Art géométrique et avant-gardiste de David Bomberg
L’enthousiasme est une substance vitale dans l’art. Une œuvre captivante est ce que chaque spectateur, collectionneur, galeriste et conservateur désire ardemment. Si certaines œuvres rares possèdent naturellement leur propre excitation, l’enthousiasme naît le plus souvent chez les artistes. Quelque chose en eux – leur passion, leur curiosité – se manifeste simplement dans l’œuvre. David Bomberg fut peut-être l’artiste le plus enthousiaste à émerger de Grande-Bretagne au premier quart du XXe siècle. Ses expériences avec la forme et la composition étaient si avant-gardistes qu’elles lui valurent son expulsion de la prestigieuse Slade School of Art de Londres. Mais malgré ce blâme, au lieu d’être découragé, Bomberg s’épanouit, prouvant qu’il était d’une créativité explosive, un dessinateur expert et un chercheur passionné de nouvelles idées. Les images audacieuses et modernistes qu’il réalisa dans les années précédant la Première Guerre mondiale offrent un aperçu unique de l’excitation et de l’énergie débridées de cette époque optimiste.
Qui est David Bomberg ?
Une ironie tragique touche de nombreux grands artistes. Pour réussir sur le marché de l’art, il faut créer des œuvres intéressantes et vendables, et pour cela, il faut être créatif, ouvert et individualiste ; mais pas trop créatif, ouvert et individualiste. Les artistes trop en avance sur leur temps sont souvent ridiculisés. Comme le dit le proverbe, « les pionniers sont sacrifiés, les colons s’enrichissent ». La commercialisation est aussi facilitée lorsqu’un artiste est associé à un mouvement plus large que les vendeurs et acheteurs d’art peuvent contextualiser et comprendre. L’ironie réside dans le fait que les individualistes véritablement créatifs et ouverts d’esprit trouvent souvent intolérable de s’associer à des mouvements aux objectifs définis ou aux idéaux esthétiques stricts. Ils trouvent les manifestes contraignants. Ils préfèrent garder leurs options ouvertes. Ainsi, de nombreux créateurs brillants sont laissés de côté dans les livres d’histoire et meurent dans la pauvreté, simplement parce qu’ils sont restés fidèles à eux-mêmes, demeurant expérimentaux jusqu’au bout pour nourrir leur propre curiosité et enthousiasme.
Bomberg fut un de ces artistes. Lorsque vous étudiez le vorticisme, la première chose que vous remarquez est que le fondateur du mouvement fut Wyndham Lewis, l’un des noms les plus en vue de l’art et de la littérature anglaise du XXe siècle. Mais vous verrez ensuite que l’image la plus célèbre et emblématique du mouvement, The Mud Bath, fut peinte par David Bomberg. Bomberg ne rejoignit jamais les Vorticistes. Il expérimenta certains des mêmes concepts esthétiques et réalisa des tableaux qui semblent appartenir au même univers visuel, mais ses intérêts étaient bien plus vastes que les préoccupations limitées des Vorticistes. Wyndham Lewis, en revanche, jouit d’une renommée durable, presque entièrement due à l’élan qu’il obtint en fondant le vorticisme. Bomberg, le peintre non-vorticiste de la meilleure œuvre vorticiste, mourut dans l’oubli, sans un sou.
Forme pure essentielle
Ce que le travail de Bomberg partageait avec le vorticisme reposait sur le formalisme. L’esthétique du vorticisme empruntait à deux autres styles modernistes existants. Il mariait les formes géométriques abstraites du cubisme aux lignes dures et aux couleurs vives du futurisme italien. Le concept du mouvement était d’exprimer le mouvement et la modernité. Les intérêts de Bomberg étaient aussi initialement liés à la ville et aux machines, mais son usage d’images proches du vorticisme était fortuit. Il ne cherchait pas tant à obtenir un aspect précis qu’à atteindre la bonne sensation. Comme il le disait, son désir était de « traduire la vie d’une grande ville, son mouvement, sa machinerie, en un art qui ne soit pas photographique, mais expressif. »
Le langage visuel qu’il créa reposait sur la réduction de la forme. Il estimait que la meilleure façon d’exprimer la nature de ses sujets était de les simplifier à leur état le plus élémentaire. Ainsi, il espérait révéler quelque chose de vital sur leur essence. Le tableau de Bomberg Vision d’Ézéchiel, peint en 1912, atteignit cet équilibre qu’il recherchait entre réduction abstraite de la forme, vitalité figurative et émotion expressive. Il combinait son intérêt pour l’imagerie très simplifiée avec les légendes de son héritage juif familial, créant une vision esthétique à la fois mythique et moderniste qui lui était propre.
