Comment Aaron Siskind a découvert l'abstraction dans les rues

Aaron Siskind fut l’un des photographes les plus influents de sa génération. En partie, cette influence s’est manifestée à travers les divers postes d’enseignement que Siskind occupa dans certaines des écoles de design les plus prestigieuses des États-Unis, notamment le Black Mountain College, l’Institut de Design de Chicago (également appelé le New Bauhaus) et la Rhode Island School of Design. Mais même avant de se consacrer à l’enseignement, Siskind s’était déjà imposé comme un pionnier dans le monde de la photographie abstraite. Reprenant là où des photographes expérimentaux comme Paul Strand, Alvin Langdon Coburn et Jaroslav Rössler s’étaient arrêtés, Siskind transforma la notion de ce que le médium photographique pouvait accomplir. Plutôt que de se contenter de documenter le monde objectif, il utilisa ce médium pour exprimer le moi intérieur et pour saisir ce qu’il appelait « le drame des objets ».

Les formalités de la réalité

Aaron Siskind envisageait de mener la vie d’un écrivain lorsqu’il découvrit la photographie, un peu par hasard. Il reçut son premier appareil photo en cadeau de mariage en 1929, à l’âge de 25 ans. Mais bien qu’il ait découvert ce médium tardivement, il fut immédiatement inspiré par le potentiel qu’il offrait pour exprimer l’émotion. En seulement quelques années, il se fit un nom comme l’un des principaux photographes documentaires de sa génération. Ses premiers talents sont évidents dans un livre de photographies auquel il contribua, intitulé The Harlem Document. Créé par Siskind et plusieurs autres membres de la New York Photo League, ce livre visait à communiquer la nature de la vie des habitants pauvres du quartier new-yorkais de Harlem dans les années 1930.

Ce qui distinguait Aaron Siskind de ses collaborateurs sur The Harlem Document était son instinct pour composer une prise de vue. Il prenait le temps d’envisager diverses perspectives possibles, cherchant une composition qui capturerait non seulement l’apparence de la vie mais aussi l’émotion sous-jacente et la gravité de l’expérience humaine. Dans ses photographies de personnes et de bâtiments, on peut clairement voir son œil pour le potentiel expressif du jeu de forces, du clair-obscur et d’autres éléments esthétiques et formels du design. À propos de l’importance de prendre le temps de trouver l’image parfaite, Siskind déclara un jour : « regroupez et recomposez au fur et à mesure que vous changez de position. Les relations émergent peu à peu et parfois s’imposent avec finalité. Et c’est votre image. »

Aaron Siskind - Chicago 22, 1949, crédits photo Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

Le photographe expressionniste abstrait

Au début des années 1940, Aaron Siskind modifia progressivement l’orientation de ses projets photographiques. Plutôt que de chercher à documenter la société humaine, il commença à prendre des photos rapprochées d’objets et de surfaces ordinaires qu’il trouvait dans la rue. Ses compositions étaient volontairement abstraites. À travers elles, il cherchait à transmettre non seulement les caractéristiques physiques de ses sujets mais aussi leur potentiel à évoquer une émotion. En 1945, il publia une collection de ces œuvres intitulée Le drame des objets. Ces images dialoguaient avec le travail d’un groupe de peintres de New York qui, l’année suivante, seraient appelés expressionnistes abstraits. Beaucoup d’entre eux, tels que Willem de Kooning, Mark Rothko et Robert Motherwell, devinrent amis avec Siskind après avoir vu ce corpus d’œuvres.

Dans ses pièces abstraites, Siskind s’efforçait d’inclure les mêmes qualités esthétiques formelles que l’on pourrait trouver dans une peinture expressionniste abstraite. Bien que ses images soient aplaties sur une surface photographique, il transmettait néanmoins la texture, la profondeur et la perspective. Bien que les marques ne fussent pas faites par ses propres gestes, il exprimait néanmoins l’énergie et la puissance des gestes physiques. Bien qu’il ne créât pas les lignes, formes, rythmes et motifs de ses images, il exprimait néanmoins le lyrisme de leurs relations en parvenant harmonieusement à la composition parfaite. Et bien que ses photographies abstraites possédaient un contenu indéniable, il subvertissait ce contenu en offrant de nouvelles possibilités d’interprétation basées sur les sentiments que les images transmettaient.

Aaron Siskind - Rome 62, 1967, crédits photo Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

Le nouveau documentaire

Jusqu’à sa mort en 1991, Aaron Siskind élargit son œuvre, creusant sans cesse le potentiel de la photographie à communiquer sur un plan abstrait. À la fin des années 1950, il créa une série d’œuvres qu’il intitula Plaisirs et terreurs de la lévitation. La série se compose de photographies à grande vitesse de silhouettes humaines ombrées figées en plein air dans des postures athlétiques sur des fonds blancs éclatants. Dans les années 1970, il entreprit une nouvelle série qu’il appela Hommage à Franz Kline. Siskind avait été ami avec le peintre expressionniste abstrait Franz Kline depuis le début des années 1950 jusqu’à la mort de Kline en 1962, et il admirait la puissance des images emblématiques pour lesquelles Kline devint célèbre. Dans Hommage à Franz Kline, Siskind photographia des marques du monde réel telles que des graffitis de manière à ce que les compositions fassent écho aux gestes de Kline, montrant des coulures et éclaboussures similaires.

Mais plutôt que de diminuer Kline, les photographies qu’Aaron Siskind prit des marques de graffiti révèlent la véritable profondeur du talent de Kline. Le graffiti naît de la passion, et exige rapidité et discrétion. Kline atteignit la même esthétique au fil du temps, de manière délibérée et soigneuse. Son procédé était exigeant et laborieux, non rapide et grossier. Le fait qu’il ait constamment réussi à transmettre la même énergie, passion et ténacité dans son atelier que l’on verrait dans une pulvérisation furieuse de peinture sur un mur d’allée est stupéfiant. Comme les photographies que Siskind prit de corps humains en mouvement, les images de Hommage à Franz Kline capturent le sentiment que l’abstraction est cachée en pleine vue dans le monde quotidien. Ces photographies n’étaient pas des abstractions. Elles étaient documentaires. Elles étaient représentatives. Mais elles constituaient un nouveau type de documentaire. Elles se lisent comme des hiéroglyphes modernes : des symboles stylisés combinant nature et récit ; des représentations de l’abstraction qui possèdent un sens au-delà de leur apparence.

Aaron Siskind - Plaisirs et terreurs de la lévitation 32, 1965 (gauche) et Aaron Siskind - Plaisirs et terreurs de la lévitation 63, 1962 (droite), crédits photo Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation

Image en vedette : Aaron Siskind - Seaweed 11 (détail), 1947, crédits photo Bruce Silverstein Gallery, New York, © Aaron Siskind Foundation
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio