¿Qué aprendimos de Constantin Brancusi?

Cuando visualizas a un escultor abstracto, ¿qué te viene a la mente? ¿Alguien con ropa de trabajo resistente, cubierto de manchas de yeso? ¿Alguien serio, inquisitivo y obsesionado con la perfección? ¿Alguien visionario, lleno tanto de confianza como de humildad? Todo eso puede sonar demasiado poético, como una caricatura. Pero describe perfectamente a Constantin Brancusi, el padre de la escultura abstracta modernista. El acto de manifestar volumen en el espacio de manera no figurativa no es fácil. Pero cuando Brancusi lo hizo por primera vez, era casi inaudito. Brancusi fue pionero en las preocupaciones técnicas y estéticas que han moldeado la forma en que entendemos la escultura abstracta hoy en día. También fue fundamental para sentar las bases filosóficas del campo. Para comprender la trayectoria que ha tomado la escultura abstracta en el último siglo y el lugar que ocupa en el mundo del arte hoy, volvamos atrás y descubramos la fuente.

La leyenda de Constantin Brancusi

La mayoría de las fotografías de un Constantin Brancusi maduro muestran a una especie de hombre salvaje con un rostro profundamente surcado, cabello despeinado, una larga barba y un guardarropa que recuerda al de un vagabundo. Podría parecer una personalidad adoptada para ajustarse a la visión pública de un artista, pero en el caso de Brancusi, ese aspecto no era una actuación. Pocos otros artistas famosos tienen sus credenciales de hombre sencillo. Constantin Brancusi nació en una familia campesina en el campo rumano, a unos 80 kilómetros de la moderna frontera serbia. Aparte del hecho de que cuidaba ovejas a los 7 años, las circunstancias precisas de su juventud no están claras, pero basta decir que pocos niños felices huyen de casa. Brancusi huyó varias veces, finalmente escapando para siempre alrededor de los once años.

Se dirigió 188 km hasta la ciudad de Craiova. Un lugar relativamente cosmopolita y hogar de unas 40,000 personas en ese momento, Craiova tenía una economía basada en la manufactura y la industria. Brancusi se las arregló para ganarse la vida haciendo trabajos ocasionales, incluyendo leer la fortuna y atender a los clientes en un café. Finalmente, comenzó a tomar clases de carpintería y encontró empleo fabricando muebles. La leyenda dice que a los 18 años hizo a mano un violín con madera de desecho. El violín impresionó a un mecenas adinerado que posteriormente financió la educación de Brancusi en la Escuela Nacional de Bellas Artes en la capital de Rumania, Bucarest. Después de graduarse con honores, Brancusi, el antiguo pastor de ovejas, niño fugitivo, pícaro callejero y tallador de violines, dejó su hogar una vez más, según algunos informes caminando casi todo el trayecto de 2300 km desde Bucarest pasando por Austria y Alemania, hasta París.

La esencia de las cosas

Al llegar a París en 1904, Brancusi se encontró en el centro de un torbellino de pensamiento modernista. Continuó con entusiasmo sus estudios en escultura y en un par de años se encontró trabajando como asistente en el taller de uno de los escultores más importantes de la época, Auguste Rodin. Pero después de solo un mes trabajando para Rodin, Brancusi se fue para concentrarse en su propia práctica. Una de las primeras esculturas que Brancusi hizo por su cuenta, en 1907, la llamó El beso, un aparente comentario sobre la famosa escultura de Rodin con el mismo nombre hecha en 1889. Comparar ambas obras lado a lado demuestra la gran diferencia entre la visión de Brancusi y la de su breve mentor.

Además de la obvia división estética, otras diferencias profundas separaban el trabajo de Brancusi y Rodin. Lo más importante era la forma en que cada artista buscaba expresar el verdadero carácter de un sujeto. Rodin tendía a acentuar en exceso la musculatura de sus sujetos para comunicar el poder y el espíritu de su carácter interior. Brancusi llevó la búsqueda del espíritu de sus sujetos en una dirección diferente, rechazando la forma realista por completo en busca de una forma abstracta que pudiera comunicar lo que él llamaba “la realidad oculta interior.”

Otra diferencia fundamental entre el trabajo de Rodin y Brancusi estaba en su método de creación. Rodin había sido pionero en un método de producción a escala industrial para crear sus obras monumentales en metal. Comenzaba una obra modelándola en arcilla y luego empleaba a un equipo de asistentes para ayudarle a fundir la forma final en metal o tallarla en mármol. En directa oposición a esa práctica, Brancusi optó por hacer sus esculturas a mano, tallándolas él mismo en madera o piedra, o fundiéndolas él mismo en metal. La fisicalidad de este método combinada con la apariencia abstracta de las esculturas de Brancusi ayudó a establecer el enfoque modernista temprano en la importancia de la mano del artista y la expresión de una visión artística personal.

Rodin - El beso, circa 1882. Mármol. 181.5 cm × 112.5 cm × 117 cm (71.5 in × 44.3 in × 46 in), © Musee Rodin (Izquierda) y Brancusi - El beso, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París

Superficie y brillo

Junto con su dedicación a tallar a mano sus esculturas, Brancusi también cuidaba inmensamente sus superficies, alisándolas y puliéndolas a mano hasta que quedaban perfectamente lisas y con un alto nivel de brillo. Su escultura Retrato de Mademoiselle Pogany fue ridiculizada por los críticos debido a su exterior liso y brillante, que se comparó con el de un huevo. Princesa X, una de las obras más controvertidas de Brancusi, es un ejemplo perfecto de su dedicación a las cualidades superficiales de su trabajo. Hecha alrededor de 1915, esta escultura de bronce de aspecto futurista causó un gran revuelo en el Salón de los Independientes en París.

La controversia en torno a Princesa X fue que los jueces y espectadores creían que estaba destinada a representar un falo. Brancusi insistió en que esa interpretación era incorrecta. Más bien, afirmó que la escultura altamente pulida y espejada era una versión abstracta de la forma femenina, sugerente de la cabeza, cuello y busto de una mujer, con la cabeza inclinada hacia abajo para reflejarse a sí misma en un espejo. Dejando de lado la controversia, la pieza ayudó a definir la estética icónica y altamente pulida de Brancusi y su búsqueda abstracta de la “esencia de las cosas.”

Constantin Brancusi - Princesa X, 1915, bronce pulido; bloque de piedra caliza, 22 5/8 × 16 1/42 × 9 in, Museo de Arte de Filadelfia, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París

Naturaleza animal

El enfoque de Brancusi en temas abstractos y cualidades formales del material encontró una expresión más intensa en varias esculturas que hizo de animales en la década de 1920. La más famosa de sus formas animales se llamó Pájaro en el espacio. Una forma a la que volvió una y otra vez durante muchos años, no estaba destinada a representar un pájaro real, sino que evocaba el ala de un pájaro y pretendía sugerir la esencia del vuelo.

Otra de las esculturas animales de Brancusi, llamada Pez, casi parece al principio figurativa, ya que el elemento superior parece imitar la forma de un pez. Pero la forma está reducida a una delgada lámina. Y la delgada forma metálica es solo un elemento de toda la pieza. Brancusi hizo esta escultura para que la pieza sirviera como su propia base. En lugar de estar sobre una plataforma, Pez se sostiene por sí misma. Vista en contexto con toda su forma, por lo tanto, Pez se vuelve más simbólica. El elemento metálico con forma de pez se asienta sobre una placa espejada, que descansa sobre una forma tallada en madera que recuerda a un cáliz. En el corazón del cáliz hay una abertura que recuerda a un huevo. Tomada en conjunto, la forma delgada sobre una placa sobre un cáliz evoca un servicio de comunión, una referencia casi explícita a la mitología cristiana.

Constantin Brancusi - Pájaro en el espacio, mármol, 56 3/4 x 6 1/2 in (Izquierda) y Pez, bronce, metal y madera, 934 x 502 x 502 mm (Derecha), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París

Elementos base

Además de su pionero abrazo modernista de referencias mitológicas, Pez de Brancusi, y muchas otras esculturas que hizo en la misma línea, fueron pioneras en el concepto de que una escultura y su método de soporte podían ser un todo unido. La idea de un conjunto escultórico autosuficiente abrió un mundo de posibilidades expositivas que permitió que las obras escultóricas habitaran los espacios de una manera completamente nueva, no como un objeto en exhibición dentro de un espacio, sino como un objeto que participa en el espacio, contextualizándolo e incluso definiéndolo para los espectadores. La escultura de Brancusi La hechicera, creada en 1920, no solo se sostiene por sí misma, sino que la base parece presentar un elemento narrativo adicional, evocando un altar que sostiene la aparente figura de una bruja.

Constantin Brancusi - La hechicera, 1920,© Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París

La influencia contemporánea de Brancusi

Al seguir sus propias ideas hasta sus conclusiones, Brancusi creó una estética de superficie y materialidad que influyó en movimientos tan distantes como el Minimalismo. Sus tallados naturalistas fueron algunos de los primeros ejemplos del estilo biomórfico adoptado por artistas como Barbara Hepworth. Su mezcla de modernismo, mito y primitivismo fue un antecedente de movimientos neoprimitivistas como la Abstracción lírica y el Expresionismo abstracto.

Pero además de ser un pionero estético en el ámbito de la abstracción, Brancusi fue un líder en mentalidad. Creía en sus propias ideas. Consideremos al alumno más famoso de Brancusi, Isamu Noguchi. Antes de conocer a Brancusi, Noguchi fue ridiculizado por su antiguo maestro, el escultor figurativo Gutzon Borglum, famoso como creador del Monte Rushmore. Borglum dijo que Noguchi no tenía talento. Años después, mientras viajaba por París, Noguchi tomó un puesto como asistente de Brancusi. Allí recibió el estímulo que inspiró su propio camino como maestro modernista. Esta fue la influencia más importante de Brancusi en la historia de la escultura modernista: su feroz dedicación al poder y potencial de la visión individual del artista.

Imagen destacada: Constantin Brancusi - Retrato de Mademoiselle Pogany, 1912, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio