Por qué la Visión después del Sermón de Gauguin fue importante para el arte abstracto

Paul Gauguin pintó Visión después del sermón en 1888. Era una obra religiosa, que tomó como punto de partida una historia de la Biblia cristiana. El relato proviene del libro del Génesis, capítulo 32, versículos 22 al 31. Se refiere al personaje llamado Jacob, quien más tarde sería renombrado Israel, y que es considerado el progenitor histórico de los israelitas. El versículo dice lo siguiente: “Y aquella misma noche se levantó y tomó a sus dos mujeres, a sus dos siervas y a sus once hijos, y cruzó el vado de Jaboc. Los tomó y los envió al otro lado del arroyo, y así mismo todo lo que tenía. Y Jacob quedó solo; y un hombre luchó con él hasta el amanecer.” La interpretación poética o filosófica general de esta escena es que se trata de un hombre que está luchando con sus demonios, por así decirlo. El hombre, Jacob, lucha con lo que evidentemente es un ángel, un representante de la divinidad. El río Jaboc (también conocido como el río Jordán) separa a Jacob de Canaán, o la Tierra Prometida. Así que Jacob está, en esencia, tratando de hacer las paces a la antigua entre los mejores y peores elementos de su naturaleza humana para poder continuar simplemente viviendo una vida decente. Es un tema fascinante que Gauguin eligió para esta pintura porque la pintura misma ha desarrollado una interpretación similar entre los historiadores del arte. Se considera un punto de inflexión en la marcha postimpresionista hacia la abstracción. Es un tema adecuado para una pintura que juega un papel fundamental en el proceso de los artistas luchando con sus demonios mientras intentan hacer las paces con lo que se supone que debe ser el arte para que puedan continuar simplemente creando un trabajo decente.

Eliminando las Ilusiones

Gauguin fue miembro de un pequeño grupo de pintores a finales del siglo XIX que creían que antes de convertirse en una imagen ilusoria, una pintura era ante todo solo colores aplicados a una superficie. El proceso de transformar la pintura y la superficie en algo realista, como una imagen de algo identificable, vino después, una vez consumado. En la mente de estos artistas visionarios, ese paso posterior ya no era tan importante, e incluso comenzaba a parecer innecesario. Estaban empezando a apreciar cosas como el color y la superficie por sus propios méritos, independientemente de las formas, figuras y espacios ilusorios que se estaban utilizando para crear. En general, esta mentalidad comenzó con el Impresionismo, un estilo que se centraba en la calidad de la luz en una imagen. Pero el período ahora conocido como Post-Impresionismo es cuando tales ideas realmente comenzaron a despegar.

La lista de movimientos postimpresionistas que redujeron la pintura a sus elementos formales, llevando eventualmente a la abstracción pura, es larga. Incluye el Simbolismo, el Sintetismo, el Cloisonnismo, el Fauvismo, Cubismo, y muchos más -ismos. Cada uno de estos movimientos surgió en una sucesión bastante rápida en las últimas décadas del siglo XIX. Cada uno asumió una agenda particular, aislando uno o más elementos del arte clásico y subvirtiéndolo para descubrir algo nuevo sobre el potencial de la pintura. Entre los elementos que estos artistas intentaban eliminar estaban la perspectiva, la gradación de colores, los colores realistas, el tema comprensible, y la idea de que las formas y figuras debían ser representativas de elementos del mundo real. Uno de los aspectos clave de Vision After the Sermon que lo hace tan icónico de este impulso general hacia la abstracción es que aborda casi todos esos elementos a la vez.

Perspectiva y Gradación

La perspectiva y la gradación de colores son dos de los elementos más esenciales y definitorios de los estilos de pintura clásica. Juntos, pueden otorgar a una pintura un poderoso sentido de realismo, porque crean el espacio ilusorio dentro de la imagen. La perspectiva le da a una pintura una sensación de profundidad, y una sensación de que las formas físicas en el espacio ilusorio tienen sentido para el ojo, tal como lo tendrían en la vida real. No importa cuán fotográficamente perfecta sea una pintura, sin un sentido de perspectiva realista, la ilusión se rompe. Mientras tanto, la gradual gradación de colores es lo que le da a los tonos de los objetos en la pintura sus cualidades realistas. El tono de piel no es solo un color, son cientos, tal vez miles de colores gradualmente mezclados entre sí. Sin gradación, los colores se vuelven irreales y la imagen comienza a parecer inquietante o incluso absurda.

Visión después del sermón casi elimina por completo tanto la perspectiva como la gradación de color, aunque no del todo. Gauguin utilizó inteligentemente el tema religioso para confundir si la imagen está destinada a ser realista o no. Muestra a un grupo de lo que parecen ser monjas y un sacerdote reunidos en una línea, algunas de pie y otras de rodillas. La perspectiva se utiliza de manera algo tradicional para esta parte de la imagen. Pero el resto de la imagen parece más un sueño. Evidentemente ha habido un sermón, y estas monjas están saliendo de la iglesia después. El sermón debe haber sido la historia de Jacob luchando contra sus demonios, porque esa es la imagen que se desarrolla ante los ojos de las monjas en un espacio místico, casi surrealista, en la parte superior de la imagen. En esa área del marco, no hay intento de perspectiva, no hay intento de profundidad, y casi una completa eliminación de la gradación de color. La imagen está aplanada, por así decirlo.

Paul Gauguin - Visión después del Sermón, 1888, Óleo sobre lienzo, 72,20 x 91,00 cm

Colores y Formas No Naturales

Los colores en Visiones después del sermón no son del todo extravagantes, como lo serían más tarde en las obras de los pintores fauvistas. Pero en esta pintura, Gauguin dio un gran salto hacia ese eventual final al hacer el audaz movimiento de pintar una enorme franja de la imagen con lo que él llamó "vermilión puro". El vermilión es un pigmento rojo que alguna vez se usó comúnmente en la pintura. Se derivaba de un mineral llamado cinabrio, que contenía tanto mercurio que incluso desde tiempos romanos se sabía que extraer el mineral era una sentencia de muerte. Por esa razón, el pigmento ya no es fácil de encontrar. Es tóxico. Pero le da a esta pieza un tono particularmente ominoso. El rojo puede verse como un color simbólico, implicando ira, muerte y peligro. Define la imagen como algo irreal, algo onírico.

En cuanto a las formas, está claro que en su mayor parte Gauguin pretendía que fueran algo realistas. La imagen muestra claramente figuras humanas, una vaca, un árbol y un hombre luchando con un ángel. Pero hay momentos en la imagen que sugieren que Gauguin no estaba tanto interesado en replicar la realidad con sus formas, sino que estaba fascinado por las cualidades de las formas mismas. Esto es más evidente en los tocados que llevan las monjas. Comenzando con el tocado en primer plano, en la parte inferior derecha de la imagen, la forma se reduce a su esencia geométrica. A lo largo de la imagen, Gauguin sigue esa tendencia una y otra vez. Si se eliminaran los rostros de la imagen, las áreas restantes de color perderían gran parte de su poder narrativo, y la imagen podría deslizarse fácilmente hacia una composición abstracta.

Intenciones sinceras

Una de las preguntas que a menudo surge al hablar de los pintores postimpresionistas es si realmente sabían exactamente lo que estaban tratando de hacer. Y, por supuesto, en el caso de pintores como Gauguin, la respuesta es sí. Él y sus contemporáneos, como Paul Sérusier, Maurice Denis y Émile Bernard, eran ávidos filósofos, escritores y experimentadores. Estaban completamente decididos a descomponer la definición de pintura y el significado del arte. Se esforzaban por descubrir qué, si es que hay algo, hay sobre el arte que podría ser contemplativo, trascendental e incluso espiritual, además de su temática narrativa.

De hecho, cuando se trata de las intenciones experimentales de estos artistas, personalmente siento que otra pintura, pintada el año antes de Visión después del sermón, fue mucho más allá en la revelación de las potencialidades ocultas dentro de la abstracción. Esa pintura es El talismán, pintada por Paul Sérusier en el último día de 1887. Según la leyenda, Gauguin animó a Sérusier a pintar la obra. Sin embargo, es verdaderamente innovadora. Si tan solo se eliminaran un par de líneas verdes que atraviesan el centro de la imagen, sería completamente abstracta. Se parecería casi perfectamente a la obra que Hans Hofmann creó una generación después. Es la esencia del Sintetismo, el estilo al que Gauguin se atribuyó, en el sentido de que sintetiza la esencia exterior de las formas naturales sin copiarlas precisamente, con un sentido de cómo el artista se siente hacia las formas en la imagen y una consideración estética pura del color, la línea y la forma. No obstante, Visión después del sermón también es obviamente importante, ya que demuestra muchas de las mismas ideas, convirtiéndola en un punto de inflexión definitivo en la marcha hacia la pura abstracción.

Imagen destacada: Paul Gauguin - Visión después del sermón (detalle), 1888, Óleo sobre lienzo, 72,20 x 91,00 cm

Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.

Por Phillip Barcio