Joan Snyderin ylittävän käytännön takana
Joan Snyder on saavuttanut jotain, mitä harvat taiteilijat tekevät: hänestä on tullut ikoni. Yleensä, jotta taiteilijaa voitaisiin pitää ikonina, hänen on keskityttävä yhteen tyyliin, yhteen tekniikkaan tai yhteen allekirjoitusmenetelmään. Jackson Pollock on ikoni roiskemaalaustensa vuoksi; Georgia O’Keeffe on ikoni kukkamaalaustensa vuoksi; Mark Rothko on ikoni Color Field -maalauksensa vuoksi; Yves Klein on ikoni hänen allekirjoituskäyttönsä "IKB Blue" vuoksi. Lista voisi jatkua ja jatkua. Se, mikä tekee Snyderistä täydellisen ikonimme ajalle, on kuitenkin se, että hän ei ole tunnettu yhdestä erityisestä asiasta. Hän on pyrkinyt välttämään minkään tietynlaisen työn tekemistä tai minkään tietyn menetelmän tai tekniikan käyttämistä. Siitä lähtien, kun hän sai ensimmäisen tunnustuksensa työstään 1960-luvun lopulla, hän on jatkuvasti kehittänyt käytäntöään. Jokainen hänen tekemänsä maalaus saa oman logiikkansa, jota määrittelee menneisyys vain siinä määrin kuin se on sen vaikutuksen alaisena. Snyderillä on luontaisesti miellyttäväntuntuinen intuitio, joka saattaa joissakin piireissä vaikuttaa viisaudelta tai valaistumiselta, mutta on todellisuudessa enemmän kuin nöyryys. Hän omaksuu sen, mikä oli, hyväksyy sen vaikutuksen siihen, mikä on, eikä teeskennellytkään tietävänsä, mitä tulee olemaan. Tämä asenne pitää hänet varovaisesti optimistisena huolimatta kärsimyksistä, joita hän on kokenut, ja se pitää hänen maalauksensa loputtoman tuoreina. Katsojat eivät koskaan pysty ennakoimaan, mitä Snyder aikoo seuraavaksi tehdä studiossaan, koska hän itsekään ei oikeastaan tiedä. Vaikka hän suunnittelee ja luonnostelee ja kiihkeästi kirjoittaa ideoita ylös, hän sanoo, että hänen maalauksensa ovat itse asiassa enemmän kuin jazz—"ne vain tapahtuvat." Snyder ylittää kaikki yritykset luokitella hänen työtään kieltäytymällä rajaamasta sitä. Hän pysyy avoimena, rehellisenä ja vapaana. Toisin kuin useimmat muut ikoniset taiteilijat, jotka jäävät ansaan historian tai markkinoiden heille asettaman totuuden vuoksi, Snyder on ikoninen esimerkki taiteilijasta, joka tietää, että hänen on vain oltava totta itselleen.
Ensimmäinen maksimaalisti
Jos on yksi sana, jota Snyder saattaisi riskeerata saada itselleen, se olisi termi "Maximalist". Syntynyt vuonna 1940, hän sai taiteen maisterin tutkinnon vuonna 1966 Rutgersin yliopistosta, muutaman kilometrin päässä siitä, missä hän kasvoi Highland Parkissa, New Jerseyssä. Taidemaailma tuolloin flirttaili pienen joukon erottuvien liikkeiden kanssa: Pop-taide, Op-taide, toinen aalto Abstrakti ekspressionismi, Käsitteellinen taide, Esitystaide. Mutta ilman epäilystäkään hallitsevin nouseva suuntaus oli Minimalismi. Taiteilijat kuten Donald Judd, Sol Le Witt ja Frank Stella hämmästyttivät taiteen ystävien silmiä ja mieliä yksinkertaistetuilla, tunteettomilla kompositioillaan. Monille katsojille, kuraattoreille ja kauppiaille heidän työnsä vaikutti olevan täydellinen vastalääke kahden vuosikymmenen ajan tunteellisesti latautuneille teoksille, joita taiteilijat olivat päättäneet ilmaista jokaisen sisimmän alitajuisen tunteensa.
Joan Snyder - Voimmeko muuttaa vihamme runoudeksi, 1985. Värilithografia Rives BFK -paperille. 30 1/4 × 44 1/4 tuumaa; 76,8 × 112,4 cm. Painos Printersproof/20 + 1AP. Anders Wahlstedt Fine Art, New York. © Joan Snyder
Snyder näki nämä minimalistit ja arvosti heidän työnsä rakennetta ja itseluottamusta. Mutta hän myös tajusi, että heidän työllään ei ollut mitään tekemistä hänen henkilökohtaisen elämänsä kanssa. Sitä paitsi hän ei erityisesti ajatellut, että mikään noista muista liikkeistä olisi ollut hänelle merkityksellistä. Hän koki, että kaikki nämä taideliikkeet olivat kehittyneet patriarkaalisesta taidemarkkinasta ja vinoutuneesta, epätäydellisestä, miehistä näkökulmasta taidehistoriaan. Hän ei tiennyt tarkalleen, millaisia maalauksia hän halusi tehdä, mutta hän tiesi, että mitä tahansa hän maalaisi, sen oli oltava totta hänelle itselleen. Ensimmäiset maalaukset, jotka hän teki koulun jälkeen, olivat maalauksellisia tutkimuksia ruudukon kielestä. Seuraavaksi tuli sarja niin sanottuja "Stroke"-maalauksia, jotka kartoittivat siveltimenvedon visuaalista kieltä. Molemmat olivat yrityksiä rakentaa henkilökohtaista syntaksia, jonka avulla hän voisi viestiä kerroksellisia, monimutkaisia henkilökohtaisia kertomuksia. Samaan aikaan yksi asia, johon hän keskittyi yli kaiken muun, oli laittaa yhä enemmän ja enemmän työhön, kunnes se sanoi sen, mitä hän halusi sen sanovan. Hän sanoo: "Koko ideani oli saada enemmän, ei vähemmän maalausta." Hänen lähestymistapaansa kutsuttiin "maksimalismiksi."
Joan Snyder - Syksyn laulu, 2002. Öljy ja sekatekniikka kankaalla. 50 × 96 tuumaa; 127 × 243,8 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Taistelun Perintö
Snyder on joskus verrannut teoksiaan sinfonioihin. Ilman epäilystäkään impasto-kerrosten, roskan, tiputusten ja pallomaisten muotojen sekoitus maalauksissa kuten "Amor Matris" (2015) tai "Symphony VII" (2014) voitaisiin lukea visuaalisena musiikkina, joka odottaa käännöstä sielujemme tuskallisella instrumentilla. Kuitenkin nämä maalaukset jakavat myös jotain yhteistä eeppisen kirjallisuuden kanssa. Kertomukset etenevät, voimakkaasti tummien ja vaaleiden värien ja sävyjen avulla. Raaka, primitiivinen muoto julistaa itsensä omaksi ja ylpeäksi; niiden taistelu tulla joksikin enemmän esittää valtavan haasteen silmillämme ja mielillämme. Sanat, joita Snyder tuo maalauksiin kuten "Powdered Pearls" (2017) — joskus kirjoittamalla ne ja joskus raaputtamalla ne aineeseen — ohjaavat ajatuksiamme ja mielialaamme. Lopulta kuitenkin laulut, joita kuulemme tai tarinat, joita luemme näistä kuvista, liittyvät enemmän omaan sisäiseen kertomukseemme kuin siihen, mikä sai Snyderin laittamaan siveltimen pinnalle.
Joan Snyder - Jauhettu helmi, 2017. Sekatekniikka. Öljy, akryyli, kangas, värikynä, pastel, helmet ja glitter kankaalla. 137,0 × 91,5 cm. 53,9 × 36,0 tuumaa. Franklin Parrasch -galleria. © Joan Snyder
Ei ole väliä, miten valitsemme katsoa Snyderin tekemiä maalauksia, yksi kiistaton asia, joka niillä kaikilla on yhteistä, on niiden taistelun perintö. Snyder on taistellut itsensä kanssa tuodakseen ne olemassaoloon—tämä fakta näkyy niiden valtavassa visuaalisessa monimutkaisuudessa ja materiaalin syvyydessä. Ja silti ne eivät ole todisteita sellaisesta taistelusta, jota mieluummin välttäisimme. Sen sijaan ne ovat todisteita lähes iloisesta taistelusta. Ne loistavat sellaisella nuorekkaalla ylpeydellä, jota kannamme mukanamme minkä ikäisinä tahansa, aina kun voittamme luonnollisen inhimillisen ahdistuksemme. On kuin niiden vaeltavassa tarinankerronnassa ne yrittäisivät tarjota meille vaikeasti selitettäviä mutta kiistattomia ratkaisuja ongelmiin, joista olemme aina tienneet, että meillä on, mutta kiitos Snyderin ja hänen pyrkimyksensä olla uskollinen itselleen, tiedämme nyt, että meillä on ne yhteisiä.
Esittelykuva: Joan Snyder - Pieni merimaisema, 2011. Öljy ja akryyli pellavalla. 18 × 24 tuumaa; 45,7 × 61 cm. Alexandre Gallery, New York. © Joan Snyder
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park
