Trois maîtres de la couleur verte dans l'art contemporain
Nous avons mené des recherches sur la signification de la couleur verte, et les résultats, franchement, sont assez déroutants. La plupart des associations les plus courantes que les gens font avec le vert se contredisent directement. Par exemple, certains jurent que le vert est la couleur de la santé et de la nature, mais beaucoup d’autres associent catégoriquement le vert à la maladie et à la toxicité. Dans le folklore irlandais, le vert est censé être la couleur de la chance, mais dans le folklore chinois, c'est la couleur de la malchance. Un site Web affirme que le vert signifie la vie et la vitalité, tandis qu'un autre affirme qu'il symbolise la mort et la paresse ; l'un dit que cela signifie espoir et optimisme, un autre dit que cela signifie jalousie et lâcheté ; l’un dit que cela signifie richesse et succès, un autre dit que cela signifie envie et incompétence. Et nous pourrions continuer. Mais le fait est qu’il n’y a pas de consensus sur la signification de la couleur verte. Peut-être comme tant d’autres choses dans cette vie, la couleur verte nécessite un contexte pour acquérir un sens. Une fois de plus, nous aimerions nous tourner vers un livre intitulé Chromaphilia : The Color of Art, écrit par l'ancienne conservatrice du LACMA Stella Paul et publié plus tôt cette année par Phaidon Press. . Il examine les différentes manières dont différents artistes ont utilisé la couleur dans leur travail. Dans son examen de la couleur verte, le livre distingue trois artistes : Bruce Nauman, Brice Marden et Olafur Eliasson. Chacun s'appuie fortement sur la couleur pour l'effet, et chacun réalise également un travail qui inspire une signification différente aux spectateurs en fonction du contexte.
Il est facile de voir du vert
L'étude de la lumière s'appelle l'optique, et l'optique a tout à voir avec la couleur. Nos yeux perçoivent différentes couleurs en fonction des variations de longueur d'onde qui se produisent sur ce qu'on appelle le spectre de la lumière visible. Les humains ne peuvent percevoir qu'un petit segment du spectre électromagnétique. Mesuré en nanomètres (abrégé en nm), nous ne pouvons voir que la lumière qui se manifeste dans la plage d'environ 400 à 700 nm. Le bleu a une longueur d'onde comprise entre 450 et 495 nm. Le rouge a une longueur d'onde comprise entre 620 et 740, mais une grande partie de cela est au-delà du spectre visible pour les humains. Parmi toutes les couleurs visibles, le vert a la plus grande plage de longueurs d'onde dans le spectre visible pour les humains : entre 487 et 570 nm. Et le vert est aussi la couleur que l'œil humain est le plus capable de percevoir. Lorsqu'ils sont adaptés à l'obscurité, nos yeux sont les plus sensibles à la lumière à 507 nm, et lorsqu'ils sont adaptés à la lumière, ils sont les plus sensibles à la lumière à 555 nm, tous deux fermement dans la zone verte.
Mais l’optique n’est pas universellement applicable à tout le monde. Même si la science ne change pas, notre expérience scientifique repose en grande partie sur la perception individuelle. Nous voyons la couleur grâce à des cellules dans nos yeux appelées cônes. Mais environ huit pour cent des humains naissent avec une déficience dans leurs cellules coniques, ce qui les amène à éprouver un certain niveau de daltonisme. Une personne qui est verte faible, la forme la plus courante de daltonisme, a du mal à percevoir la couleur verte. La faiblesse verte est si courante que de nombreux pays ajoutent des repères visuels comme des lignes de signalisation aux feux verts pour aider les conducteurs daltoniens à naviguer dans les signaux. Même si le vert est, scientifiquement, la couleur la plus abondante que nous puissions voir, et la couleur la plus facile à percevoir puisqu'elle se situe parfaitement dans notre plage de sensibilité à la fois dans l'obscurité et dans la lumière, c'est aussi la couleur la plus controversée, une pour chacun d'entre nous. voit un peu différemment selon la prédisposition génétique de nos cellules coniques. Il s’ensuit donc qu’il est également naturel que chacun de nous ait des idées différentes sur la signification du vert, puisque nous le percevons, et donc l’associons à des expériences, de manière idiosyncrasique.
Olafur Eliasson - Green river 1998, Stocholm, 2000, © Olafur Eliasson
Olafur Eliasson et le projet Green River
Une substance appelée fluorescéine est utilisée depuis plus d’un siècle pour rendre l’eau fluorescente verte. Également connue sous le nom de colorant alimentaire jaune n° 7, la fluorescéine a été déployée par les soldats de la Seconde Guerre mondiale lorsqu'ils avaient besoin d'être secourus en mer, et par des vaisseaux spatiaux après avoir amerri afin qu'ils puissent être localisés et récupérés. Les résidents de Chicago connaissent peut-être également la fluorescéine comme étant la substance utilisée à l'origine pour rendre la rivière Chicago verte le jour de la Saint-Patrick. Et il y a près de vingt ans, l'artiste dano-islandais Olafur Eliasson a utilisé une variante de sel de sodium de la fluorescéine, appelée uranine, alias Jaune n°8, pour créer les effets vibrants qu'il a utilisés dans l'exécution d'une œuvre d'art publique qu'il a appelée le Projet Green River.
La première édition du projet Green River a eu lieu à Brême, en Allemagne, en 1998. Sans annoncer ses intentions à personne dans la ville, Eliasson et un assistant ont piloté un canoë sur la rivière Weser, libérant en cours de route une grande quantité d'uranine dans le eau. Une énorme traînée verte fluorescente est rapidement apparue, au grand étonnement de tous ceux qui se trouvaient au bord de la rivière. Eliasson a permis à un spectacle public de se dérouler pendant un certain temps alors que son intervention esthétique ébranlait la sphère sociale de la ville. La première réaction, bien sûr, a été la peur et l’horreur, car les gens pensaient qu’il s’agissait d’une toxine. Ce n'est que plus tard que l'artiste a révélé ce qu'il avait fait, apaisant ainsi les inquiétudes du public. Eliasson a ensuite répété le projet en Norvège, en Islande, en Suède, au Japon et aux États-Unis. Le colorant vert a provoqué des réactions variées dans chaque ville, mais en raison du contexte, presque toutes les réactions ont été universellement négatives. Eliasson appelle ce type de travail un « producteur de phénomènes » et estime que de tels projets sont importants pour sortir les gens de leurs interactions normales avec leur environnement, ainsi que pour amener l'art à des personnes qui ne le rencontreraient pas habituellement.
Olafur Eliasson - Green river 1998, The Northern Fjallabak Route, Iceland, 1998, © Olafur Eliasson
Brice Marden et le monochrome
Brice Marden est l'un des nombreux artistes qui ont expérimenté l'idée de la peinture monochrome. Il crée ses monochromes en ajoutant des couches successives de peinture de différentes couleurs, permettant aux couleurs sous-jacentes de contribuer à la teinte finale. La physicalité de ses monochromes en fait des objets à contempler : leur présence est imposante alors que leur couleur riche, somptueuse et profonde captive le regard. Mais l'acte de rencontrer une peinture monochrome verte monochrome de Marden n'est en rien comparable à la vision soudaine d'une traînée de couleur fluorescente verte s'écoulant dans une rivière publique. Si vous vous tenez devant un monochrome vert de Marden, vous êtes probablement dans un musée, à une foire d'art ou dans une galerie d'art haut de gamme. C'est un endroit sûr, et donc une occasion de questionner ce que le vert signifie pour vous personnellement, en dehors de toute interférence contextuelle extérieure.
À propos de ses peintures monochromes, Marden a dit un jour : « J'aime penser que ma peinture va au-delà du simple fait d'être ce qu'elle est. » La couleur joue certainement un rôle central dans le fait que ses monochromes représentent plus que la somme. de leurs parties. L'exemple d'un monochrome de Brice Marden utilisé par Stella Paul dans Chromaphilia date de 1976 et est une peinture intitulée Grove IV. Marden a peint cette œuvre comme une réflexion sur la nature, faisant spécifiquement référence à l'île grecque d'Hydra où il a passé du temps. « La nature a raison », a dit un jour Marden. Mais en quoi cette peinture a-t-elle été inspirée par la nature ? Est-ce une image figurative de l’herbe verte ? Ou fait-il référence à une association abstraite que nous pourrions faire entre la nature et la couleur verte ? Y a-t-il quelque chose de fondamentalement naturel dans le vert ? La peinture monochrome verte offre la possibilité de répondre par vous-même à cette question.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Solomon R. Guggenheim Museum, New York , © 2017 Brice Marden/Artists Rights Society (ARS), New York
Bruce Nauman donne le feu vert
L'artiste né dans l'Indiana, Bruce Nauman, s'engage dans ses entreprises artistiques en partie pour étudier la psychologie et le comportement des gens. Il utilise souvent du texte dans son travail, mettant les spectateurs au défi de faire la part des choses entre le sens des mots et le contexte de leur interaction avec l'art. Mais il est peut-être le plus souvent associé à l’utilisation de la lumière colorée. En 1970, Nauman a construit deux hauts murs et les a placés côte à côte, créant ainsi un couloir étroit de seulement 12 pouces de large. Il a ensuite accroché des ampoules fluorescentes vertes au-dessus pour que le couloir brille d'un vert vif. Les spectateurs ont été encouragés à traverser le couloir. En supposant qu'ils s'intègrent dans l'espace, leurs yeux s'adapteraient au flot de lumière verte, puis après avoir quitté le couloir, leurs yeux se réajusteraient, leur faisant voir une illusion d'optique de la couleur rose, l'extrémité opposée du spectre des couleurs.
Il est difficile de dire si Nauman voulait impliquer quelque chose de spécifique sur la couleur verte avec cette œuvre. Il aurait pu utiliser n’importe quelle autre couleur et obtenir des effets similaires. Son choix de cette couleur n’avait peut-être aucun sens. Mais le fait qu’il ait choisi le vert a amené de nombreux spectateurs à créer de nouvelles associations contextuelles avec la couleur. Cette expérience intense, claustrophobe et surnaturelle a été décrite comme terrifiante, psychédélique et même sacrée. Cela soulève une fois de plus la question : les couleurs ont-elles une signification intrinsèque ? Leur signification dépend-elle du contexte ? Le travail de ces trois artistes nous amène à croire que la plupart de nos associations avec la couleur se développent à partir de nos seules expériences personnelles.
Bruce Nauman - Green Light Corridor, Copenhagen Contemporary, Copenhagen
Image à la une : Bruce Nauman -
