Un Art Autre - Abstraction in Postwar Paris at Levy Gorvy

En 1952, le critique d'art et conservateur français Michel Tapié a inventé l'expression « Un Art Autre », signifiant « un art d'un autre genre », pour désigner une tendance qu'il percevait dans l'art abstrait, s'éloignant de la rationalité pour tendre vers la spontanéité. Cette tendance ne se manifestait pas seulement en France, où Tapié résidait, mais c'est en France que de nombreux artistes venus du monde entier se rendaient dans les années 1950 et 60 pour partager leur exploration de ce phénomène esthétique. Certains étaient des vétérans de la Seconde Guerre mondiale qui étaient restés en Europe après la guerre ou y étaient revenus pour étudier et travailler. D'autres étaient simplement attirés par l'effervescence d'une ville et d'une culture en pleine reconstruction. Profitant de la culture unique des cafés parisiens, ce collectif international d'artistes et de penseurs partageait librement ses idées, créant une scène passionnante et primordiale. Cette culture fascinante fait actuellement l'objet d'une exposition chez Levy Gorvy à Londres, qui porte le nom du mouvement auquel Tapié a donné un nom. Un Art Autre présente 22 peintures de cinq peintres — Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell et Sam Francis — qui ont tous, à un moment donné dans les années 1950 et 60, appelé Paris leur foyer. Représentant respectivement la France, la Chine, le Canada et les États-Unis, ces artistes apportaient chacun une vision du monde individualiste et une histoire personnelle. Chacun entretenait une relation complètement différente avec la peinture et avec la vie. Pourtant, ils partageaient tous le désir de se connecter à quelque chose d'intuitif et de libre. Ces cinq artistes ne furent en aucun cas les seules voix de « l'art d'un autre genre » qui a émergé des années d'après-guerre en Europe, mais voir leurs œuvres réunies dans cette exposition offre un point d'entrée poignant dans le mouvement dont ils faisaient partie. Cela donne aussi aux spectateurs contemporains l'occasion d'examiner les différences entre ce mouvement et des tendances similaires qui se sont manifestées ailleurs à la même époque, comme l'expressionnisme abstrait aux États-Unis.

Couleur et noir et blanc

Aujourd'hui, Pierre Soulages est considéré par beaucoup comme le plus grand peintre vivant. Il est adoré pour ses peintures noires élégantes et souvent émotionnellement puissantes. Même lorsqu'il développait sa voix unique à Paris après la guerre, Soulages avait une compréhension profonde de la fonction de la couleur noire dans ses peintures. Il ne la voyait pas comme un moyen de montrer l'obscurité, mais comme un moyen de « créer la lumière ». En juxtaposant des finitions brillantes et mates, et en créant des relations entre les zones noires et blanches de la toile, il offrait des opportunités à la lumière d'interagir avec les textures et les nuances. Les relations entre les différentes parties de la toile font partie de ce qui rend ses peintures si lumineuses. Dans cette exposition, nous voyons cinq de ses toiles. Malgré leur structure compositionnelle rigoureuse dans des œuvres comme « Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957 » (1957) et « Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957 » (1957), leurs noirs vibrants et leurs coups de pinceau vigoureux donnent vie à leurs surfaces. Ils ne sont en rien un noir pur, mais l'interaction des ocres, des bleus et des blancs fait briller le noir d'autant plus.

Joan Mitchell - Sans titre, 1957. Huile sur toile. 175,2 x 148,5 cm (69 x 58 1/2 pouces). Collection privée, Santa Barbara. © Succession Joan Mitchell.

Les relations de couleurs étaient également d'une importance capitale pour Joan Mitchell, dont quatre œuvres figurent dans cette exposition. Ces quatre œuvres — qui seront probablement nouvelles pour la plupart des visiteurs, car elles proviennent entièrement de collections privées — démontrent la maîtrise de Mitchell pour transmettre une tonalité émotionnelle à travers sa palette de couleurs. Ce que nous voyons dans ses œuvres est clairement quelque chose « de la nature », malgré le fait que les images soient complètement abstraites. Ce sentiment de naturalité est renforcé par le style gestuel presque extatique que Mitchell a développé lors de ses fréquentes visites, puis de son installation en France — un style magnifiquement représenté par les œuvres de cette exposition. Ses compositions sont les plus libres et les plus déliées de toutes les œuvres présentées : un témoignage de son désir de disparaître en elle-même pendant la peinture, et de capturer un sentiment personnel fondé sur ses propres souvenirs du monde naturel.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Huile sur toile. 205,1 x 193 cm (80 3/4 x 76 pouces). Mildred Lane Kemper Art Museum, Washington University à St. Louis. Don de M. et Mme Richard K. Weil, 1962. © Fondation Sam Francis, Californie / DACS 2019.

Toute la gamme des impulsions

Les œuvres exposées de Jean Paul Riopelle montrent le changement spectaculaire qui s'est produit dans ses méthodes au début des années 1950. L'œuvre la plus reconnaissable de l'exposition est « Abstraction (Orange) » (1952). L'une des plus grandes œuvres présentées, son action gestuelle frénétique établit un parallèle immédiat avec les peintures éclaboussées souvent associées aux peintres expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock. Dans des œuvres ultérieures comme « Horizontal, noir et blanc » (1955), on voit Riopelle construire une technique beaucoup plus délibérée, avec des coups de pinceau serrés, mesurés et empreints d'anxiété, tout en conservant l'énergie impulsive qui anime tant son travail. À presque l'extrémité opposée de l'échelle des impulsions, nous voyons trois peintures sublimes de Zao Wou-Ki. Leurs palettes atténuées et leurs harmonies compositionnelles équilibrées montrent un peintre qui trouve un équilibre merveilleusement envoûtant entre expression libre et calme mesuré.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, noir et blanc, 1955. Huile sur toile. 73 x 92 cm (28 3/4 x 36 1/4 pouces). Photo : Øystein Thorvaldsen. Collection Henie Onstad Kunstsenter, Høvikodden, Norvège. © SODRAC, Montréal et DACS, Londres, 2019.

Le peintre que je connais le moins dans cette exposition est Sam Francis. Après avoir vu les cinq exemples de son travail dans l'exposition, je ressens qu'il reste encore beaucoup à apprendre à son sujet. La frivolité éthérée d'une composition sans titre, orange, jaune et bleue, m'a évoqué des pensées sur Hellen Frankenthaler, tandis que sa « Série bleue n° 1 » (1960) rappelait immédiatement Yves Klein. Deux autres pièces — « Composition » (vers 1957-58) et « Sans titre » (1959) — offraient quelque chose de plus distinct : une excitation presque électrique, comme si je regardais littéralement des images de fluctuation et de flux. Ces concepts sont en fait au cœur de ce que cette exposition a à dire sur « l'autre genre d'art » qui a émergé à Paris dans les années 1950 et 60. Il est difficile de le définir précisément, et difficile à nommer, mais c'était un art défini par sa capacité à changer et sa volonté de lâcher prise. Un Art Autre est visible chez Levy Gorvy Londres jusqu'au 5 juillet 2019.

Image en vedette : Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Huile sur toile. 81 x 130 cm (31 7/8 x 51 3/16 pouces). Collection privée. © DACS 2019.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio