Ces artistes continuent de redéfinir l’art imprimé en 3D

Un jour, j'ai entendu une blague lors d'un vernissage présentant des art imprimé en 3D. Cela ressemblait à ceci : « Comment savez-vous que vous recherchez une œuvre d’art imprimée en 3D ? Réponse : « Parce que tout le monde vous le dit. » Cela m'a fait rire tout d'abord parce que c'est vrai, les gens ont tendance à être tellement enthousiasmés par ce média qu'ils ne peuvent s'empêcher d'en parler. Et deuxièmement, j’ai ri parce que dans presque tous les cas d’art imprimé en 3D que j’ai vu, le fait qu’il ait été réalisé à l’aide d’une imprimante 3D ne me semblait pas pertinent. Rien dans ces travaux ne semblait exiger la technologie. Tout cela aurait pu être fait par d’autres moyens. Ce qui soulève la question : de quoi tout le monde parle-t-il ? Les imprimantes 3D ne sont que des outils, pas différents dans leur nature de ceux, par exemple, des projecteurs. Je n’ai jamais vu quelqu’un s’approcher de moi dans une galerie, me montrer un dessin et me dire : « Cela a été réalisé à l’aide d’un projecteur ». Mais là encore, je n’ai jamais vu quelqu’un s’approcher de moi et me dire : « Cela a été entièrement réalisé par des assistants pendant que l’artiste était en vacances. » Le fait est que cela n’a pas d’importance. Une fois que l’idée d’une œuvre d’art est formée et que les mesures sont prises pour la réaliser, peu importe que le travail réel soit effectué par telle machine ou telle machine, ou telle paire de mains ou telle paire de mains. Le fait qu’une imprimante 3D ait été utilisée pour réaliser une œuvre d’art ne valide en aucun cas l’œuvre : ce n’est qu’un aspect de l’expérience, et généralement l’aspect le moins important. C'est du moins mon avis. Ainsi, lorsqu'on m'a demandé d'écrire sur des artistes qui redéfinissent l'art imprimé en 3D, j'ai adopté la perspective selon laquelle je devrais présenter des artistes qui ont des idées intéressantes et qui réalisent des œuvres dont j'aimerais parler, quelle que soit la manière dont l'œuvre est réalisée. Ceci mis en garde, voici sept artistes utilisant la technologie de l’impression 3D pour réaliser leurs œuvres qui, par la force de leurs idées, redéfinissent la place de ce nouvel outil dans l’esthétique contemporaine.

Rirkrit Tiravanija

Si vous avez déjà entendu le terme Esthétique relationnelle ou Art relationnel, vous avez probablement entendu parler de l'artiste thaïlandais Rirkrit Tiravanija. Son travail a été essentiel à la montée en popularité de ce type d’expérience artistique dans les années 1990. Son exposition d'art relationnel la plus célèbre s'appelait pad thai. Pour l'exposition, qui s'est tenue à la Paula Allen Gallery de New York en 1990, plutôt que de créer et de montrer des œuvres, l'artiste a cuisiné du pad thai dans le espace et l'a servi aux visiteurs de la galerie. L'exposition a contribué à définir l'esthétique relationnelle comme une exploration de l'idée selon laquelle les artistes ne sont pas tant des créateurs, mais des facilitateurs d'expériences. Les relations humaines qui émergent de ces expériences sont ce qui compte le plus.

Plus récemment, Tiravanija attire l'attention pour son installation immersive à Art Basel Hong Kong 2017, qui remet en question le rôle de l'art et de l'histoire de l'art dans l'expérience humaine. L'œuvre était essentiellement un immense labyrinthe construit en bambou traditionnellement lié. Les visiteurs entraient dans le labyrinthe et, tout en cherchant leur chemin à l'intérieur, ils rencontraient progressivement cinq bonsaïs imprimés en 3D, chacun placé sur un piédestal en bois inspiré des bases sculpturales autrefois créées par l'artiste Constantin BrâncuÈ™i. Le fait que les bonsaïs soient imprimés en 3D n'est pas la chose la plus importante. Ce qui compte, c'est qu'ils soient artificiels. Le but d'un bonsaï est qu'il s'agit d'une chose naturelle perturbée par des mains humaines de telle manière que l'interférence humaine soit méconnaissable. Dans ce cas, l'artificialité des arbres, combinée aux notions évocatrices inspirées par le labyrinthe, le tout mélangé avec les références historiques de l'art, fonctionne ensemble pour offrir aux spectateurs une expérience abstraite et ouverte qui exige une interaction sociale pour comprendre ses niveaux de signification potentiels.

Rirkrit Tiravanija - Untitled 2017 (no water no fire), 2017. 3D printed bonsai tree on wooden base. © Rirkrit Tiravanija, Courtesy of gallery Neugerriemschneider, Berlin

Des siècles Somers

Le mot vanitas vient du latin et signifie vide. Il était utilisé aux Pays-Bas aux XVIe et XVIIe siècles comme nom pour un type de nature morte. Les peintures de vanité sont essentiellement des natures mortes montrant des collections d'objets matériels banals, généralement accompagnés de crânes humains, illustrant l'absurdité de la poursuite des choses terrestres. L'artiste et designer néerlandaise Wieki Somers a utilisé le langage visuel commun à Vanitas Paintings dans une série d'œuvres d'art imprimées en 3D qu'elle a créées en 2010, en réponse à un concours de design qui demandait aux designers de « réfléchir à la notion de progrès ». Intitulée Consume or Conserve, la série qu'elle a créée présentait trois tableaux sculpturaux de natures mortes. Chaque tableau était constitué de produits banals du quotidien, comme une balance, un aspirateur et un grille-pain, entièrement imprimés en 3D à partir de cendres de restes humains.

Dans son explication du travail, Somers a souligné que la technologie humaine a progressé à un point tel que nous pourrions bientôt être confrontés à la perspective de la vie éternelle. « Mais », a-t-elle demandé, « à quoi sert une vie éternelle si nous l’utilisons uniquement pour continuer à être de simples consommateurs qui aspirent à toujours plus de produits, quelles qu’en soient les conséquences ? En poursuivant sur cette voie d’innovation non critiquée, nous pourrions un jour nous retrouver transformés en produits mêmes que nous assemblons. Elle a suivi ce concept jusqu’à sa conclusion logique, créant littéralement des produits à partir des restes de vies humaines autrefois précieuses.

Wieki Somers - Consume or Conserve, 2010. 3D printed human remains. © Wieki Somers

Stéphanie Lempert

L'artiste new-yorkaise Stephanie Lempert travaille sur la communication. Elle espère attirer notre attention sur le langage et la manière dont nous l'utilisons pour communiquer nos histoires, nos histoires et nos souvenirs afin de donner un sens à nos vies. Artiste multidimensionnel, Lempert utilise une variété de médias. L'une de ses œuvres les plus concises est une série intitulée Reconstructed Reliquaries, pour laquelle elle a créé des reliques sculpturales littéralement construites à partir du langage. Ces objets parlent d'eux-mêmes à plusieurs niveaux. Lempert les a créés grâce à l'utilisation d'un logiciel d'impression 3D. Elle préfère cependant utiliser la terminologie standard de l'industrie, mais moins digne d'intérêt, sculpture prototype rapide.

Stephanie Lempert - Reconstructed Reliquaries, In Search of Lost time, 2011. Rapid Prototype Sculpture. © Stephanie Lempert

Théo Jansen

L'artiste néerlandais Theo Jansen est devenu connu dans les années 1990 lorsqu'il a commencé à créer ses Strandbeests, d'énormes créatures cinétiques qui semblent marcher toutes seules. Ce sont, comme il les appelle, des "animaux de plage auto-propulsés". Vous avez peut-être vu des images d'eux se déplaçant poétiquement sur les plages du monde entier. À la fois designer, ingénieur et artiste, Jansen a un jour déclaré : "Les murs entre l'art et l'ingénierie n'existent que dans nos esprits." Normalement, ses grandes créations sont faites de tubes en PVC. Mais récemment, il a commencé à rendre ses créations accessibles à presque tout le monde en proposant des Strandbeests miniatures imprimés en 3D à la vente pour seulement 160,00 €. Plus merveilleusement, quiconque peut se procurer les plans peut en faire imprimer un. Comme l'indique son site web, "Les Strandbeests de Theo Jansen ont trouvé un moyen de se multiplier en injectant leur ADN numérique directement dans les systèmes d'impression 3D."

Theo Jansen - Miniature 3D printed Strandbeest. © Theo Jansen

Nick Ervinck

Le travail de l'artiste belge Nick Ervinck crie avec des couleurs vives et des formes palpitantes, incarnant la notion que, d'une certaine manière, un objet qui occupe de l'espace peut également créer de l'espace. Ses sculptures se déclinent en toutes tailles, des miniatures aux œuvres publiques monumentales. En concevant ses propres outils et techniques d'impression 3D, il repousse les limites de cet outil, l'utilisant non seulement comme une fin en soi mais comme une méthode idiosyncratique de réaliser ses créations visionnaires personnelles.

Nick Ervinck - EGNOABER, 2015. Polyurethane and polyester. 710 x 440 x 490 cm. © Nick Ervinck

Shane Espoir

L'artiste Shane Hope, basé à Brooklyn, utilise des structures cellulaires imprimées en 3D comme élément de ses peintures abstraites. De loin, ils semblent être des œuvres picturales remplies de coups de pinceau empâtés, mais en y regardant de plus près, des piles de nanostructures assemblées se révèlent. Le fait que cet élément ait été imprimé en 3D n’est ni évident ni nécessaire pour apprécier les œuvres, mais la prise en compte des implications de la technologie ajoute des couches à leur signification potentielle.

Shane Hope - Femtofacturin' Fluidentifried-Fleshionistas, 2012. 3D-printed PLA molecular models on acrylic substrate. © Shane Hope, courtesy of Winkleman Gallery, New York

Monika Horcicova

Le travail de l’artiste tchèque Monika Horcicova est envoûtant et magnifique. Elle revient aux thèmes des os humains et des structures squelettiques, créant des compositions qui remettent en question nos idées sur notre propre objectif et notre potentiel. Même si elle ne travaille pas exclusivement dans ce médium, elle utilise souvent la technologie d’impression 3D pour créer ses sculptures en plâtre composite.

Monika Horcicova - K2, 2011. 3D printed plaster composite. © Monika Horcicova

Image en vedette : Rirkrit Tiravanija - Sans titre 2013 (ombre indexicale n°1), 2013-2017. Base en acier inoxydable (3 x panneaux), plastique imprimé en 3D (bonsaï), cube en acier inoxydable (socle). 35 2/5 × 35 2/5 × 35 2/5 po, 90 × 90 × 90 cm. © Rirkrit Tiravanija et Pilar Corrias Gallery, Londres
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio