Les merveilles de l’art géométrique d’Amérique latine

L'une des expositions d'art abstrait les plus fascinantes au monde en ce moment se tient à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain à Paris. Intitulée Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, l'exposition couvre toute l'histoire de l'art géométrique en Amérique latine. Les œuvres présentées témoignent d'un héritage remontant aux peuples Valdivia, qui se sont installés en Équateur il y a environ 3500 ans, jusqu'à nos jours. Ce qui rend cette exposition spéciale dépasse le simple fait que les œuvres soient visuellement saisissantes. Elle est également extraordinaire car elle rend justice aux artistes autochtones en exposant leurs œuvres avec la même importance que celles des artistes et créateurs coloniaux, modernistes et abstraits contemporains. La mise en scène brise de nombreuses illusions anciennes. Sur une note plus subtile pour moi, elle a brisé l'illusion que je fais souvent selon laquelle il existerait une différence fondamentale entre l'abstraction géométrique et ce que l'on appelle l'abstraction « biomorphique ». En effet, tout au long de cette exposition, je me suis habitué à repérer des motifs géométriques au point de commencer à les voir se cacher à la vue de tous dans les divers matériaux utilisés dans les œuvres exposées. Les motifs géométriques se dissimulent dans les structures linéaires du bois et les formations cristallines des roches, sans parler de leur présence dans les fruits et légumes, prouvant que la géométrie fait en réalité partie intégrante du monde organique. Mais la plus grande idée reçue que l'exposition détruit est la croyance que les sociétés occidentales des XIXe et XXe siècles revendiquent l'invention de l'art abstrait. Les cultures qui ont créé les objets les plus anciens de cette exposition pratiquaient l'abstraction géométrique bien avant Malevitch, Picasso et Mondrian. Plutôt que de reconnaître le génie de leurs créations matérielles, les colons européens les ont assimilées à leur propre culture, supposant qu'elle était supérieure. Voir ces objets affirmer avec assurance leur statut indéniable aux côtés de créations plus récentes est un puissant rappel des idées erronées de notre passé colonial. C'est une reconnaissance nécessaire de la lignée esthétique ininterrompue à laquelle l'art contemporain appartient clairement, prouvant que l'abstraction fait partie de la culture visuelle humaine depuis ses débuts.

S'appuyer sur la tradition

La première chose que j'ai remarquée dans cette exposition est la qualité géométrique du bâtiment qui l'abrite. Les poutres linéaires et les fenêtres rectangulaires sont contrebalancées par un réseau de supports métalliques triangulaires. La structure est indubitablement moderne, et pourtant, dans l'atrium principal, une installation massive des architectes paraguayens Solano Benitez et Gloria Cabral soulève la question de savoir si le dessin sous-jacent du bâtiment est vraiment aussi moderne que nous le pensons. Utilisant des briques brisées et du béton, ces concepteurs ont créé une sculpture modulaire de triangles qui dialogue élégamment avec l'ossature architecturale du bâtiment. Les qualités matérielles de leur œuvre évoquent l'héritage artisanal de l'architecture humaine et nous rappellent que les motifs et rythmes déployés dans notre monde contemporain remontent à nos plus lointains ancêtres. Pourtant, dans la même galerie, 23 sculptures complexes en fil de fer de l'artiste abstraite vénézuélienne Gego nous rappellent qu'il existe bien des artistes contemporains qui ont porté l'exploration de l'abstraction géométrique à des sommets étonnants. Toute la merveille de ce qui est possible lorsque l'imagination moderne est associée à des matériaux et techniques modernes transparaît dans ces œuvres fantastiques.

Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue de l'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin

Cependant, c'est dans la galerie principale que se révèle toute la puissance de cette exposition. C'est là que 220 œuvres de 70 artistes représentant plus de 15 nations se mêlent à travers le temps. L'inspiration circule avec assurance dans toutes les directions. Des sculptures en roche volcanique vieilles de plusieurs siècles sont juxtaposées à une sculpture suspendue en coton du XXIe siècle d'Olga de Amaral, elle-même évocatrice d'un « Pénétrable » de la fin du XXe siècle de Jesús Rafael Soto. Les motifs géométriques linéaires sur des bâtons de marche autochtones vieux de plusieurs siècles dialoguent parfaitement avec les motifs décorant les « Torres de Satélite » (1968) au Mexique, conçues par l'architecte mexicain Luis Barragán, le peintre Jesús Reyes Ferreira et le sculpteur Mathias Goeritz, et capturées pour cette exposition dans une photographie prise par Armando Salas Portugal. Dans chaque objet exposé, les motifs, formes et figures semblent déclarer qu'ils transcendent toute délimitation artificielle de médium ou de méthode. Nous voyons le même lexique visuel peint sur des bâtiments, des céramiques et des textiles également exprimé sur des toiles par la peintre cubaine Carmen Herrera et l'artiste brésilien Luiz Zerbini.

Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue de l'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin

Héritages perdus et retrouvés

Parmi les aspects les plus complexes de l'exposition, du moins pour moi, figurent les photographies exposées montrant les corps peints des peuples autochtones qui vivaient au Chili au début du XXe siècle. Ce n'est pas la peinture corporelle qui me trouble. Au contraire, c'est l'aspect des photographies qui m'a ému, avec son expression de quelque chose de profondément beau et spirituel. Ce qui m'a dérangé, c'est que le seul nom mentionné est celui du photographe. Le photographe était Martin Gusinde, un prêtre autrichien venu en Amérique du Sud en missionnaire. Son étude de ces peuples était anthropologique dans un certain sens. Mais dans un autre sens, elle est enveloppée dans le brouillard indéniable de la supériorité culturelle supposée qui accompagne toutes les expéditions missionnaires. Ces photographies ont-elles été prises par un humble ethnologue qui voulait simplement comprendre les différences entre les peuples ? Ou ont-elles été prises par quelqu'un qui croyait que sa mission était de convertir les soi-disant peuples primitifs à un autre système de croyance ?

Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue de l'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin

Peut-être au final importe-t-il peu le contexte que j'attribue aux photographies, ou à n'importe quelle autre œuvre présentée dans cette exposition. Il y a probablement autant d'arguments contre les photographies prises par des missionnaires que d'arguments contre l'exposition de sculptures vieilles de 3500 ans arrachées à leur lieu de repos par des conquistadors. Le but de cette exposition n'est pas de critiquer la manière dont ces objets sont arrivés ici, ni les intentions de ceux qui les ont trouvés ou créés. Le but est purement visuel. Les commissaires font une déclaration définitive sur l'universalité de l'appréciation de l'art abstrait géométrique, affirmant qu'il s'agit clairement d'un lien entre les cultures humaines de toutes sortes et à travers les âges. Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie est visible à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain à Paris jusqu'au 24 février 2019.

Image en vedette : Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue de l'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin
Par Phillip Barcio