Joan Snyderin ylittävän käytännön takana
Joan Snyder on saavuttanut jotain, mitä harvat taiteilijat tekevät: hänestä on tullut ikoni. Tavallisesti, jotta taiteilijaa pidettäisiin ikonina, hänen täytyy keskittyä yhteen tyyliin, yhteen tekniikkaan tai yhteen tunnusomaiseen menetelmään. Jackson Pollock on ikoni roiskemaalauksistaan; Georgia O’Keeffe on ikoni kukkamaalauksistaan; Mark Rothko on ikoni värikenttämaalauksistaan; Yves Klein on ikoni tunnusomaisesta ”IKB Sininen” -värin käytöstään. Lista voisi jatkua loputtomiin. Mikä tekee Snyderistä täydellisen ikonisen hahmon meidän aikaamme varten, on kuitenkin se, ettei hän ole tunnettu yhdestä erityisestä asiasta. Hän on tietoisesti välttänyt tekemästä mitään tiettyä tyyppistä työtä tai käyttämästä mitään tiettyä menetelmää tai tekniikkaa. Saatuaan ensimmäisen tunnustuksensa 1960-luvun lopulla hän on jatkuvasti kehittänyt taiteellista toimintaansa. Jokainen hänen tekemänsä maalaus saa oman logiikkansa, joka määrittyy menneisyyden mukaan vain siinä määrin kuin se siitä saa vaikutteita. Snyderillä on luontainen miellyttävä intuitio, jota jotkut saattavat pitää viisaana tai valaistuneena, mutta joka on oikeastaan enemmänkin nöyryyttä. Hän hyväksyy sen, mikä on ollut, hyväksyy sen vaikutuksen siihen, mikä on nyt, eikä teeskennä tietävänsä, mitä tulee olemaan. Tämä asenne pitää hänet varovaisen toiveikkaana kärsimyksistä huolimatta, joita hän on kokenut, ja se pitää hänen maalauksensa loputtoman tuoreina. Katsojat eivät koskaan pysty ennustamaan, mitä Snyder aikoo tehdä seuraavaksi studiossaan, koska hän itse ei oikeastaan tiedä. Vaikka hän suunnittelee, luonnostelee ja raapustaa kiihkeästi ideoita, hän sanoo maalauksensa olevan enemmän kuin jazzia – ”ne vain tapahtuvat.” Snyder ylittää kaikki yritykset leimata hänen työtään kieltäytymällä rajoittamasta sitä. Hän pysyy avoimena, rehellisenä ja vapaana. Toisin kuin useimmat muut ikoniset taiteilijat, jotka jäävät kiinni johonkin heille historian tai markkinoiden asettamaan totuuteen, Snyder on ikoninen esimerkki taiteilijasta, joka tietää, että hänen tarvitsee olla vain uskollinen itselleen.
Ensimmäinen maksimaliisti
Jos Snyderille pitäisi antaa jokin leima, se voisi olla termi ”maksimaliisti.” Hän syntyi vuonna 1940 ja suoritti taiteen maisterin tutkinnon vuonna 1966 Rutgersin yliopistossa, muutaman kilometrin päässä siitä, missä hän kasvoi Highland Parkissa, New Jerseyssä. Taidemaailma tuolloin flirttaili muutamien erottuvien suuntausten kanssa: pop-taide, op-taide, toinen aalto abstraktia ekspressionismia, konseptitaide, performanssitaide. Mutta kiistatta hallitsevin nouseva suuntaus oli minimalismi. Taiteilijat kuten Donald Judd, Sol Le Witt ja Frank Stella häikäisivät taiteen ystäviä pelkistetyillä, tunteettomilla sommitelmillaan. Monille katsojille, kuraattoreille ja kauppiaille heidän työnsä vaikutti täydelliseltä vastalääkkeeltä kahden vuosikymmenen ajan vallinneelle tunnepitoiselle taiteelle, jossa taiteilijat pyrkivät ilmaisemaan jokaisen sisäisen alitajuisen tunteensa.
Joan Snyder - Voimmeko muuttaa raivomme runoudeksi, 1985. Värilitografia Rives BFK -paperille. 76,8 × 112,4 cm. Painos Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder
Snyder arvosti näitä minimalisteja ja heidän työnsä rakennetta ja itsevarmuutta. Mutta hän myös ymmärsi, ettei heidän työnsä liittynyt henkilökohtaisesti häneen. Samoin hän ei kokenut muidenkaan suuntausten liittyvän itseensä. Hän näki kaikki nämä taidesuuntaukset kehittyneinä patriarkaalisen taidemarkkinan ja vinoutuneen, epätäydellisen, mieskeskeisen taidehistorian näkemyksen pohjalta. Hän ei tiennyt tarkalleen, millaisia maalauksia halusi tehdä, mutta tiesi, että mitä tahansa maalasi, sen täytyi olla totta itselleen. Ensimmäiset maalaukset koulun jälkeen olivat maalaustutkimuksia ruudukon kielestä. Seuraavaksi tuli sarja niin kutsuttuja ”Stroke”-maalauksia, jotka kartoittivat siveltimenvedon visuaalista kieltä. Molemmat olivat yrityksiä rakentaa henkilökohtaista syntaksia, jolla hän voisi välittää kerroksellisia, monimutkaisia henkilökohtaisia kertomuksia. Sillä välin hän keskittyi ennen kaikkea laittamaan yhä enemmän ja enemmän työhön, kunnes se sanoi sen, mitä hän halusi sen sanovan. Hän sanoo: ”Koko ajatukseni oli saada maalaukseen enemmän, ei vähemmän.” Hänen lähestymistapaansa kutsuttiin ”maksimalismiksi.”
Joan Snyder - Autumn Song, 2002. Öljy ja sekatekniikka kankaalle. 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Kamppailun perintö
Snyder on joskus verrannut teoksiaan sinfonioihin. Kiistatta impasto-kerrosten, roskien, tippojen ja pallomaisten muotojen sekoitus maalauksissa kuten ”Amor Matris” (2015) tai ”Symphony VII” (2014) voidaan lukea visuaalisena musiikkina, joka odottaa henkiemme tuskallisen soittimen tulkintaa. Nämä maalaukset jakavat kuitenkin myös jotain yhteistä eeppisen kirjallisuuden kanssa. Kertomukset etenevät, kuljetettuina voimakkaan pimeyden ja valon väreillä ja sävyillä. Raakojen, alkuperäisten muotojen luonne ja ylpeys julistautuvat; niiden taistelu tullakseen joksikin enemmän asettaa silmillemme ja mielellemme suuren haasteen. Sanat, joita Snyder tuo maalauksiin kuten ”Powdered Pearls” (2017) – joskus kirjoittamalla ne ja joskus raaputtamalla ne aineeseen – ohjaavat ajatuksiamme ja mielialaamme. Lopulta kuitenkin laulut, joita kuulemme, tai tarinat, joita luemme näissä kuvissa, liittyvät enemmän omaan sisäiseen kertomukseemme kuin siihen, mikä sai Snyderin tarttumaan siveltimeen.
Joan Snyder - Powdered Pearls, 2017. Sekatekniikka. Öljy, akryyli, kangas, värikynä, pastelli, helmet ja kimallus kankaalle. 137,0 × 91,5 cm. Franklin Parrasch Gallery. © Joan Snyder
Kuvassa: Joan Snyder - Small Seascape, 2011. Öljy ja akryyli pellavalle. 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Kaikki kuvat ovat havainnollistavia
Phillip Barcio
