Por qué la Visión después del Sermón de Gauguin fue importante para el arte abstracto

Paul Gauguin pintó Visión después del sermón en 1888. Fue una obra religiosa, que tomó como punto de partida una historia de la Biblia cristiana. El relato proviene del libro del Génesis, capítulo 32, versículos 22 al 31. Trata sobre el personaje llamado Jacob, quien más tarde sería renombrado Israel, y que se considera el progenitor histórico de los israelitas. El versículo dice así: “La misma noche se levantó y tomó a sus dos esposas, sus dos siervas y sus once hijos, y cruzó el vado del Jaboc. Los hizo pasar al otro lado del arroyo, y también todo lo que tenía. Y Jacob quedó solo; y un hombre luchó con él hasta el amanecer.” La interpretación poética o filosófica general de esta escena es que trata sobre un hombre que está luchando con sus demonios, por así decirlo. El hombre, Jacob, lucha con lo que evidentemente es un ángel, un representante de la divinidad. El río Jaboc (también conocido como río Jordán) separa a Jacob de Canaán, o la Tierra Prometida. Así que Jacob está, en esencia, tratando de hacer las paces a la antigua entre los elementos mejores y peores de su naturaleza humana para poder seguir simplemente viviendo una vida decente. Es un tema fascinante que Gauguin eligió para esta pintura porque la obra en sí ha desarrollado una interpretación similar entre los historiadores del arte. Se considera un punto de inflexión en la marcha postimpresionista hacia la abstracción. Es un tema adecuado para una pintura que juega un papel fundamental en el proceso de los artistas luchando con sus demonios mientras intentan hacer las paces con lo que se supone que debe ser el arte para poder seguir simplemente creando obras decentes.

Eliminando las ilusiones

Gauguin fue miembro de un pequeño grupo de pintores a finales del siglo XIX que creían que antes de convertirse en una imagen ilusoria, una pintura era ante todo solo colores aplicados a una superficie. El proceso de transformar la pintura y la superficie en algo realista, como la imagen de algo identificable, venía después, una vez terminado. En la mente de estos artistas visionarios, ese paso posterior ya no era tan importante, e incluso comenzaba a parecer innecesario. Empezaban a apreciar cosas como el color y la superficie por sus propios méritos, sin importar las formas, figuras y espacios ilusorios que se usaban para crear. En general, esta mentalidad comenzó con el Impresionismo, un estilo que se centraba en la calidad de la luz en una imagen. Pero el período ahora conocido como Postimpresionismo es cuando tales ideas realmente comenzaron a despegar.

La lista de movimientos postimpresionistas que redujeron la pintura a sus elementos formales, conduciendo finalmente a la abstracción pura, es larga. Incluye el Simbolismo, el Sintetismo, el Cloisonismo, el Fauvismo, el Cubismo y muchos más -ismos. Cada uno de estos movimientos surgió en rápida sucesión en las últimas décadas del siglo XIX. Cada uno asumió una agenda particular, aislando uno o más elementos del arte clásico y subvirtiéndolos para descubrir algo nuevo sobre el potencial de la pintura. Entre los elementos que estos artistas intentaban eliminar estaban la perspectiva, la gradación de colores, los colores realistas, el tema comprensible y la idea de que las formas y figuras debían representar elementos del mundo real. Uno de los aspectos clave de Visión después del sermón que la hace tan icónica de esta tendencia general hacia la abstracción es que aborda casi todos esos elementos a la vez.

Perspectiva y gradación

La perspectiva y la gradación de colores son dos de los elementos más esenciales y definitorios de los estilos clásicos de pintura. Juntos, pueden otorgar a una pintura un poderoso sentido de realismo, porque crean el espacio ilusorio dentro de la imagen. La perspectiva da a la pintura una sensación de profundidad y una impresión de que las formas físicas en el espacio ilusorio tienen sentido para el ojo, tal como lo tendrían en la vida real. No importa cuán fotográficamente perfecta sea una pintura, sin un sentido de perspectiva realista, la ilusión se rompe. Mientras tanto, la gradación gradual de colores es lo que da a los tonos de los objetos en la pintura sus cualidades realistas. El tono de piel no es solo un color, son cientos, quizá miles de colores mezclados gradualmente entre sí. Sin gradación, los colores se vuelven irreales y la imagen comienza a parecer extraña o incluso absurda.

Visión después del sermón elimina casi por completo tanto la perspectiva como la gradación de color, aunque no totalmente. Gauguin usó hábilmente el tema religioso para confundir si la imagen está destinada a ser realista o no. Muestra a un grupo de lo que parecen ser monjas y un sacerdote reunidos en una fila, algunos de pie y otros arrodillados. La perspectiva se usa de manera algo tradicional en esta parte de la imagen. Pero el resto de la pintura parece más un sueño. Evidentemente hubo un sermón, y estas monjas salen de la iglesia después. El sermón debe haber sido la historia de Jacob luchando con sus demonios, porque esa es la imagen que se despliega ante los ojos de las monjas en un espacio místico, casi surrealista, en la parte superior de la pintura. En esa área del marco, no hay intento de perspectiva, ni intento de profundidad, y casi una eliminación completa de la gradación de color. La imagen está aplanada, por así decirlo.

Paul Gauguin - Visión después del sermón, 1888, óleo sobre lienzo, 72,20 x 91,00 cm

Colores y formas no naturales

Los colores en Visión después del sermón no son del todo estrambóticos, como llegarían a serlo más tarde en las obras de los pintores fauvistas. Pero en esta pintura Gauguin dio un gran salto hacia ese fin eventual al tomar la audaz decisión de pintar una gran extensión de la imagen con lo que llamó “vermellón puro”. El vermellón es un pigmento rojo que se usaba comúnmente en la pintura. Se obtenía de un mineral llamado cinabrio, que contenía tanto mercurio que incluso en tiempos romanos se sabía que extraer ese mineral era una sentencia de muerte. Por esa razón, el pigmento ya no es fácil de encontrar. Es tóxico. Pero le da a esta obra un tono particularmente ominoso. El rojo puede verse como un color simbólico, que implica ira, muerte y peligro. Define la imagen como algo irreal, algo onírico.

En cuanto a las formas, está claro que en su mayoría Gauguin las quiso algo realistas. La imagen muestra claramente figuras humanas, una vaca, un árbol y un hombre luchando con un ángel. Pero hay momentos en la pintura que sugieren que Gauguin no estaba tanto interesado en replicar la realidad con sus formas, sino que estaba fascinado por las cualidades de las formas mismas. Esto es más evidente en los tocados que llevan las monjas. Comenzando con el tocado en primer plano, en la parte inferior derecha de la imagen, la forma se reduce a su esencia geométrica. A lo largo de la imagen Gauguin sigue esa tendencia una y otra vez. Si se eliminaran los rostros de la imagen, las áreas restantes de color perderían gran parte de su poder narrativo, y la imagen podría deslizarse fácilmente hacia una composición abstracta.

Intenciones sinceras

Una de las preguntas que a menudo surge al hablar de los pintores postimpresionistas es si realmente sabían exactamente lo que intentaban hacer. Y por supuesto, en el caso de pintores como Gauguin, la respuesta es sí. Él y sus contemporáneos, como Paul Sérusier, Maurice Denis y Émile Bernard, eran ávidos filósofos, escritores y experimentadores. Estaban completamente decididos a descomponer la definición de pintura y el significado del arte. Se esforzaban por descubrir qué, si acaso algo, hay en el arte que pueda ser contemplativo, trascendente e incluso espiritual, más allá de su tema narrativo.

De hecho, cuando se trata de las intenciones experimentales de estos artistas, personalmente siento que otra pintura, realizada el año anterior a Visión después del sermón, fue mucho más lejos en descubrir las potencialidades ocultas dentro de la abstracción. Esa pintura es El talismán, pintada por Paul Sérusier el último día de 1887. Según la leyenda, Gauguin animó a Sérusier a pintar la obra. Sea como sea, es verdaderamente innovadora. Si solo se eliminaran un par de líneas verdes que atraviesan el centro de la imagen, sería completamente abstracta. Se parecería casi perfectamente a la obra que Hans Hofmann creó una generación después. Es la esencia del Sintetismo, el estilo al que Gauguin se adscribió, en cuanto sintetiza la esencia externa de las formas naturales sin copiarlas con precisión, con un sentido de cómo el artista siente hacia las formas en la imagen y una consideración estética pura del color, la línea y la forma. No obstante, Visión después del sermón es obviamente importante también, ya que demuestra muchas de las mismas ideas, convirtiéndola en un punto de inflexión definitivo en la marcha hacia la abstracción pura.

Imagen destacada: Paul Gauguin - Visión después del sermón (detalle), 1888, óleo sobre lienzo, 72,20 x 91,00 cm

Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos

Por Phillip Barcio