Un Art Autre - Abstraction in Postwar Paris at Levy Gorvy

En 1952, le critique d'art et conservateur français Michel Tapié a inventé l'expression « Un Art Autre », qui signifie « art d'un autre genre », pour désigner une tendance qu'il perçu dans l'art abstrait loin de la rationalité et vers la spontanéité. La tendance ne se manifestait pas seulement en France, où Tapié était basé, mais c'est également en France que de nombreux artistes du monde entier se sont rendus dans les années 1950 et 1960 pour partager leur exploration de ce phénomène esthétique. Certains étaient des vétérans de la Seconde Guerre mondiale qui sont restés en Europe après la guerre ou y sont retournés pour étudier et travailler. D’autres étaient simplement attirés par l’enthousiasme d’une ville et d’une culture essayant de se reconstruire. Profitant de la « culture café » unique de Paris, ce collectif international d’artistes et de penseurs a partagé librement ses idées, créant une scène passionnante et primordiale. Cette culture fascinante fait actuellement l'objet d'une exposition chez Levy Gorvy à Londres, qui tire son nom du mouvement auquel Tapié a donné un nom. Un Art Autre présente 22 tableaux de cinq peintres — Pierre Soulages, Zao Wou-Ki, Jean Paul Riopelle, Joan Mitchell et Sam Francis — dont chacun a élu domicile à Paris dans les années 1950 et 1960. Représentant respectivement la France, la Chine, le Canada et les États-Unis, ces artistes ont chacun apporté avec eux une vision du monde individualiste et une histoire personnelle. Chacun avait un rapport à la peinture et à la vie complètement différent. Pourtant, ils partageaient tous le désir de se connecter à quelque chose d’intuitif et de gratuit. Ces cinq artistes ne sont en aucun cas les seules voix de « l’art d’un autre genre » né des années d’après-guerre en Europe, mais voir leurs œuvres ensemble dans cette exposition offre un point d’entrée poignant dans le mouvement dont ils étaient issus. partie. Cela donne également aux spectateurs contemporains l'occasion d'examiner les différences entre ce mouvement et des tendances similaires qui se sont manifestées ailleurs à cette époque, comme l'expressionnisme abstrait aux États-Unis.

Couleur et noir et blanc

Aujourd'hui, Pierre Soulages est considéré par beaucoup comme le plus grand peintre vivant. Il est aimé pour ses peintures noires élégantes et souvent émotionnellement écrasantes. Même lorsque Soulages développait pour la première fois sa voix unique à Paris après la guerre, il avait une compréhension profonde de la façon dont la couleur noire fonctionnait dans ses peintures. Il ne la voyait pas comme un moyen de montrer l'obscurité, mais comme un moyen de "créer de la lumière". En juxtaposant des finitions brillantes et mates, et en créant des relations entre les zones noires et blanches de la toile, il a créé des opportunités pour que la lumière interagisse avec les textures et les teintes. Les relations entre les différentes zones de la toile font partie de ce qui rend ses peintures si lumineuses. Dans cette exposition, nous voyons cinq de ses toiles. Malgré leur structure compositionnelle serrée dans des peintures comme "Peinture 195 x 130 cm, 3 février 1957" (1957) et "Peinture 195 x 155 cm, 7 février 1957" (1957), leurs noirs vibrants et leurs coups de pinceau puissants donnent vie à leurs surfaces. Elles ne sont rien de moins que du pur noir, mais l'interaction des ocres, des bleus et des blancs fait briller le noir encore plus.

Joan Mitchell - Sans titre, 1957. Huile sur toile. 69 x 58 1/2 pouces (175,2 x 148,5 cm). Collection privée, Santa Barbara. © Succession de Joan Mitchell.

Les relations entre les couleurs étaient également d'une importance capitale pour Joan Mitchel, dont quatre œuvres sont présentées dans cette exposition. Tous les quatre, qui seront probablement nouveaux pour la plupart des visiteurs, car ils ont été assemblés entièrement à partir de collections privées, démontrent la capacité magistrale de Mitchell à transmettre le ton émotionnel à travers sa palette de couleurs. Ce que nous voyons dans ses œuvres est clairement quelque chose de « nature », même si les images sont complètement abstraites. Ce sentiment de nature n'est que renforcé par le style gestuel presque extatique que Mitchell a développé lors de ses fréquentes visites et de son éventuel déménagement en France - un style qui est magnifiquement représenté par les œuvres de cette exposition. Ses compositions offrent le sentiment le plus libre et le plus libre de toutes les œuvres de l'exposition : un témoignage de son désir de disparaître en elle-même en peignant et de capturer un sentiment de quelque chose de personnel basé sur ses propres souvenirs du monde naturel.

Sam Francis - Arcueil, 1956/58. Huile sur toile. 80 3/4 x 76 pouces (205,1 x 193 cm). Mildred Lane Kemper Art Museum, Université de Washington à Saint-Louis. Don de M. et Mme Richard K. Weil, 1962. © Sam Francis Foundation, Californie / DACS 2019.

La gamme complète d'impulsions

Les œuvres exposées par Jean Paul Riopelle démontrent le changement dramatique qui s'est produit dans ses méthodes au début des années 1950. La plus reconnaissable de l'exposition est "Abstraction (Orange)" (1952). L'une des œuvres les plus grandes de l'exposition, son action gestuelle frénétique établit un parallèle immédiat avec les peintures éclaboussées souvent associées aux peintres expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock. Dans des œuvres ultérieures comme "Horizontal, Black and White" (1955), nous voyons Riopelle construire une technique beaucoup plus délibérée, avec des coups de pinceau serrés, mesurés et remplis d'anxiété, tout en conservant néanmoins l'énergie impulsive qui anime tant son travail. À l'opposé presque de l'échelle d'impulsion, nous voyons trois sublimes peintures de Zao Wou-Ki. Leurs palettes atténuées et leurs harmonies compositionnelles équilibrées montrent un peintre qui trouve un équilibre merveilleusement troublant entre l'expression libre et le calme mesuré.

Jean Paul Riopelle - Horizontal, Noir et Blanc, 1955. Huile sur toile. 28 3/4 x 36 1/4 pouces (73 x 92 cm). Photo : Øystein Thorvaldsen. Collection du centre d'art Henie Onstad, Høvikodden, Norvège. © SODRAC, Montréal et DACS, Londres, 2019.

Le peintre que je connais le moins de cette exposition est Sam Francis. Après avoir vu les cinq exemples de son travail dans le spectacle, je sens qu'il y a encore beaucoup à apprendre sur lui. La frivolité éthérée d'une composition sans titre, orange, jaune et bleue, a évoqué en moi des pensées de Hellen Frankenthaler, tandis que sa "Blue Series No. 1" (1960) rappelait immédiatement Yves Klein. Deux autres pièces—"Composition" (c. 1957-58) et "Untitled" (1959)—offraient quelque chose de plus distinct : une excitation presque électrique, comme si je regardais littéralement des images de fluctuation et de flux. Ces concepts, en fait, sont au cœur de ce que cette exposition a à dire sur "l'autre type d'art" qui a émergé à Paris dans les années 1950 et 60. Il est difficile de le cerner exactement, et difficile de le nommer, mais c'était un art défini par sa capacité à changer, et sa volonté de lâcher prise. Un Art Autre est visible à Levy Gorvy London jusqu'au 5 juillet 2019.

Image en vedette : Zao Wou-Ki - 16.09.69, 1969. Huile sur toile. 31 7/8 x 51 3/16 pouces (81 x 130 cm). Collection privée. © DACS 2019.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio