Un musée en Tasmanie rassemble les fondateurs du mouvement Zero Art

Le collectionneur d'art australien et magnat du jeu David Walsh a récemment inauguré une exposition historique sur le Mouvement artistique zéro dans son musée d'art ancien et nouveau (MONA) à Hobart, en Tasmanie. Intitulée ZERO, l'exposition présente les œuvres de 16 artistes de sept pays, dont plusieurs ont été installées pour la première fois depuis leurs débuts il y a plus d'un demi-siècle. . L'environnement dans lequel se déroule cette exposition monumentale offre encore plus de drame aux visiteurs et une incitation accrue à faire le voyage dans ce lieu isolé. MONA est principalement souterraine. Le bâtiment est construit sur plusieurs étages sous deux bâtiments emblématiques de l'architecte moderniste australien Roy Grounds. Contrairement à la plupart des autres musées, qui accueillent la lumière naturelle et s'efforcent de donner aux visiteurs le sentiment d'être dans un espace ouvert et accueillant, MONA est résolument contre nature, et parfois même un peu peu accueillant. Dès l’entrée, les visiteurs descendent dans un environnement quelque peu étranger où la force de l’architecture rivalise souvent avec l’art qu’elle est censée soutenir. Pourtant, l’espace pousse également les spectateurs à rechercher le réconfort les uns auprès des autres et de l’œuvre. D'une certaine manière, le cadre est idéal pour présenter le travail des artistes Zero, car il incarne deux de leurs idées essentielles : que l'art est une question de possibilités et d'inconnu, et qu'il doit impliquer de véritables expériences entre les personnes, les matériaux et l'espace.

Sauvé par zéro

Le mouvement Zéro a été fondé par Heinz Mack et Otto Piene en 1957, par désir de recommencer. Comme beaucoup de leurs contemporains, Mack et Piene s'efforçaient d'échapper au passé et de se libérer de l'égotisme et de l'émotion qui avaient pris le contrôle sur une grande partie de l'art de leur époque. À Düsseldorf, où ils vivaient et travaillaient, il y avait peu de galeries d'art. Et ailleurs, les goûts du marché tendaient vers des œuvres d'art qui exprimaient une sorte de "culte de l'individualité", illustré par des positions esthétiques qui exprimaient l'émotion personnelle, telles que Tachisme, Art Informel, et Expressionnisme abstrait. Mack et Piene considéraient la collaboration comme plus importante que l'individualisme. Ils croyaient que la valeur de l'art résidait dans l'expérience qu'il pouvait susciter entre les créateurs, les spectateurs, les matériaux et les environnements. Ils estimaient que l'objet traditionnel, unique, créé par un artiste était mort, et ils voulaient susciter un nouveau point de départ à partir duquel ils pourraient permettre à l'avenir de prendre racine.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), années 1960 ; recréé en 2012. Collection More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Image fournie par le Musée d'art ancien et nouveau (Mona)

Mack et Piene organisent leur première exposition sur ce qu'ils considèrent comme l'avenir de l'art le 11 avril 1957, dans leur atelier. C’était une affaire d’une nuit destinée à embrasser l’éphémère. L’exposition a suscité un immense intérêt et a été rapidement suivie par plusieurs autres expositions expérientielles d’une nuit. Mais ce n’est qu’après leur quatrième exposition, en septembre 1957, qu’ils trouvent le mot Zero pour décrire leur collaboration. Le mot était destiné à transmettre l’idée que le passé était officiellement terminé – c’était un point de départ pour l’avenir. Comme le décrit Piene : « Nous considérions le terme... comme un mot désignant une zone de silence et de pures possibilités pour un nouveau départ comme au compte à rebours quand les fusées décollent – ​​zéro si la zone incommensurable dans laquelle l'ancien l’État se transforme en nouveau.

Adolf Luther - Salle de destruction de bouteilles, 1961 ; recréé en 2018. Collection Fondation Adolf Luther, Krefeld. Droits d’auteur : Fondation Adolf Luther. Image reproduite avec l'aimable autorisation du Musée d'art ancien et nouveau (Mona)

ZÉRO, pas zéro

Malgré l'ouverture du mouvement, Mack et Piene avaient une étrange conception. Ils stipulaient que lorsqu'on écrivait à leur sujet, les fondateurs devaient être appelés « Zéro », tandis que les autres artistes associés devaient être appelés « ZERO ». C'est pourquoi l'exposition au MONA utilise des lettres majuscules—car elle présente principalement des œuvres du vaste réseau international d'artistes qui s'associent à la philosophie. Néanmoins, comme le montre ZERO au MONA, il n'y avait pas d'étrangers dans le mouvement. Tous étaient les bienvenus. Il n'y avait pas de manifeste Zero, et il n'y avait pas d'adhésion officielle. Cette attitude a entraîné une vaste gamme de travaux créés par des artistes ZERO, incarnée dans cette exposition par la recréation d'œuvres emblématiques de ZERO telles que « Bottle Smashing Room » (1961) d'Adolf Luthor, et « Mirror Environment » (1963) de Christian Megert. L'attitude accueillante du mouvement est également démontrée dans cette exposition par l'inclusion d'artistes des nombreux autres mouvements internationaux que Zero a contribué à inspirer, tels que le Gutai Group au Japon, au Nouveau Réalisme à Paris, à Light and Space aux États-Unis, et au mouvement international connu sous le nom de Fluxus. Illustrant ces connexions, on trouve des œuvres rares de Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein et Yayoi Kusama, par exemple, qui mettent en lumière des aspects de leur pratique très différents des œuvres pour lesquelles ils sont principalement connus.

Roy Lichtenstein - Paysage marin II, 1965. Collection Kern, Großmaischeid. Copyright : Succession de Roy Lichtenstein/Copyright Agency, 2018. Image fournie par l'artiste et le Musée d'art ancien et nouveau (Mona)

L'un des aspects les plus importants de cette exposition est qu'elle recentre l'attention contemporaine sur la nécessité de renouveler l'art contemporain. Même si les fondateurs de Zero se sont officiellement dissous en 1966, le mouvement qu'ils ont lancé n'a jamais vraiment pris fin. Et cette exposition suggère également quelque chose d'encore plus important : l'idée que peut-être le mouvement artistique Zero n'a jamais vraiment commencé. Ce n'était peut-être pas un mouvement qui a été inventé à un endroit à un moment donné, mais faisait plutôt partie d'un continuum beaucoup plus vaste qui s'étend infiniment, jusqu'au premier moment où les humains ont désiré utiliser des phénomènes visuels pour aller au-delà d'eux-mêmes vers quelque chose de pur et de nouveau. Les œuvres de ZERo à MONA sont si fraîches et si vitales, même maintenant, qu'elles m'inspirent à croire que ZERO pourrait même continuer aujourd'hui, chaque fois que des groupes d'artistes se réunissent pour collaborer à des créations esthétiques qui vont au-delà de ce qui est attendu ou de ce qui est déjà connu. En fait, à ce moment précis, cette exposition et le message qu'elle véhicule sont essentiels. Elle nous rappelle ce principe clé de l'art Zero : que l'art concerne les expériences et les relations entre les gens, leur environnement et leurs efforts collaboratifs pour imaginer un avenir meilleur. ZERO à MONA est visible jusqu'au 22 avril 2019.

Image en vedette : Gianni Colombo - Spazio elastico, (Espace élastique), 1967-1968. Collection Archives Gianni Colombo, Milan © Archives Gianni Colombo. Image reproduite avec l'aimable autorisation du Musée d'art ancien et nouveau (Mona)

Par Phillip Barcio