Edward Burtynsky et des paysages pas comme les autres

Le photographe canadien Edward Burtynsky photographie le monde naturel depuis près de quarante ans. Il a commencé sa carrière à la fin des années 1970, en photographiant des paysages naturels selon une perspective strictement formaliste, les cadrant de manière à ce que les compositions imitent les peintures expressionnistes abstraites. Comme l’explique un passage sur son site web, « Ce qui dominait son esprit était le traitement expressionniste abstrait de l’espace pictural comme un champ dense et compressé, réparti uniformément sur toute la surface d’une grande composition. » Mais au fil des années suivantes, Burtynsky a élargi les modestes objectifs qu’il s’était initialement fixés pour sa carrière photographique. Plutôt que de simplement tenter de créer des compositions modernistes intéressantes, il a commencé à chercher des sujets qui lui permettraient de faire simultanément des déclarations sociales, politiques, économiques et culturelles avec son travail. Dans une série intitulée Railcuts, il a capturé des images qui montrent le traumatisme physique infligé à la terre par la construction de voies ferrées transnationales. Dans une série appelée Homesteads, il a documenté les manières précaires dont les humains transforment leur environnement naturel en construisant des maisons, des quartiers et des villes. Pour sa série intitulée Tailings, il a photographié les terres désolées à l’aspect apocalyptique qui ont tendance à être laissées derrière par les rivières de déchets qui suintent de la terre lorsque les minéraux sont extraits et séparés de leur minerai lors des opérations minières. Ces séries, ainsi que les nombreuses autres qu’il a produites, ont valu à Burtynsky un Prix TED, ont donné lieu à deux documentaires primés sur son travail, et ont placé Burtynsky fermement en première ligne du mouvement écologiste. Il connaît un grand succès en tant que photographe, mais je reste avec une question concernant la véritable valeur de ses photographies : sont-elles de l’activisme, du journalisme, ou de l’art ?

L’énigme de la photographie abstraite

Les photographes sont des intermédiaires entre les spectacles et les spectateurs. Que leur sujet soit un accident de voiture, une émeute, une guerre, un animal sauvage, une éclipse solaire, un mannequin, un paysage naturel ou artificiel, ou une composition géométrique colorée créée en studio ou sur ordinateur, c’est toujours la même chose : ils ont besoin de quelque chose de visible à capturer — idéalement quelque chose de fascinant — qui à son tour captera et retiendra l’intérêt du spectateur. Mais depuis les premiers jours de la photographie artistique, lorsque des artistes comme Alvin Langdon Coburn et Man Ray exploraient, entre autres, ce que pouvait signifier une expression comme photographie abstraite, les artistes photographes ont dû se confronter à la nature essentielle de la photographie : c’est un médium conçu pour capturer la réalité.

Une photographie est une empreinte — un instant capturé — créée lorsque la lumière interagit de manière contrôlée avec un phénomène concret, objectif et observable. Comment alors une photographie pourrait-elle jamais être abstraite ? Ce qui apparaît dans une image photographique n’a-t-il pas vraiment existé, au moins pendant une fraction de seconde, exactement tel qu’il est représenté ? Cela doit être le cas, sinon cela ne serait pas là. Donc oui, on peut soutenir — et beaucoup l’ont fait — que chaque photographie est par définition objective. Il est donc compliqué pour les photographes de travailler dans le terrain intermédiaire entre abstraction et réalisme. Lorsqu’ils photographient la réalité, ils invitent des jugements sur le sujet qui détournent le spectateur de l’appréciation des qualités formelles de l’image, telles que l’usage de la couleur, de la forme et de la ligne. Mais lorsqu’ils s’éloignent trop du processus photographique, par exemple en éliminant l’appareil photo du processus, des questions fondamentales se posent quant à savoir si le produit final est même une photographie. Après tout, utiliser simplement de la peinture pour créer une chose ne fait pas de cette chose une peinture.

Edward Burtynsky - Salt Pan #16, Little Rann of Kutch, Gujarat, Inde, 2016

Les spectacles nous aident à voir

Edward Burtynsky évite cette énigme en acceptant l’idée que les spectateurs vont toujours naturellement développer des réactions émotionnelles personnelles à toute image photographique qu’ils regardent, et en s’appuyant sur cela. Il est resté intéressé par le formalisme, comme le démontrent les motifs abstraits, textures et compositions qu’il capture en cadrant les paysages naturels et manufacturés qu’il photographie. Quiconque connaît l’histoire de l’art abstrait du XXe siècle peut probablement faire des associations entre ses photographies et le travail de divers peintres modernistes. Mais plutôt que de se concentrer uniquement sur ce point — qui pourrait sembler un peu banal — Burtynsky combine son amour pour l’imagerie moderniste avec une passion pour documenter quelque chose d’urgent pour sa génération : la réaffectation industrielle à grande échelle du monde naturel.

Contemplez la série de formes rose vif dans sa photographie de 2005 Manufacturing #17, d’une usine de transformation de poulets en Chine. La couleur frappante est ce qui me saute immédiatement aux yeux. Une mer de rose avec des touches de rouge, blanc et bleu, encadrée sous un horizon gris et blanc. La couleur, le motif et la forme pourraient facilement être tout ce dont parle cette photographie. Je plisse les yeux et, à part la précision des formes et les qualités géométriques de la composition, je pourrais regarder une peinture de Philip Guston. Mais ensuite je regarde de plus près. Chacune de ces formes roses est un être humain dont le travail est de rester debout toute la journée dans un immense entrepôt réfrigéré sans fenêtres, sous des lumières fluorescentes, portant un équipement en caoutchouc protecteur de la tête aux pieds, dépeçant les carcasses décédées de créatures autrefois sensibles qui, comme ces travailleurs, avaient autrefois des pensées, des sentiments, des relations, des peurs et des compulsions. Ce n’est pas une image abstraite. C’est une image documentant la froide précision avec laquelle la nourriture bon marché est fournie à des gens qui n’apprécient pas la valeur de toute vie : poulet ou humaine.

Edward Burtynsky - Manufacturing #17, usine de transformation Deda Chicken, ville de Dehui, province de Jilin, Chine, 2005

À vous de juger

Dans sa conférence TED, Edward Burtynsky a lancé un appel passionné pour que ses photographies soient utilisées par le public comme source d’inspiration et nous incitent à agir pour changer le monde. Il a exprimé les dangers de la modification du monde naturel au service de l’extraction des ressources, se définissant ainsi comme un militant. Certains pourraient dire que ses photographies, dans leur documentation directe de la transformation de la nature dont il parle, le définissent tout autant comme un journaliste. Mais j’ai encore quelques doutes quant à la validité de ces deux étiquettes. Je voudrais plutôt défendre l’idée que le travail d’Edward Burtynsky doit être considéré pour ses qualités formelles en tant qu’art. Parmi mes arguments, le plus important est que ses photographies me font ressentir quelque chose. Sa photographie de 2008 Fisher Body Plant #1, de l’extérieur d’une usine automobile abandonnée à Détroit, se tient seule comme une sorte d’anti-Agnes Martin. Plutôt que des rangées délicates de lignes horizontales et verticales m’inspirant un sentiment de légèreté et de platitude, la composition en grille de cette image m’impose un sentiment de poids et de texture. Certains regardent une peinture d’Agnes Martin et ressentent de la joie. D’autres non, ils ne voient que des lignes. Certains peuvent regarder Fisher Body Plant #1 et ressentir de l’effroi. Pas moi, je vois du potentiel.

Quant à qualifier Edward Burtynsky de militant, je pense que ce serait inexact. Je dis cela seulement parce qu’il utilise les mêmes technologies pour réaliser ses photographies que celles qui alimentent le marché de l’extraction des ressources. Pensez aux métaux précieux qui font fonctionner son appareil photo numérique, et aux véhicules brûlant des combustibles fossiles qui l’aident à obtenir ses perspectives uniques. Si vous photographiez un accident de voiture, cela signifie que vous ne faites rien pour aider. Si vous photographiez une émeute puis vendez cette photo à un média, vous tirez profit de la crise. Ce que fait Burtynsky n’est pas si sombre. Mais en regardant la publicité mondiale de livraison postale UPS qui a précédé sa vidéo TED sur les horreurs du pétrole, je me suis demandé quel était le véritable message. Est-ce un message en faveur de la consommation ? Contre la consommation ? Le mieux que je puisse comprendre, c’est que Burtynsky le militant dit quelque chose comme : « La consommation est horrible et cause la destruction de l’environnement naturel et nous devrions faire quelque chose, mais pas encore car je dépends encore du pétrole et de l’extraction minérale pour faire mon travail. » Mais je ne peux pas non plus appeler Burtynsky un journaliste. Le journalisme, par définition, doit être impartial. Et enfin, hélas, puisque Burtynsky est si désireux de nous dire ce que nous devons penser en regardant son travail, je ne peux pas non plus le qualifier d’artiste. Aucun artiste digne de ce nom ne laisserait si peu de place à l’imagination du spectateur. Mais je dirai ceci : Edward Burtynsky est un photographe ; ce qui peut être une chose en soi — une chose difficile à définir, mais indéniable dans sa force.

Edward Burtynsky - Fisher Body Plant #1, Détroit, Michigan, États-Unis, 2008

Image en vedette : Edward Burtynsky - Nickel Tailings #35, Sudbury, Ontario, 1996

Toutes les images © Edward Burtynsky, toutes les images utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio