Vapauden asiat - Katsaus konkreettiseen taiteeseen

Suprematismin, konstruktivismin, De Stijlin, neo-betonitaiteen ja minimalismin ohella betonitaide on yksi kuudesta geometrisesta abstraktista taidesuunnasta, joka syntyi 1900-luvulla, suunnilleen vuosien 1913 ja 1970 välillä. Mutta se on selvästi erilainen kuin kaikki muut tässä luettelossa. Ero ei välttämättä ole helposti havaittavissa. Visuaalisesti kaikki kuusi näistä liikkeistä tuottivat samanlaista työtä. Tämä johtuu siitä, että kaikki perustuivat samaan syntaksiin – visuaaliseen kieleen, joka juontaa juurensa ei-objektiivisiin, formaaleihin elementteihin, kuten viivoihin, muotoihin ja väreihin. Olennaisin ero niiden välillä oli lähes täysin semanttinen, mikä tarkoittaa, että jokaisen taustalla oleva aikomus ja merkitys olivat ainutlaatuisia. Suprematismi käytti geometrista abstraktiota viestiäkseen "puhdas tunne tai havainto" -käsitteen ylivoimaisuudesta. Konstruktivismi käytti sitä rakentaakseen uusia hyödyllisiä symboleja modernille maailmalle. De Stijl käytti geometrisia elementtejä tutkiakseen universumin sisäistä harmoniaa. Betonitaide oli puhtaasti plastista – jokainen visuaalinen elementti, jota se käytti, luotiin mekaanisesti ja oli vailla mitään symbolista, emotionaalista, hengellistä tai naturalistista merkitystä. Neo-betonitaide käytti samaa visuaalista kieltä kuin betonitaide, mutta hylkäsi sen puhtaan plastisuuden, keskittyen sen sijaan fenomenologiseen potentiaaliin, joka syntyy, kun ihmiset vuorovaikuttavat taiteen kanssa. Minimalismi oli samaa mieltä siitä, että plastisten elementtien tulisi olla itseviittaavia, mutta vei tämän uskomuksen äärimmäisyyksiin, antaen esteettisille komponenteille itsenäisen voiman siihen pisteeseen, että se sublimoi taiteilijan, poistaen kaikki todisteet tekijyydestä, narratiivista, biografiasta tai mistään muusta, mikä voisi häiritä teoksen totalitaarista läsnäoloa. Kaikista näistä liikkeistä vain yksi – betonitaide – voi väittää olevansa puhtaasti abstrakti. Se yksin aktiivisesti pyrki poistamaan kaikki ulkoiset merkitykset, vapauttaen taiteilijat viestimästä mitään muuta kuin mitä työssä oli selvästi näkyvissä.

Siirtyminen kohti konkreettisuutta

Pyrkimys puhtaaseen, muoviseen taiteeseen juurtui Eurooppaan noin 1800-luvun puolivälissä. Silloin taiteilijat, jotka liittyivät liikkeisiin kuten impressionismi ja divisionismi, alkoivat eristää elementtejä kuten valoa ja väriä asioina, jotka ansaitsivat yksilöllistä huomiota. Mutta aihe ja merkitys olivat edelleen tärkeitä ihmisille tuohon aikaan, jos eivät taiteilijoille itselleen, niin ainakin heidän tukijoilleen. Liikkeet kuten kubismi ja futurismi tarvittiin, jotta tämä ajattelutapa alkoi muuttua, raivaten tietä taiteilijoille kuten Wassily Kandinsky ja Kazimir Malevich maalata täysin abstrakteja teoksia 1900-luvun alussa.

Mutta jopa Kandinsky ja Malevitš tekivät teoksia, jotka viittasivat ulkoisiin merkityslähteisiin, kuten hengellisyyteen ja symboliikkaan. Vasta vuonna 1930 ensimmäinen eurooppalainen onnistui sanallistamaan halun omaksua todella merkityksetön, puhdas muoto abstraktista visuaalisesta taiteesta. Tämä taiteilija oli hollantilainen maalari ja kirjailija Theo van Doesburg. Van Doesburgista tuli ensin tunnettu noin vuonna 1917, kun hän oli mukana perustamassa De Stijliä yhdessä Piet Mondrianin kanssa. Mutta hän ja Mondrian erosivat pian, koska Mondrian, kuten monet muut abstraktit taiteilijat, oli voimakkaasti utopistisen hengellisyyden vaikutuksen alaisena. Van Doesburg halusi paeta kaikkia tällaisia vaikutteita sekä kaikkia naturalistisia tai figuurisia viittauksia. Joten vuonna 1930, yhdessä sveitsiläisen taiteilijan Otto Gustaf Carlsundin, ranskalaisen maalari Jean Hélionin, armenialaisen maalari Léon Arthur Tutundjianin ja ranskalaisen typografin Marcel Wantzin kanssa, hän oli mukana laatimassa Konkreettisen taiteen manifestia.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Betoni-taiteen manifesti

Manifesti esitteli kuusi periaatetta: "1) Taide on universaalia. 2) Taideteos on täysin käsiteltävä ja muovattava mielessä ennen sen toteutusta. Se ei saa vastaanottaa mitään luonnon, aistillisuuden tai tunteellisuuden muodollista dataa. Haluamme sulkea pois lyriikan, draaman, symboliikan ja niin edelleen. 3) Maalaus on rakennettava täysin puhtaista plastisista elementeistä, nimittäin pinnoista ja väreistä. Kuvallinen elementti ei omaa mitään merkitystä "itsensä" ulkopuolella; seurauksena on, että maalauksella ei ole mitään merkitystä muuta kuin "itsensä". 4) Maalauksen, samoin kuin sen elementtien, rakentamisen on oltava yksinkertaista ja visuaalisesti hallittavaa. 5) Maalaustekniikan on oltava mekaanista, eli tarkkaa, anti-impressionistista. 6) Pyrkimys absoluuttiseen selkeyteen on pakollista."

Van Doesburg kuoli vuotta sen jälkeen, kun Betoni-taiteen manifesti julkaistiin, joten hän ei ollut tarpeeksi kauan puolustamassa sitä kriitikoiden armeijalta, joka hyökkäsi sen kimppuun seuraavina vuosikymmeninä. Näiden kriitikoiden valitukset keskittyivät pääasiassa siihen, mitä he pitivät betonitaiteen kylmänä, sieluttomana ja steriilinä. Mutta tietenkin, se oli liikkeen tarkoitus alusta alkaen. Itse asiassa on vaikea kuvitella, että jos van Doesburg olisi elänyt pidempään, hän olisi vaivautunut väittelemään kriitikoidensa kanssa. Hän olisi todennäköisesti tulkinnut sanan sieluton kohteliaisuutena ja sanat kylmä ja steriili korkeana ylistyksenä.

Art Concret Manifesto, May 1930, via wikiart.org

Selkeys on käsittämätöntä

Ymmärtääksemme, miksi konkreettinen taide vetosi niin voimakkaasti moniin taiteilijoihin, on olennaista ymmärtää, että van Doesburg kuului sukupolveen, joka oli tullut väsyneeksi vuosikymmenten väkivallan jälkeen. Modernin sodankäynnin mukanaan tuoma massakuolema ja tuho järkyttivät heitä. Monet älymystön edustajat tulivat siihen johtopäätökseen, että väkivalta ei ollut syntynyt tyhjiössä. Pikemminkin he näkivät sen poliittisten, uskonnollisten ja ideologisten konfliktien väistämättömänä seurauksena. Konkreettinen taide oli pyyntö taiteilijoille irrottautua todellisuudesta, joka oli vienyt maailman tuhon partaalle.

Jopa tänään monet taiteilijat, kuten Daniel Göttin ja Tilman, omaksuvat konkreettisen taiteen periaatteet pyrkien absoluuttiseen selkeyteen. Mutta se on edelleen monimutkainen tavoite. Nykyajan yleisö ei voi olla löytämättä merkitystä konkreettisesta taiteesta. Taiteilijan aikomus merkitsee meille vähän, koska näemme teoksen taidehistorian ja omien henkilökohtaisten historioidemme kontekstissa. Tämä on myös se, minkä brasilialaiset taiteilijat, kuten Lygia Pape, Hélio Oiticica ja Lygia Clark, jotka perustivat neo-konkreettisen liikkeen, ymmärsivät. He tiesivät, että vaikka väri, muoto tai viiva viittaa vain itseensä, se saa uuden merkityksen, kun koemme sen itse. Huolimatta konkreettisten taiteilijoiden parhaista ponnisteluista, absoluuttinen selkeys abstraktissa taiteessa on saavuttamaton, koska ihmismieli seisoo aina iloisesti valmiina sumentamaan vettä.

Esittelykuva: Tilman -Nimetön (257.11), 2011, 25.6 x 19.7 tuumaa.

Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.

Kirjailija: Phillip Park