Trois maîtres de la couleur verte dans l'art contemporain
Nous avons mené quelques recherches sur la signification de la couleur verte, et les résultats, franchement, sont assez déroutants. Beaucoup des associations les plus courantes que les gens ont avec le vert se contredisent directement. Par exemple, certains jurent que le vert est la couleur de la santé et de la nature, mais beaucoup d’autres associent fermement le vert à la maladie et à la toxicité. Dans le folklore irlandais, le vert est supposément la couleur de la chance, mais dans le folklore chinois, c’est la couleur de la malchance. Un site web dit que le vert signifie la vie et la vitalité, tandis qu’un autre dit qu’il symbolise la mort et la paresse ; l’un dit qu’il signifie l’espoir et l’optimisme, un autre qu’il signifie la jalousie et la lâcheté ; l’un dit qu’il signifie la richesse et le succès, un autre qu’il signifie l’envie et l’incompétence. Et nous pourrions continuer. Mais le fait est qu’il n’y a pas de consensus sur ce que signifie la couleur verte. Peut-être, comme tant d’autres choses dans cette vie, la couleur verte nécessite un contexte pour acquérir un sens. Nous aimerions donc une fois de plus nous tourner vers un livre intitulé Chromaphilia : The Color of Art, écrit par l’ancienne conservatrice du LACMA Stella Paul et publié plus tôt cette année par Phaidon Press. Il examine les différentes manières dont divers artistes ont utilisé la couleur dans leur travail. Dans son examen de la couleur verte, le livre met en avant trois artistes : Bruce Nauman, Brice Marden et Olafur Eliasson. Chacun s’appuie fortement sur la couleur pour l’effet, et chacun crée aussi des œuvres qui inspirent des significations différentes chez les spectateurs selon le contexte.
Il est facile de voir le vert
L’étude de la lumière s’appelle l’optique, et l’optique a tout à voir avec la couleur. Nos yeux perçoivent différentes couleurs en fonction des variations de longueur d’onde qui se produisent sur ce qu’on appelle le spectre de la lumière visible. Les humains ne peuvent percevoir qu’un petit segment du spectre électromagnétique. Mesurée en nanomètres (abrégé nm), nous ne pouvons voir que la lumière qui se manifeste dans la plage d’environ 400 à 700 nm. Le bleu a une longueur d’onde entre 450 et 495 nm. Le rouge a une longueur d’onde entre 620 et 740, mais une grande partie est au-delà du spectre visible pour les humains. De toutes les couleurs visibles, le vert a la plus grande plage de longueurs d’onde dans le spectre visible pour les humains : entre 487 et 570 nm. Et le vert est aussi la couleur que l’œil humain perçoit le plus facilement. Adaptés à l’obscurité, nos yeux sont les plus sensibles à la lumière à 507 nm, et adaptés à la lumière, ils sont les plus sensibles à la lumière à 555 nm, les deux se situant fermement dans la zone verte.
Mais l’optique n’est pas universellement traduisible pour tout le monde. Bien que la science ne change pas, notre expérience de la science dépend fortement de la perception individuelle. Nous voyons la couleur grâce à des cellules dans nos yeux appelées cônes. Mais environ huit pour cent des humains naissent avec une déficience dans leurs cellules en cônes, ce qui leur fait éprouver un certain degré de daltonisme. Quelqu’un qui est déficient en vert, la forme la plus courante de daltonisme, a des difficultés à percevoir la couleur verte. La déficience en vert est si courante que de nombreux pays ajoutent des indices visuels comme des lignes barrées sur les feux verts pour aider les conducteurs daltoniens à naviguer les signaux. Même si le vert est, scientifiquement, la couleur la plus abondante que nous pouvons voir, et la couleur la plus facile à percevoir puisqu’elle se trouve parfaitement dans notre plage de sensibilité aussi bien dans l’obscurité que dans la lumière, c’est aussi la couleur la plus contestée, que chacun de nous voit un peu différemment selon la prédisposition génétique de nos cellules en cônes. Il est donc naturel que chacun de nous ait des idées différentes sur la signification du vert, puisque nous le percevons, et donc l’associons à des expériences, de manière idiosyncratique.
Olafur Eliasson - Green river 1998, Stockholm, 2000, © Olafur Eliasson
Olafur Eliasson et le projet Green River
Une substance appelée fluorescéine est utilisée pour rendre l’eau fluorescente verte depuis plus d’un siècle. Aussi connue sous le nom de colorant alimentaire Jaune n° 7, la fluorescéine a été utilisée par les soldats de la Seconde Guerre mondiale lorsqu’ils avaient besoin d’être secourus en mer, et par les engins spatiaux après leur amerrissage pour qu’ils puissent être localisés et récupérés. Les habitants de Chicago connaissent aussi peut-être la fluorescéine comme la substance utilisée à l’origine pour teindre la rivière Chicago en vert lors de la Saint-Patrick. Et il y a près de deux décennies, l’artiste danois-islandais Olafur Eliasson a utilisé une variation saline de la fluorescéine, appelée uranine, alias Jaune n° 8, pour créer les effets vibrants qu’il a utilisés dans la réalisation d’une œuvre publique qu’il a appelée le projet Green River.
La première édition du projet Green River a eu lieu à Brême, en Allemagne, en 1998. Sans annoncer ses intentions à quiconque dans la ville, Eliasson et un assistant ont piloté un canoë sur la rivière Weser, libérant en chemin une grande quantité d’uranine dans l’eau. Une large traînée fluorescente verte est rapidement apparue, au choc de tous ceux qui passaient près de la rivière. Eliasson a laissé ce spectacle public se dérouler un certain temps alors que son intervention esthétique secouait la sphère sociale de la ville. La première réaction, bien sûr, fut la peur et l’horreur, les gens supposant qu’il s’agissait d’une toxine. Ce n’est que plus tard que l’artiste a révélé ce qu’il avait fait, apaisant les inquiétudes du public. Eliasson a ensuite répété le projet en Norvège, en Islande, en Suède, au Japon et aux États-Unis. La teinture verte a suscité des réactions variées dans chaque ville, mais en raison du contexte, presque toutes les réactions ont été universellement négatives. Eliasson appelle ce type de travail un « producteur de phénomènes », et croit que de tels projets sont importants pour sortir les gens de leurs interactions normales avec leur environnement, ainsi que pour amener l’art à des personnes qui ne le rencontreraient pas autrement.
Olafur Eliasson - Green river 1998, The Northern Fjallabak Route, Islande, 1998, © Olafur Eliasson
Brice Marden et le monochrome
Brice Marden est l’un des nombreux artistes qui ont expérimenté l’idée de la peinture monochrome. Il crée ses monochromes en ajoutant des couches successives de peinture de différentes couleurs, permettant aux couleurs sous-jacentes de contribuer à la teinte finale. La physicalité de ses monochromes en fait des objets à contempler : leur présence est imposante car leur couleur riche, somptueuse et profonde captive le regard. Mais l’acte de se trouver devant une peinture monochrome verte de Marden n’a rien à voir avec la vision soudaine d’une traînée verte fluorescente s’écoulant dans une rivière publique. Si vous êtes devant un monochrome vert de Marden, vous êtes probablement dans un musée, à une foire d’art ou dans une galerie d’art haut de gamme. C’est un lieu sûr, et donc une occasion de vous interroger sur ce que le vert signifie pour vous personnellement, en dehors de toute interférence contextuelle extérieure.
À propos de ses peintures monochromatiques, Marden a dit un jour : « J’aime penser que ma peinture va au-delà d’être simplement ce qu’elle est. » La couleur joue certainement un rôle central pour faire de ses monochromes plus que la somme de leurs parties. L’exemple d’un monochrome de Brice Marden utilisé par Stella Paul dans Chromaphilia date de 1976, et s’intitule Grove IV. Marden a peint cette œuvre comme une réflexion sur la nature, faisant spécifiquement référence à l’île grecque d’Hydra où il a passé du temps. « La nature est juste », a dit Marden. Mais en quoi cette peinture a-t-elle été inspirée par la nature ? Est-ce une image figurative d’herbe verte ? Ou fait-elle référence à une association abstraite que nous pourrions faire entre la nature et la couleur verte ? Y a-t-il quelque chose d’inhérent à la nature dans le vert ? La peinture monochrome verte offre des opportunités pour répondre à cette question par vous-même.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Brice Marden/Artists Rights Society (ARS), New York
Bruce Nauman donne le feu vert
L’artiste originaire de l’Indiana Bruce Nauman s’engage dans ses entreprises artistiques en partie pour étudier la psychologie et le comportement des gens. Il utilise souvent du texte dans son travail, défiant les spectateurs de discerner entre le sens des mots et le contexte de leur interaction avec l’art. Mais il est peut-être le plus souvent associé à l’utilisation de la lumière colorée. En 1970, Nauman a construit une paire de murs hauts et les a placés côte à côte, créant un couloir étroit, d’à peine 30 centimètres de large. Il a ensuite suspendu des ampoules fluorescentes vertes au-dessus, de sorte que le couloir brillait d’un vert éclatant. Les spectateurs étaient encouragés à traverser le couloir. S’ils pouvaient passer dans cet espace, leurs yeux s’adaptaient à la lumière verte intense, puis en sortant du couloir, leurs yeux se réajustaient, leur faisant voir une illusion optique de couleur rose, l’extrémité opposée du spectre des couleurs.
Il est difficile de dire si Nauman voulait impliquer quelque chose de spécifique à propos de la couleur verte avec cette œuvre. Il aurait pu utiliser n’importe quelle autre couleur et obtenir des effets similaires. Il se peut qu’il n’y ait eu aucune signification dans son choix de cette couleur. Mais le fait qu’il ait choisi le vert a poussé de nombreux spectateurs d’art à créer de nouvelles associations contextuelles avec cette couleur. Cette expérience intense, claustrophobe et surnaturelle a été décrite comme terrifiante, psychédélique, voire sacrée. Cela soulève à nouveau la question : les couleurs ont-elles une signification intrinsèque ? Leur signification dépend-elle du contexte ? Le travail de ces trois artistes nous amène à croire que la plupart de nos associations avec la couleur se développent uniquement à partir de nos expériences personnelles.
Bruce Nauman - Green Light Corridor,
Copenhagen Contemporary, Copenhague
Image en vedette : Bruce Nauman -
