Definiendo la Abstracción Lírica

Abstracción Lírica es un término que parece definirse por sí mismo, y sin embargo, durante generaciones su origen y significado han sido objeto de debate. El coleccionista de arte estadounidense Larry Aldrich utilizó el término en 1969 para definir la naturaleza de varias obras que había coleccionado recientemente y que sentía que señalaban un regreso a la expresión personal y la experimentación tras el Minimalismo. Pero el crítico de arte francés Jean José Marchand utilizó una variación del término, Abstraction Lyrique, décadas antes, en 1947, para referirse a una tendencia europea emergente en la pintura similar al Expresionismo Abstracto en los EE. UU. Ambos usos del término se referían a un arte caracterizado por composiciones libres, emotivas y personales no relacionadas con la realidad objetiva. Pero esas tendencias pueden rastrearse aún más atrás, al menos hasta la primera década del siglo XX y el trabajo de Wassily Kandinsky. Para descubrir las verdaderas raíces y el significado de la Abstracción Lírica, y para entender cómo interactuar con sus tendencias en el arte, debemos mirar a los primeros días del arte abstracto.

Poniendo lo Lírico en la Abstracción Lírica

En la década de 1910, varios grupos diferentes de artistas estaban coqueteando con la abstracción, cada uno desde una perspectiva única. Los artistas cubistas y futuristas estaban trabajando con imágenes del mundo real y alterándolas de maneras conceptuales para expresar ideas abstractas. Los artistas suprematistas y constructivistas estaban trabajando con formas reconocibles en su arte, pero usándolas de maneras ambiguas o simbólicas, o de una manera que intentaba transmitir universalidades. Pero otro grupo de artistas estaba abordando la abstracción desde una perspectiva completamente diferente a la del resto.

Epitomizado por Wassily Kandinsky, este grupo abordó la abstracción desde la perspectiva de que no sabían qué significado podría haber en lo que pintaban. Esperaban que al simplemente pintar libremente, sin nociones preconcebidas de estética o del mundo objetivo, algo desconocido pudiera ser expresado a través de su trabajo. Kandinsky comparó sus pinturas con composiciones musicales, que comunicaban emoción de una manera completamente abstracta. Sus pinturas abstractas eran imaginativas, emotivas, expresivas, personales, apasionadas y completamente subjetivas; en otras palabras, líricas.

Wassily Kandinsky - Composición 6, 1913. Óleo sobre lienzo. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Museo del Hermitage, San Petersburgo.

Abstracción Lírica de Posguerra

La Abstracción Lírica de Kandinsky contrastaba con muchas de las otras tendencias del arte abstracto de las décadas de 1920 y 1930. Su arte no estaba específicamente asociado con ninguna religión, pero había algo abiertamente espiritual en él. Otros artistas asociados con estilos como De Stijl, Art Concrete y Surrealismo estaban creando arte que era secular y se prestaba a una interpretación objetiva y académica. Kandinsky buscaba algo que nunca podría ser completamente definido o explicado. Estaba expresando su conexión personal con los misterios del universo de una manera abierta. Era como si hubiera inventado una especie de Existencialismo espiritual.

El existencialismo fue una filosofía que cobró prominencia después de la Segunda Guerra Mundial, cuando las personas luchaban por entender lo que percibían como la falta de sentido de la vida. Los pensadores críticos no podían creer que pudiera existir un poder superior que permitiera el tipo de destrucción que acababan de presenciar. Pero en lugar de volverse nihilistas ante la aparente ausencia de Dios, los existencialistas intentaron encontrar su camino a través de la falta de sentido general de la vida, buscando un significado personal. Como escribió el autor existencialista Jean-Paul Sartre en su libro El ser y la nada en 1943, “El hombre está condenado a ser libre; es responsable de todo lo que hace.” La búsqueda de lo que es esencialmente personal fue primordial para el existencialismo, y también para el resurgimiento generalizado de la Abstracción Lírica después de la Segunda Guerra Mundial.

Wassily Kandinsky - El Juicio Final, 1912. Colección privada

Con otros nombres

A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, surgieron una gran cantidad de movimientos de arte abstracto que, de una forma u otra, involucraban la expresión personal subjetiva como la base para expresar significado en el arte. Abstracción Lyrical, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Expresionismo Abstracto, arte de Color Field, e incluso el arte conceptual y de performance, todos, en cierta medida, podrían rastrearse hasta la misma búsqueda existencial general. Uno de los críticos de arte más influyentes de esta época, Harold Rosenberg, entendió esto cuando escribió: “Hoy, cada artista debe emprender la tarea de inventarse a sí mismo... El significado del arte en nuestro tiempo fluye de esta función de auto-creación.”

Pero a medida que la cultura cambió con la siguiente generación, muchas de estas tendencias existenciales en el arte cayeron en desuso. Y una vez más, un enfoque inemocional, concreto y geométrico hacia el arte abstracto, epitomizado por Minimalismo, ocupó su lugar. Pero no todos los artistas abandonaron la tradición lírica. A finales de la década de 1960, la marea había vuelto a cambiar. Como señaló Larry Aldrich, quien volvió a acuñar el término Abstracción Lírica en 1969, “A principios de la temporada pasada, se hizo evidente que en la pintura había un movimiento alejado de lo geométrico, de bordes duros y minimalista, hacia abstracciones más líricas, sensuales y románticas en colores que eran más suaves y vibrantes... El toque del artista siempre es visible en este tipo de pintura, incluso cuando las pinturas se realizan con pistolas de spray, esponjas u otros objetos.”

Jean-Paul Riopelle - Composición, Óleo sobre lienzo, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Abstracción Lírica Contemporánea

Es evidente que, como suele ocurrir con los movimientos en el arte, las tendencias que definen la Abstracción Lírica precedieron a la acuñación del término. En las primeras décadas del siglo XX, artistas como Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee y Wols encarnaron por primera vez las tendencias líricas en la abstracción. Y décadas más tarde, artistas como Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages y Joan Mitchell las llevaron adelante. Luego, a finales de los años 60 y 70, artistas como Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko y docenas de otros revitalizaron y expandieron la relevancia de la posición.

En 2015, una de las voces más fascinantes de la Abstracción Lírica contemporánea, el artista español Laurent Jiménez-Balaguer, falleció. Pero sus conceptos, teorías y técnicas continúan manifestándose de maneras poderosas hoy en día en el trabajo de artistas como Margaret Neill, cuyas composiciones instintivas de líneas líricas e entrelazadas invitan al espectador a una participación subjetiva de significado personal, y la de Ellen Priest, cuyo trabajo da vida a su conversación estética personal, continua y de toda la vida con la música jazz. Lo que une a todos estos artistas en un vínculo común es la búsqueda fundamental de la Abstracción Lírica: expresar algo personal, subjetivo y emotivo, y hacerlo de una manera poética y abstracta.

Ellen Priest - Estudio de danza de delfines 15.

Imagen destacada: Margaret Neil - Switchback (detalle).
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio