Typografian taiteen abstrakti luonne

Tiettyjä harhakuvia on ylläpidettävä, jotta sivistys voi jatkua. Esimerkiksi nykyaikaisella rahalla ei ole sisäistä arvoa. Säilytämme rahan arvon harhan rakentaaksemme yhteiskunnan luotettavalla tavalla. Kieli on myös abstrakti. Äänet ja symbolit tarkoittavat sitä, mitä sovimme niiden tarkoittavan. Typografinen taide on yksi tapa, jolla taiteilijat tutkivat näitä kulttuurissamme olevia abstraktioita. Se haastaa hyväksytyt käsityksemme siitä, mikä on merkityksellistä ja mikä ei, esittämällä kirjoitettua kieltä sen tavallisesta yhteydestä poiketen, kummallisilla tavoilla tai rinnastettuna epätavallisiin tai odottamattomiin esteettisiin vastineisiin. Kubismista dadaan, konseptuaaliseen taiteeseen, pop-taiteeseen ja sen yli, typografinen taide on tutkinut kirjoitettujen symbolien käyttöä yli 100 vuoden ajan. Se on laajentanut kielen käsityksen rajoja ja mahdollisuuksia sekä sitä, mitä uskomme kielen voivan saavuttaa.

Kubistinen typografinen taide

Yksi modernistisen typografisen taiteen ensimmäisistä esimerkeistä on Pablo Picasson teos Still Life with Chair Caning, luotu vuonna 1912. Tämä ikoninen teos on myös Picasson ensimmäinen kollaasityö, joka merkitsee synteettisen kubismin alkua. Teos tuo mieleen kahvilapöydän pinnan ja sisältää elementtejä kuten juomalasin, piipun, sanomalehden ja kahvilatuolin, muiden esineiden ohella. Kubismin kehityksen kannalta tärkeän teoksen lisäksi se on myös avain typografisen abstraktion ymmärtämiseen. Teoksessa on kolme maalattua kirjainta, jotka näyttävät muodostavan sanan ”JOU”, joka ranskaksi voi tarkoittaa ”peliä”. Tai JOU voi olla osa ilmaisua ”Le Journal”, joka oli tuohon aikaan Pariisin luetuin sanomalehti.

Koska Still Life with Chair Caning -kuvasto viittaa sanomalehteen, Picasso on voinut tarkoittaa Le Journal-sanomalehteä. Toisaalta teksti voi olla leikillinen viittaus visuaalisiin tai käsitteellisiin peleihin. Toinen mahdollisuus on, että sekaannus näiden tulkintojen välillä oli tarkoituksellinen lausunto Picassolta uutismediasta ja sen taipumuksesta sekoittaa merkitystä ja tarkoitusta raportoinnissaan. Joka tapauksessa tarkoitus ei ole selvittää Picasson aikomusta, vaan tunnustaa epäselvyys. Koko kysymys teoksen typografisten elementtien merkityksestä osoittaa sen modernistisen typografisen abstraktion syntymän edustajaksi.

Francis Picabia -  Dame! Kuva Dadaphone-lehden numeron 7 kansikuvaksi, Pariisi, maaliskuu 1920

Dada-taide ja typografia

Heti kubismin nousun jälkeen tulivat dadaistit, ryhmä taiteilijoita, jotka omistautuivat sivistyksen järjettömyyden kohtaamiseen. Dadaistit käyttivät voimakkaasti kollaasia visuaalisena keinona ja sisällyttivät teoksiinsa monia abstrakteja typografisia viittauksia. Francis Picabia oli yksi kuuluisimmista dadaisteista, joka käytti typografiaa. Koulutukseltaan taitava realistinen maalari, runoilija ja typografi, Picabia tiesi hyvin, että kirjoitetun kielen tarkoitus on viestintä. Silti hän pyrki dadaistisissa teoksissaan luomaan kummallisia, absurdisteja kirjallisia kokonaisuuksia, joita voitiin tulkita hyvin eri tavoin tai jotka saatettiin jopa pitää järjettöminä.

Ajatellaanpa Picabian tekemää kansikuvaa dadaistilehdelle Dadaphone vuonna 1920. Kuvan nimi on ”Dame!” Siinä on abstrakti spiraalikuvio ja useita tekstialueita. Tekstin täydellinen käännös on: ”Liha, joka on juonut liikaa, on napolilainen naudanliha,” ”kädet kanonisessa paskassa,” ”korjaamassa sänkyään” ja ”rouvan siltalaituri.” Sanojen merkitys on yhtä epäselvä kuin spiraalin merkitys. Onko kuva tarkoitettu ruuviksi? Onko se leikkisä, kuin konfetti? Onko se kuva mekaanisesta edistyksestä? Onko se epätoivon vai edistyksen viesti? Teksti ei selvennä merkitystä, vaan lisää abstraktiota, joka saavuttaa päinvastaisen vaikutuksen kuin mitä Picabia ymmärsi kielen viestintävälineenä tarkoittavan, eli selkeyden.

