Un musée en Tasmanie rassemble les fondateurs du mouvement Zero Art

Le collectionneur d'art australien et magnat des jeux David Walsh a récemment inauguré une exposition majeure du mouvement artistique Zero dans son Musée d'Art Ancien et Moderne (MONA) à Hobart, en Tasmanie. Intitulée ZERO, l'exposition présente des œuvres de 16 artistes originaires de sept pays, dont plusieurs ont été installées pour la toute première fois depuis leur création il y a plus d’un demi-siècle. Offrant encore plus de spectacle aux visiteurs, et une raison supplémentaire de faire le voyage jusqu’à ce lieu isolé, l’environnement dans lequel se déroule cette exposition monumentale joue un rôle important. MONA est en grande partie souterrain. Le bâtiment est construit sur plusieurs étages sous une paire de bâtiments emblématiques de l’architecte moderniste australien Roy Grounds. Contrairement à la plupart des autres musées, qui accueillent la lumière naturelle et cherchent à faire sentir aux visiteurs qu’ils se trouvent dans un espace ouvert et accueillant, MONA est résolument artificiel, et parfois même un peu peu hospitalier. En entrant, les visiteurs descendent dans un environnement quelque peu étranger où la force de l’architecture rivalise souvent avec l’art qu’elle est censée mettre en valeur. Pourtant, cet espace pousse aussi les spectateurs à chercher du réconfort les uns auprès des autres, et auprès des œuvres. D’une certaine manière, ce cadre est idéal pour présenter le travail des artistes Zero, car il incarne deux de leurs idées essentielles : que l’art est une affaire de possibles et d’inconnu, et qu’il doit impliquer de véritables expériences entre les personnes, les matériaux et l’espace.

Sauvé par Zero

Le mouvement Zero a été fondé par Heinz Mack et Otto Piene en 1957, animé par le désir de repartir à zéro. Comme beaucoup de leurs contemporains, Mack et Piene cherchaient à fuir le passé, et à s’éloigner de l’égoïsme et de l’émotion qui avaient pris le contrôle de tant d’œuvres de leur époque. À Düsseldorf, où ils vivaient et travaillaient, il y avait peu de galeries d’art. Ailleurs, les goûts du marché penchaient vers des œuvres exprimant une sorte de « culte de l’individualité », incarné par des positions esthétiques exprimant l’émotion personnelle, telles que le Tachisme, l’Art Informel et l’Expressionnisme abstrait. Mack et Piene considéraient la collaboration comme plus importante que l’individualisme. Ils croyaient que la valeur de l’art résidait dans l’expérience qu’il pouvait susciter entre les créateurs, les spectateurs, les matériaux et les environnements. Ils estimaient que l’objet traditionnel, unique, créé par un artiste était mort, et ils voulaient initier un nouveau point de départ à partir duquel l’avenir pourrait prendre racine.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), années 1960 ; recréé en 2012. Collection More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Image avec l’aimable autorisation du Musée d'Art Ancien et Moderne (Mona)

Mack et Piene ont organisé leur première exposition de ce qu’ils considéraient comme l’avenir de l’art le 11 avril 1957, dans leur atelier. Ce fut un événement d’une nuit destiné à embrasser l’éphémère. L’exposition suscita un immense intérêt, rapidement suivie de plusieurs autres expositions éphémères d’une nuit. Mais ce n’est qu’après leur quatrième exposition, en septembre 1957, qu’ils inventèrent le mot Zero pour désigner leur collaboration. Ce terme devait exprimer l’idée que le passé était officiellement terminé — c’était un point de départ pour l’avenir. Comme le décrivait Piene : « Nous avons vu dans ce terme... un mot indiquant une zone de silence et de possibilités pures pour un nouveau commencement, comme lors du compte à rebours avant le décollage des fusées — zéro est la zone incommensurable où l’ancien état se transforme en nouveau. »

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum (Salle de bris de bouteilles), 1961 ; recréé en 2018. Collection Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Droits d’auteur : Adolf Luther Stiftung. Image avec l’aimable autorisation du Musée d'Art Ancien et Moderne (Mona)

ZERO, pas Zero

Malgré l’ouverture du mouvement, Mack et Piene avaient une étrange particularité. Ils stipulaient que lorsqu’on écrivait à leur sujet, les fondateurs devaient être désignés par « Zero », tandis que les autres artistes associés devaient être désignés par « ZERO ». C’est pourquoi l’exposition au MONA utilise des lettres capitales — car elle présente principalement des œuvres du réseau international plus large d’artistes qui adhèrent à cette philosophie. Néanmoins, comme le montre clairement ZERO au MONA, il n’y avait pas d’exclus dans le mouvement. Tous étaient les bienvenus. Il n’y avait pas de manifeste Zero, ni d’adhésion officielle. Cette attitude a donné lieu à une grande diversité d’œuvres créées par les artistes ZERO, incarnée dans cette exposition par la recréation d’œuvres emblématiques de ZERO telles que « Salle de bris de bouteilles » (1961) d’Adolf Luther, et « Environnement miroir » (1963) de Christian Megert. L’esprit d’accueil du mouvement est également démontré dans cette exposition par l’inclusion d’artistes issus de nombreux autres mouvements internationaux que Zero a contribué à inspirer, tels que le Groupe Gutai au Japon, le Nouveau Réalisme à Paris, la Lumière et l’Espace aux États-Unis, ainsi que le mouvement international connu sous le nom de Fluxus. Ces liens sont illustrés par des œuvres rares de Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein et Yayoi Kusama, par exemple, qui mettent en lumière des aspects de leur pratique très différents de ceux pour lesquels ils sont surtout connus.

Roy Lichtenstein - Paysage marin II, 1965. Collection Kern, Großmaischeid. Droits d’auteur : Succession Roy Lichtenstein/ Copyright Agency, 2018. Image avec l’aimable autorisation de l’artiste et du Musée d'Art Ancien et Moderne (Mona)

Un des aspects les plus importants de cette exposition est qu’elle recentre l’attention contemporaine sur la nécessité de renouveler l’art contemporain. Même si les fondateurs de Zero ont officiellement dissous le mouvement en 1966, celui-ci n’a jamais vraiment pris fin. Et cette exposition suggère aussi quelque chose d’encore plus important : l’idée que peut-être le mouvement artistique Zero n’a jamais vraiment commencé. Ce n’était peut-être pas un mouvement inventé en un lieu et à un moment précis, mais plutôt une partie d’un continuum beaucoup plus vaste qui remonte à l’infini, jusqu’au premier instant où les humains ont désiré utiliser des phénomènes visuels pour aller au-delà d’eux-mêmes vers quelque chose de pur et de nouveau. Les œuvres de ZERO au MONA sont si fraîches, et si vitales, même aujourd’hui, qu’elles m’inspirent à croire que ZERO pourrait même continuer aujourd’hui, chaque fois que des groupes d’artistes se réunissent pour collaborer à des créations esthétiques qui dépassent ce qui est attendu ou ce qui est déjà connu. En ce moment même, en fait, cette exposition et le message qu’elle transmet sont essentiels. Ils nous rappellent ce principe fondamental de l’art Zero : que l’art est une affaire d’expériences, et de relations entre les personnes, leur environnement, et leurs efforts collaboratifs pour imaginer un avenir meilleur. ZERO au MONA est visible jusqu’au 22 avril 2019.

Image en vedette : Gianni Colombo - Spazio elastico (Espace élastique), 1967–68. Collection Archives Gianni Colombo, Milan © Archives Gianni Colombo. Image avec l’aimable autorisation du Musée d'Art Ancien et Moderne (Mona)

Par Phillip Barcio