Definiendo la Abstracción Lírica

Lyrical Abstraction es un término aparentemente autoexplicativo, y sin embargo durante generaciones se ha debatido su origen y significado. El coleccionista de arte estadounidense Larry Aldrich usó el término en 1969 para definir la naturaleza de varias obras que había coleccionado recientemente y que sentía señalaban un regreso a la expresión personal y la experimentación tras el Minimalismo. Pero el crítico de arte francés Jean José Marchand usó una variación del término, Abstraction Lyrique, décadas antes, en 1947, para referirse a una tendencia europea emergente en la pintura similar al Expresionismo Abstracto en Estados Unidos. Ambos usos del término se referían a un arte caracterizado por composiciones libres, emotivas y personales, no relacionadas con la realidad objetiva. Pero esas tendencias pueden rastrearse aún más atrás, al menos hasta la primera década del siglo XX y la obra de Wassily Kandinsky. Para descubrir las verdaderas raíces y significado de la Abstracción Lirica, y para entender cómo interactuar con sus tendencias en el arte, debemos mirar a los primeros días del arte abstracto.

Poniendo lo Lírico en la Abstracción Lirica

En la década de 1910, varios grupos diferentes de artistas coqueteaban con la abstracción, cada uno desde una perspectiva única. Los artistas cubistas y futuristas trabajaban con imágenes del mundo real y las alteraban de maneras conceptuales para expresar ideas abstractas. Los artistas suprematistas y constructivistas trabajaban con formas reconocibles en su arte, pero usándolas de manera ambigua o simbólica, o de una forma que intentaba transmitir universalidades. Pero otro grupo de artistas abordaba la abstracción desde una perspectiva completamente diferente al resto.

Epitomizado por Wassily Kandinsky, este grupo abordaba la abstracción desde la perspectiva de que no sabían qué significado podría haber en lo que pintaban. Esperaban que simplemente pintando libremente, sin nociones preconcebidas de estética o del mundo objetivo, algo desconocido pudiera expresarse a través de su obra. Kandinsky comparaba sus pinturas con composiciones musicales, que comunicaban emoción de una manera completamente abstracta. Sus pinturas abstractas eran imaginativas, emotivas, expresivas, personales, apasionadas y completamente subjetivas; en otras palabras, líricas.

Wassily Kandinsky - Composición 6, 1913. Óleo sobre lienzo. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Museo del Hermitage, San Petersburgo

Abstracción Lirica de Posguerra

La Abstracción Lirica de Kandinsky contrastaba con muchas de las otras tendencias del arte abstracto de las décadas de 1920 y 30. Su arte no estaba específicamente asociado con ninguna religión, pero tenía algo abiertamente espiritual. Otros artistas asociados con estilos como De Stijl, Arte Concreto y Surrealismo hacían arte secular que se prestaba a una interpretación objetiva y académica. Kandinsky buscaba algo que nunca podría definirse o explicarse completamente. Expresaba su conexión personal con los misterios del universo de manera abierta. Era como si hubiera inventado una especie de existencialismo espiritual.

El existencialismo fue una filosofía que cobró importancia después de la Segunda Guerra Mundial, cuando la gente luchaba por entender lo que percibían como la falta de sentido de la vida. Los pensadores críticos no podían creer que existiera un poder superior que permitiera el tipo de destrucción que acababan de presenciar. Pero en lugar de volverse nihilistas ante la aparente ausencia de dios, los existencialistas intentaron superar la falta de sentido general de la vida buscando un significado personal. Como escribió el autor existencialista Jean-Paul Sartre en su libro El ser y la nada en 1943, “El hombre está condenado a ser libre; es responsable de todo lo que hace.” La búsqueda de lo esencialmente personal fue fundamental para el existencialismo, y también para el resurgimiento generalizado de la Abstracción Lirica después de la Segunda Guerra Mundial.

Wassily Kandinsky - El Juicio Final, 1912. Colección privada

Con Otros Nombres

Durante las décadas de 1940 y 50, surgieron numerosos movimientos de arte abstracto que, de una u otra manera, involucraban la expresión personal subjetiva como base para expresar significado en el arte. Abstraction Lyrique, Arte Informal, Tachismo, Arte Brut, Expresionismo Abstracto, arte de campo de color, e incluso el arte conceptual y de acción, todos, en cierto grado, pueden rastrearse hasta la misma búsqueda existencial general. Uno de los críticos de arte más influyentes de esta época, Harold Rosenberg, entendió esto cuando escribió, “Hoy, cada artista debe emprender la invención de sí mismo... El significado del arte en nuestro tiempo fluye de esta función de autocreación.”

Pero a medida que la cultura cambió con la siguiente generación, muchas de estas tendencias existenciales en el arte cayeron en desuso. Y una vez más, un enfoque desapasionado, concreto y geométrico del arte abstracto, epitomizado por el Minimalismo, ocupó su lugar. Pero no todos los artistas abandonaron la tradición lírica. A finales de los años 60, la marea volvió a cambiar. Como señaló Larry Aldrich, quien volvió a acuñar el término Abstracción Lirica en 1969, “A principios de la última temporada, se hizo evidente que en la pintura había un movimiento alejado de lo geométrico, de bordes duros y minimalista, hacia abstracciones más líricas, sensuales y románticas en colores más suaves y vibrantes… El toque del artista siempre es visible en este tipo de pintura, incluso cuando las obras se hacen con pistolas de aire, esponjas u otros objetos.”

Jean-Paul Riopelle - Composición, óleo sobre lienzo, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Abstracción Lirica Contemporánea

Es evidente que, como suele ocurrir con los movimientos artísticos, las tendencias que definen la Abstracción Lirica precedieron la acuñación del término. En las primeras décadas del siglo XX, artistas como Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee y Wols encarnaron por primera vez tendencias líricas en la abstracción. Y décadas después, artistas como Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages y Joan Mitchell las continuaron. Luego, a finales de los años 60 y 70, artistas como Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko y decenas de otros revitalizaron y ampliaron la relevancia de esta postura.

En 2015, una de las voces más fascinantes de la Abstracción Lirica contemporánea, el artista español Laurent Jiménez-Balaguer, falleció. Pero sus conceptos, teorías y técnicas continúan manifestándose de manera poderosa hoy en día en la obra de artistas como Margaret Neill, cuyas composiciones instintivas de líneas líricas e entrelazadas invitan al espectador a una participación subjetiva de significado personal, y la de Ellen Priest, cuyo trabajo da vida a su conversación estética personal y continua con la música jazz. Lo que une a todos estos artistas en un vínculo común es la búsqueda fundamental de la Abstracción Lirica: expresar algo personal, subjetivo y emotivo, y hacerlo de manera poética y abstracta.

Ellen Priest - Estudio de danza del delfín 15.

Imagen destacada: Margaret Neil - Switchback (detalle).
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio