Tasmanian museo kokoaa Nolla-taide-liikkeen perustajat
Australialainen taidekeräilijä ja uhkapelimonopoli David Walsh avasi äskettäin merkittävän näyttelyn Zero-taide-liikkeestä Hobartissa, Tasmaniassa sijaitsevassa Vanhan ja Uuden Taiteen Museossa (MONA). Näyttelyn nimi on ZERO, ja se esittelee 16 taiteilijan teoksia seitsemästä maasta, joista useita on asennettu ensimmäistä kertaa sitten niiden debyytin yli puoli vuosisataa sitten. Tarjoten vielä enemmän draamaa vierailijoille ja lisää kannustinta matkustaa tähän syrjäiseen paikkaan, on ympäristö, jossa tämä monumentaalinen näyttely tapahtuu. MONA on pääasiassa maan alla. Rakennus on rakennettu useita kerroksia kahden merkittävän rakennuksen alle, jotka ovat australialaisen modernistisen arkkitehdin Roy Groundsin suunnittelemia. Toisin kuin useimmat muut museot, jotka toivottavat luonnonvalon tervetulleeksi ja pyrkivät saamaan vierailijat tuntemaan, että he ovat avoimessa ja tervetulleessa tilassa, MONA on ehdottomasti epäluonnollinen ja ajoittain jopa hieman epämiellyttävä. Sisään astuessaan vierailijat laskeutuvat hieman alienmaiseen ympäristöön, jossa arkkitehtuurin voima usein kilpailee sen taiteen kanssa, jota sen on tarkoitus tukea. Kuitenkin tila myös kannustaa katsojia etsimään lohtua toisistaan ja teoksista. Tavallaan ympäristö on ihanteellinen Zero-taiteilijoiden teosten esittelyyn, sillä se ilmentää kahta heidän olennaista ajatustaan: että taide on mahdollisuuksista ja tuntemattomasta, ja että sen tulisi sisältää todellisia kokemuksia ihmisten, materiaalien ja tilan välillä.
Pelastettu Nollalla
Nollaliike perustettiin Heinz Mackin ja Otto Pienen toimesta vuonna 1957 halusta aloittaa alusta. Kuten monet heidän aikalaistensa, Mack ja Piene pyrkivät pakenemaan menneisyydestä ja eroon egotismista ja tunteista, jotka olivat hallinneet niin suurta osaa heidän aikansa taiteesta. Düsseldorfissa, jossa he asuivat ja työskentelivät, oli vain vähän taidegallerioita. Ja muualla markkinoiden maut suuntautuivat taideteoksiin, jotka ilmensivät eräänlaista "yksilöllisyyden kulttia", jota ilmensivät esteettiset näkemykset, jotka ilmensivät henkilökohtaista tunnetta, kuten Tachisme, Art Informel ja Abstrakti ekspressionismi. Mack ja Piene pitivät yhteistyötä tärkeämpänä kuin individualismia. He uskoivat, että taiteen arvo oli siinä kokemuksessa, jonka se voi synnyttää tekijöiden, katsojien, materiaalien ja ympäristöjen välillä. He tunsivat, että perinteinen, yksittäinen, taiteilijan tekemä esine oli kuollut, ja he halusivat synnyttää uuden lähtökohdan, josta he voisivat antaa tulevaisuuden juurtua.
Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), 1960-luku; uusittu 2012. Kokoelma More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Tekijänoikeusjärjestö, 2018. Kuva: Vanhan ja Uuden Taiteen Museo (Mona)
Mack ja Piene pitivät ensimmäisen näyttelynsä siitä, mitä he pitivät taiteen tulevaisuutena 11. huhtikuuta 1957 omassa studiossaan. Se oli yhden yön tapahtuma, joka oli tarkoitettu omaksumaan hetkellisyyden. Näyttely herätti valtavaa kiinnostusta, ja sen jälkeen seurasi nopeasti useita muita kokemuksellisia, yhden yön näyttelyitä. Mutta vasta neljännen näyttelyn jälkeen syyskuussa 1957 he keksivät sanan Zero kuvaamaan yhteistyötään. Sanaa oli tarkoitus käyttää ilmaisemaan ajatusta siitä, että menneisyys oli virallisesti päättynyt – se oli lähtökohta tulevaisuudelle. Kuten Piene kuvasi: "Me pidimme termiä...sanana, joka osoittaa hiljaisuuden ja puhtaan mahdollisuuden vyöhykettä uudelle alulle, aivan kuten laskennassa, kun raketit lähtevät – nolla on se mittaamaton vyöhyke, jossa vanha tila muuttuu uudeksi."
Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Pullonrikkomishuone), 1961; uusittu 2018. Kokoelma Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Tekijänoikeus: Adolf Luther Stiftung. Kuva: Vanhan ja Uuden Taiteen Museo (Mona)
ZERO, ei nolla
Liikkeen avoimuudesta huolimatta Mackilla ja Pienellä oli yksi outo itsetietoisuus. He määräsivät, että heistä kirjoitettaessa perustajia tulisi kutsua "Zero" -nimellä, kun taas muita liitännäisiä taiteilijoita tulisi kutsua "ZERO" -nimellä. Tästä syystä MONA:n näyttely käyttää kaikkia isoja kirjaimia - koska se esittelee pääasiassa teoksia laajemmasta kansainvälisestä taiteilijaverkostosta, joka liittyy filosofiaan. Kuitenkin, kuten ZERO MONA:ssa selkeästi osoittaa, liikkeessä ei ollut ulkopuolisia. Kaikki olivat tervetulleita. Ei ollut Zero-manifestia, eikä virallista jäsenyyttä. Tämä asenne johti siihen, että ZERO-taiteilijat loivat valtavan laajan valikoiman teoksia, joita tämä näyttely ilmentää sellaisilla merkkiteoksilla kuin "Bottle Smashing Room" (1961) Adolf Luthorilta ja "Mirror Environment" (1963) Christian Megertilta. Liikkeen tervetulleisuus ilmenee myös tässä näyttelyssä esittelemällä taiteilijoita monista muista kansainvälisistä liikkeistä, joita Zero auttoi inspiroimaan, kuten Gutai-ryhmä Japanissa, Nouveau Realism Pariisissa, Light and Space Yhdysvalloissa ja kansainvälinen Fluxus-liike. Näitä yhteyksiä osoittavat harvinaiset teokset Marcel Duchampilta, Roy Lichtensteinilta ja Yayoi Kusamalta, jotka korostavat heidän käytäntöjensä osa-alueita, jotka ovat hyvin erilaisia kuin se työ, josta heitä pääasiassa tunnetaan.
Roy Lichtenstein - Merimaisema II, 1965. Kernin kokoelma, Großmaischeid. Tekijänoikeus: Roy Lichtensteinin perikunta/Tekijänoikeusvirasto, 2018. Kuva: taiteilijan ja Vanhan ja Uuden taiteen museon (Mona) ystävällisellä luvalla.
Yksi tämän näyttelyn tärkeimmistä näkökohdista on se, että se suuntaa nykyajan huomion uudelleen tarpeeseen uudistaa nykytaidetta. Vaikka Zero-liikkeen perustajat virallisesti hajottivat sen vuonna 1966, heidän aloittamansa liike ei ole koskaan todella päättynyt. Ja tämä näyttely vihjaa myös johonkin vielä tärkeämpään: ajatukseen siitä, että ehkä Zero-taide liike ei koskaan todella alkanut. Se ei ehkä ollut liike, joka keksittiin yhdessä paikassa tiettynä aikana, vaan se oli oikeastaan osa paljon suurempaa jatkuvuutta, joka ulottuu äärettömästi taaksepäin, ensimmäiseen hetkeen, jolloin ihmiset halusivat käyttää visuaalisia ilmiöitä päästäkseen yli itsestään kohti jotain puhdasta ja uutta. ZERo-näyttelyn teokset MONA:ssa ovat niin tuoreita ja niin elinvoimaisia, jopa nyt, että ne inspiroivat minua uskomaan, että ZERO saattaa jatkua jopa tänään, aina kun taiteilijaryhmät kokoontuvat yhteistyöhön esteettisten luomusten parissa, jotka ylittävät odotukset tai jo tunnetut asiat. Tällä hetkellä, itse asiassa, tämä näyttely ja sen viesti ovat olennaisia. Se muistuttaa meitä Zero-taiteen keskeisestä periaatteesta: että taide liittyy kokemuksiin ja ihmisten, heidän ympäristönsä ja heidän yhteistyönsä suhteisiin, jotta voitaisiin kuvitella parempi tulevaisuus. ZERO at MONA on esillä 22. huhtikuuta 2019 asti.
Esittelykuva: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastinen tila), 1967–68. Kokoelma Gianni Colombo -arkistosta, Milano © Gianni Colombo -arkisto. Kuva: Vanhan ja Uuden Taiteen Museo (Mona)
Kirjailija: Phillip Park
