Les merveilles de l’art géométrique d’Amérique latine

L'une des expositions d'art abstrait les plus intrigantes au monde est actuellement présentée à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain à Paris. Intitulée Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, l'exposition couvre toute l'histoire de l'art géométrique en Amérique Latine. Les œuvres exposées représentent un héritage datant du peuple Valdivia, installé en Équateur il y a environ 3 500 ans, jusqu'à nos jours. Les raisons pour lesquelles cette exposition est spéciale vont au-delà du fait que l’œuvre est visuellement époustouflante. Il est également extraordinaire car il rend hommage aux artistes autochtones en exposant leurs œuvres avec une stature égale aux côtés des œuvres d'artistes et de designers abstraits coloniaux, modernistes et contemporains. La curation brise de nombreuses vieilles illusions. Sur une note subtile, cela a brisé l’illusion que je me fais habituellement selon laquelle il existe une différence fondamentale entre l’abstraction géométrique et l’abstraction dite « biomorphique ». En fait, tout au long de cette exposition, je me suis tellement habitué à repérer des motifs géométriques que j'ai commencé à les voir se cacher à la vue de tous dans les différents matériaux utilisés dans l'œuvre présentée. Des motifs géométriques se cachent dans les structures linéaires du bois et les formations cristallines des roches, sans parler de leur présence dans les fruits et légumes, prouvant que la géométrie est en fait une partie essentielle du monde organique. Mais l’hypothèse la plus importante que l’exposition brise est la croyance selon laquelle les sociétés occidentales des XIXe et XXe siècles revendiquent l’invention de l’art abstrait. Les cultures qui ont fabriqué les objets les plus anciens de cette exposition étaient impliquées dans l'abstraction géométrique bien avant Malévitch, Picasso et Mondrian. Plutôt que de reconnaître le génie de leurs créations matérielles, les colons européens les ont assimilés à leur propre culture, estimant qu'elle était supérieure. Voir ces objets déclarer avec assurance leur statut indéniable aux côtés de créations plus récentes est un puissant rappel des notions erronées de notre passé colonial. Il s’agit d’une reconnaissance indispensable de la lignée esthétique ininterrompue à laquelle appartient clairement l’art contemporain, prouvant que l’abstraction fait partie de la culture visuelle humaine depuis les débuts de notre culture.

S'appuyer sur la tradition

La première chose que j'ai remarquée à propos de cette exposition est la qualité géométrique du bâtiment qui l'abrite. Les poutres linéaires et les fenêtres rectangulaires sont contrebalancées par un réseau de supports métalliques triangulaires. La structure est indéniablement moderne, et pourtant, dans l'atrium principal, une installation massive des architectes paraguayens Solano Benitez et Gloria Cabral soulève la question de savoir si le design sous-jacent du bâtiment est vraiment aussi moderne que nous le pensons. En utilisant des briques brisées et du béton, ces designers ont créé une sculpture modulaire de triangles qui converse élégamment avec les structures architecturales du bâtiment. Les qualités matérielles de leur œuvre évoquent l'héritage fait main de l'architecture humaine et nous rappellent que les motifs et les rythmes déployés dans notre monde contemporain remontent à nos plus lointains ancêtres. Pourtant, dans la même galerie, 23 sculptures en fil de fer complexes de l'artiste abstrait vénézuélien Gego nous rappellent qu'il existe en effet des artistes contemporains qui ont porté l'exploration de l'abstraction géométrique à des sommets étonnants. Toute la merveille de ce qui est possible lorsque l'imagination moderne est combinée avec des matériaux et des techniques modernes transparaît dans ces œuvres fantastiques.

Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue d'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin

Dans la galerie principale, cependant, c'est là que le véritable pouvoir de cette exposition se révèle. C'est ici que 220 œuvres d'art de 70 artistes représentant plus de 15 nations se mêlent à travers le temps. L'inspiration coule avec confiance dans toutes les directions. Des sculptures en roche volcanique vieilles de plusieurs siècles sont juxtaposées à une sculpture en coton suspendue du 21e siècle par Olga de Amaral, qui évoque elle-même un "Pénétrable" du milieu du 20e siècle par Jesús Rafael Soto. Les designs géométriques linéaires sur des bâtons de marche indigènes vieux de plusieurs siècles dialoguent parfaitement avec les motifs décorant les "Torres de Satélite" (1968) au Mexique, conçues par l'architecte mexicain Luis Barragán, le peintre Jesús Reyes Ferreira et le sculpteur Mathias Goeritz, et capturées pour cette exposition dans une photographie prise par Armando Salas Portugal. Dans chaque objet exposé, les motifs, les formes et les structures semblent déclarer qu'ils transcendent toute sorte de délimitation artificielle de médium ou de méthode. Nous voyons le même lexique visuel peint sur des bâtiments, des céramiques et des textiles également exprimé sur des toiles par la peintre d'origine cubaine Carmen Herrera et l'artiste brésilien Luiz Zerbini.

Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue d'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin

Héritages perdus et retrouvés

Parmi les aspects les plus compliqués de l'exposition, du moins pour moi, il y a les photographies exposées qui montrent les corps peints des peuples indigènes qui vivaient au Chili au début du XXe siècle. Ce n’est pas le body painting qui me laisse perplexe. Au contraire, c'est cet aspect des photographies qui m'a ému, avec son expression de quelque chose de profondément beau et spirituel. Ce qui m'a plutôt dérangé, c'est que le photographe soit le seul à être nommé. Le photographe était Martin Gusinde, un prêtre autrichien venu en Amérique du Sud en tant que missionnaire. Son étude de ces personnes était en un sens anthropologique. Mais dans un autre sens, il est enveloppé dans le brouillard indubitable d’une prétendue supériorité culturelle qui accompagne toutes les expéditions missionnaires. Ces photographies ont-elles été prises par un humble ethnologue qui voulait simplement comprendre les différences entre les différentes personnes ? Ou ont-ils été emmenés par quelqu'un qui croyait que sa mission était de convertir les peuples dits primitifs à un système de croyance différent ?

Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue d'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin

Peut-être que, finalement, peu importe le contexte que j'attribue aux photographies, ou à l'une des autres œuvres exposées dans ce spectacle. Il y a probablement autant d'arguments à faire contre les photographies prises par des missionnaires qu'il y en a à faire contre l'exposition de sculptures vieilles de 3500 ans prises de leur lieu de repos par des conquistadors. Le but de cette exposition n'est pas de critiquer comment ces objets sont arrivés ici, ni quelles étaient les intentions de ceux qui les ont trouvés ou fabriqués. Le point est purement visuel. Il y a une déclaration définitive faite par les conservateurs sur l'universalité de l'appréciation de l'art abstrait géométrique, que c'est quelque chose qui relie clairement les cultures humaines de tous types et à travers les éons. Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie est exposé à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain à Paris jusqu'au 24 février 2019.

Image à la une : Géométries du Sud, du Mexique à la Patagonie, vue de l'installation à la Fondation Cartier pour l'Art Contemporain, 2018. Photo © Thibaut Voisin
Par Phillip Barcio