Une expression plus intense
Insatisfait d’avoir poussé la réduction des formes à ses limites, Bomberg poursuivit ses expérimentations. L’un de ses premiers maîtres, un artiste nommé Walter Sickert, lui avait transmis l’importance de peindre les « faits matériels bruts » de son sujet. Cette approche avait aidé Bomberg à développer ses impressionnantes compétences en dessin figuratif. Mais elle le freinait dans son intérêt pour la subjectivité. Plutôt que de simplement montrer les caractéristiques précises de ses sujets, il estimait qu’il était tout aussi important d’exprimer sa réaction personnelle.
Dans une série de compositions figuratives qu’il exposa en 1914, Bomberg élimina volontairement tous les « faits matériels bruts ». Dans la déclaration d’artiste accompagnant cette exposition, il écrivit : « Je fais appel au sens de la forme… J’abandonne complètement le naturalisme et la tradition. Je cherche une expression plus intense… là où j’utilise la forme naturaliste, je l’ai dépouillée de toute matière superflue. Je regarde la nature, tandis que je vis dans une ville d’acier. Là où la décoration survient, elle est accidentelle. Mon objet est la construction de la forme pure. Je rejette tout ce qui, en peinture, n’est pas forme pure. »
Une révolution vers la masse
En approfondissant son attention sur la forme pure, Bomberg s’enfonça davantage dans l’abstraction. Dans son tableau intitulé Procession, il réduit une file de figures humaines à des formes si essentielles que l’image devient presque une abstraction géométrique complète. Les formes prennent des qualités expressives qui évoquent une gamme d’associations, des gratte-ciel aux cercueils.
Bomberg continua d’évoluer, s’écartant vers une série de tableaux ressemblant à des vitraux brisés puis recomposés. In the Hold et Ju-Jitsu présentent des plans d’image divisés en une grille en forme de losange. Plutôt que de créer une composition à partir de formes réduites, Bomberg utilise la grille et la surface elle-même comme forme. Les images résultantes ressemblent à de l’art optique par leur capacité à tromper l’œil et à entraîner le spectateur dans un espace illusionniste. Contrairement à ses œuvres antérieures, leur sensation de masse provient d’une expression de sentiment obtenue entièrement par des moyens formels, non figuratifs.
L’esprit dans la masse
Au déclenchement de la Première Guerre mondiale, Bomberg fut appelé sous les drapeaux. Ses expériences dans l’infanterie, voyant ses collègues, partisans et membres de sa famille déchiquetés par des armes mécanisées, détruisirent sa fascination pour l’ère des machines. À la fin de la guerre, il reprit la peinture, mais adopta une technique bien plus organique et picturale. Sa nouvelle orientation le fit totalement ignorer, et oublier, par le monde de l’art de son temps.
Bomberg connut des difficultés financières tout au long de sa carrière, mais voyagea beaucoup et ne cessa jamais de peindre. Il continua d’expérimenter les qualités tactiles de la peinture, se concentrant sur le puissant potentiel émotionnel de la texture et du coup de pinceau. Qu’il peigne des abstractions, des paysages ou des œuvres figuratives, il resta dévoué à la poursuite de ce qu’il appelait « l’esprit dans la masse ». Il savait que, par des variations dans l’épaisseur et le trait de la peinture et une exploration ouverte de la forme la plus essentielle d’un sujet, la plus vraie expression d’un sujet pouvait être transmise. En dépit du rejet et de l’échec commercial, son enthousiasme infatigable pour la peinture lui permit le rare don de se connecter à la qualité essentielle des choses, et de la traduire pour ceux d’entre nous qui autrement ne pourraient pas voir.
Image en vedette : David Bomberg - Procession, 1912-1914, huile sur papier marouflé sur panneau, 28,9 x 68,8 cm, Musée Ashmolean d’art et d’archéologie, © La succession de David Bomberg
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