Jasper Johns ja typografia

1950-luvulla maalari Jasper Johns nousi kuuluisuuteen ikonisten kulttuurisymbolien abstraktilla käytöllä, usein sisältäen typografisia symboleja. Johns omaksui symbolisia muotoja, kuten Yhdysvaltain lipun ja maalin, tutkien niitä tavoilla, jotka asettivat ne uudelleen abstrakteiksi muodoiksi merkityksellisten symbolien sijaan, irrottaen ne kulttuurisesta merkityksestään. Johns vältteli teostensa merkityksen tai tarkoituksen selittämistä, viitaten siihen, että hän halusi niiden olevan ”valmiita”, eli katsojan tulkittavissa.

Joseph Kosuth - One and Three Chairs, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City

Johns käytti tunnetusti englannin aakkosia sekä arabialaisia numeroita monissa teoksissaan. Hän käytti näitä typografisia elementtejä ilmeisen merkityksettöminä aiheina maalauksissa, jotka näyttivät keskittyvän enemmän muodollisiin ominaisuuksiin, kuten pintaan, tekstuuriin, kolmiulotteisuuteen ja maalauksellisuuteen kuin esittävyyteen. Hän sisällytti myös sanoja, kuten värien nimiä, maalaten ne ja asettaen ne eri värien viereen, sekoittaen sanojen merkitystä. Nämä typografiset teokset kyseenalaistivat, oliko typografia viestintäväline vai pelkkä muotojen kokoelma, jota voitiin käyttää abstraktisti samalla tavalla kuin geometrisen abstraktion tekijät maalasivat ympyröitä, neliöitä, ristejä ja kolmioita.

Andy Warhol - Campbell’s Soup Cans, 1962, synteettinen polymeerimaali, cm x 41 cm, Museum of Modern Art, New York City, © 2017 Andy Warhol Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York City

Konseptuaalinen taide, pop-taide ja typografia

Johnsin työ vaikutti Andy Warholiin, joka yhdisti tunnetusti symbolisia ja typografisia elementtejä teoksissaan. Warholin Campbell’s Soup Cans, luotu vuonna 1962, koostui 32 erillisestä vedoksesta, joista jokainen edusti yhtä Campbellin yhtiön tuolloin tarjoamista 32 keittovaihtoehdosta. Nämä teokset olivat tasaisia, mekaanisesti tuotettuja ja käyttivät aiheita, jotka vaikuttivat merkityksettömiltä. Teksti ei viestittänyt muuta kuin kaupallista brändiä. Tämän typografisen kuvaston abstraktin käytön kautta Warhol herätti kysymyksiä kulutuskulttuurin ja taiteen merkityksestä tai merkityksettömyydestä.

Jasper Johns vaikutti myös konseptuaalisiin taiteilijoihin, kuten Joseph Kosuthiin. Kosuth käytti typografiaa yhtenä osana kuuluisassa teoksessaan One and Three Chairs, luotu vuonna 1965. Tässä teoksessa Kosuth esitti yhdessä valokuvan tuolista, varsinaisen puutuolin ja kirjoitetun kuvauksen tuolista. Teos vihjasi, että kaikki kolme elementtiä edustivat eivät tuolia vaan tuolin ideaa. Vain yksi esineistä oli toimiva tuoli. Valokuva ja typografinen kuvaus olivat molemmat abstraktioita.

Guerrilla Girls - Täytyykö naisten olla alasti päästäkseen Met-museoon? 1989, silkkipainatus paperille, 280x710 mm, © Guerrilla Girls

Muoto ja maalattu sana

Nykytaiteilijat käyttävät usein tekstiä, usein tarkoittaen sen otettavan kirjaimellisesti, luettavaksi ja ymmärrettäväksi. Esimerkiksi Guerrilla Girls, naistaiteilijoiden ryhmä, joka käyttää ei-abstraktia typografista viestintää osana sosiaalisen oikeudenmukaisuuden taidettaan.

Typografian abstrakti käyttö taiteessa liittyy toiseen sosiaalisen oikeudenmukaisuuden tehtävään, johon ei liity selkeää tavoitetta. Typografisen abstraktion kautta taiteilijat eivät kyseenalaista yhtä tiettyä kulttuurista ihannetta, vaan koko viestinnän käsitettä. Yhteiskuntiemme monimutkaistuessa typografian käyttö usein vain monimutkaistaa asioita kansalle, kun taas katsojat, jotka ovat oppineet tulkitsemaan piilotettuja viestejä, jakavat salaisuuksia avoimesti. Abstrakti typografinen taide kyseenalaistaa kirjoitetun kielen arvon ja objektiivisuuden ja kysyy, menetämmekö jotain olennaisempaa, jota voisimme viestiä intuitiivisemmilla tavoilla.

Kuvassa: Pablo Picasso - Still Life with Chair Caning, 1912, öljy ja sekatekniikka öljykankaalle, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Pariisi, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Kuva: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio