claramente algo "de la naturaleza", a pesar de que las imágenes son completamente abstractas. Ese sentido de naturaleza se ve acentuado por el estilo gestual casi extático que Mitchell desarrolló durante sus frecuentes visitas y su eventual mudanza a Francia—un estilo que está bellamente representado por las obras en esta muestra. Sus composiciones son las más sueltas y libres de cualquiera de las obras en la exposición: un testimonio de su deseo de desaparecer dentro de sí misma mientras pintaba, y de capturar un sentido de algo personal basado en sus propios recuerdos del mundo natural.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Óleo sobre lienzo. 80 3/4 x 76 pulgadas (205.1 x 193 cm). Museo de Arte Mildred Lane Kemper, Universidad de Washington en St. Louis. Donación del Sr. y la Sra. Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, California / DACS 2019.

El Rango Completo de Impulso

Las obras en exhibición de Jean Paul Riopelle demuestran el cambio dramático que ocurrió en sus métodos durante principios de la década de 1950. La más reconocible en la muestra es “Abstracción (Naranja)” (1952). Una de las obras más grandes de la exposición, su frenética acción gestual establece un paralelo inmediato con las pinturas de salpicaduras más a menudo asociadas con pintores del Expresionismo Abstracto como Jackson Pollock. En obras posteriores como “Horizontal, Negro y Blanco” (1955), vemos a Riopelle construyendo una técnica mucho más deliberada, con marcas de pincel ajustadas, medidas y llenas de ansiedad, mientras que, no obstante, retiene la energía impulsiva que anima tanto su trabajo. En casi el extremo opuesto de la escala de impulso, vemos tres sublimes pinturas de Zao Wou-Ki. Sus paletas apagadas y armonías compositivas equilibradas muestran a un pintor que logra un equilibrio maravillosamente inquietante entre la expresión libre y la calma medida.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Blanco y Negro, 1955. Óleo sobre lienzo. 28 3/4 x 36 1/4 pulgadas (73 x 92 cm). Foto: Øystein Thorvaldsen. Colección Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Noruega. © SODRAC, Montreal y DACS, Londres, 2019.

El pintor con el que menos familiarizado estoy de esta exposición es Sam Francis. Después de ver los cinco ejemplos de su trabajo en la muestra, siento que hay mucho más que aprender sobre él. La etérea frivolidad de una composición sin título, en naranja, amarillo y azul, evocó en mí pensamientos de Hellen Frankenthaler, mientras que su “Blue Series No. 1” (1960) me recordó inmediatamente a Yves Klein. Otras dos piezas—“Composition” (c. 1957-58) y “Untitled” (1959)—ofrecieron algo más distintivo: una emoción casi eléctrica, como si estuviera mirando literalmente imágenes de fluctuación y flujo. Esos conceptos, de hecho, están en el corazón de lo que esta exposición tiene que decir sobre el “otro tipo de arte” que emergió en París en las décadas de 1950 y 60. Es difícil de definir exactamente, y difícil de nombrar, pero era un arte definido por su capacidad de cambiar y su disposición a soltar. Un Art Autre está en exhibición en Levy Gorvy London hasta el 5 de julio de 2019.

Imagen destacada: Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Óleo sobre lienzo. 31 7/8 x 51 3/16 pulgadas (81 x 130 cm). Colección privada. © DACS 2019.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio