L'expressionnisme abstrait tardif dans les œuvres de Sam Francis

Certains disent que pour les vrais artistes, faire de l’art n’est pas un choix ; c'est une contrainte. Ils réalisent des œuvres d’art, qu’ils soient payés ou non, même si elles sont ignorées. En d’autres termes, les artistes font de l’art parce qu’ils ne peuvent pas ne pas faire de l’art. Aussi sérieux que cela puisse paraître, Sam Francis considérait que la relation entre les artistes et la création artistique était encore plus intense. Il considérait la création artistique non pas comme quelque chose qu'un artiste fait, mais comme quelque chose qui est simplement dû au fait que l'artiste est. Il a dit : « l’artiste est son œuvre et non plus un être humain ». Pour Francis, séparer l’art d’un artiste était aussi impossible que séparer la pluie d’un nuage. La pluie est le nuage. L'art est l'artiste. Il n'y a pas de séparation. Ils ne font qu'un.

L'obscurité n'est qu'une couleur

Lorsqu'on revient sur l'histoire de l'Abstrait Expressionnisme, il apparaît assez rapidement que les artistes associés aux premiers jours du mouvement ont été profondément influencés par les angoisses de leur époque. Ils appartenaient à une génération marquée par la souffrance et le sacrifice, hantée par les horreurs de la guerre et la peur de la bombe atomique. À travers leurs œuvres, ils ont sincèrement tenté de se connecter avec leur subconscient et d'exprimer leurs états d'être intérieurs. La noirceur de leur époque apparaît souvent évidente dans leur art, que ce soit dans la palette de couleurs ou dans l'angoisse des gestes, des formes, des textures ou des compositions. Mais ces mêmes œuvres sont également révélatrices, amenant les spectateurs à expérimenter des états de conscience transcendants et contemplatifs. Alors, est-ce vraiment l’obscurité qu’ils expriment ?

Sam Francis est associé à la deuxième génération de l'expressionnisme abstrait. Il a gagné en notoriété après avoir été inclus dans l'exposition 12 American Artists au MoMA en 1956, la même année où Jackson Pollock, la figure de proue du mouvement précoce, est décédé. Francis a commencé à peindre à l'hôpital pendant sa convalescence d'une blessure à la colonne vertébrale qu'il a subie en tant que pilote de chasse pendant la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, il est retourné à l'école dans sa Californie natale, obtenant un diplôme de maîtrise de l'UC Berkeley en 1950. Pendant son séjour là-bas, il a rencontré certains peintres de la première génération d'expressionnistes abstraits, y compris Mark Rothko qui enseignait à l'École californienne des beaux-arts à San Francisco à l'époque. Francis a trouvé de l'inspiration dans l'accent que ces créatifs mettaient sur l'être et le devenir, et dans leur engagement à la recherche du soi authentique. 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

Le mariage des ténèbres et de la lumière

Pour Sam Francis, l’obscurité et la lumière n’étaient pas des forces opposées. Il s’agissait de forces complémentaires, ou peut-être même de manifestations fluctuantes de même qualité. Il a dit un jour : « Une augmentation de la lumière entraîne une augmentation des ténèbres. » Était-il en train de dire que la lumière et les ténèbres ne font qu'un ? Ou parlait-il de la façon dont la lumière projette une ombre, ce qui signifie que plus une lumière devient brillante, plus elle projette une ombre plus sombre ? Ou faisait-il référence à l’illumination et à l’impact métaphysique de la prise de conscience que plus nous apprenons, plus nous réalisons à quel point nous savons peu de choses ?

Il n'aurait pu vouloir dire aucune de ces choses. Il a aussi dit un jour : « La couleur naît de l'interpénétration de la lumière et de l'obscurité ». Il est donc possible qu'il parlait simplement des contrastes, et de la manière dont l'espace blanc sur une toile exprime l'obscurité de la peinture. Quoi qu'il en soit, ses commentaires offrent au moins une perspective nuancée à partir de laquelle interpréter l'obscurité apparente du mouvement expressionniste abstrait en général. Et ils nous donnent un point de départ pour comprendre la façon dont il a confronté l'obscurité, la lumière et la couleur dans ses propres peintures.

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 peintres américains

Francis a montré sept peintures dans son exposition collective au MoMA. Ils étaient de grande ampleur. Le plus petit mesurait plus de six pieds de haut et le plus grand mesurait plus de douze pieds sur dix pieds. Les peintures portent toutes le nom de leurs couleurs : Bleu noir, jaune, grand rouge, noir en rouge, rouge en rouge, gris et orange profond sur noir. Chacune de ces peintures partageait une esthétique commune, qui a fait de Francis un peintre au style visuel défini. Ils étaient composés de formes biomorphiques en couches renforcées par des gouttes effrénées.

Ces toiles enveloppent les spectateurs dans les compositions. La voix des œuvres redéfinit le mot composition, pour se concentrer moins sur l'agencement des éléments esthétiques et davantage sur ce que signifie se sentir composé. Ils dégagent un sentiment de contrôle, de confiance et d’harmonie. Ils donnent l’impression que tout ce qui est nécessaire pour comprendre la peinture est contenu dans l’espace de la toile. Et pourtant, leur nature sensuelle et personnelle nous invite à une exploration plus profonde de ce qui reste caché à l'intérieur.

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

Endiguement

À peine Sam Francis s’est-il fait connaître pour son esthétique unique qu’il est allé au-delà. Il a élargi sa palette de couleurs pour inclure une gamme vive de couleurs vives et pures. Il a également exploré une multitude d'approches de la composition, notamment la représentation biomorphique dans une série d'œuvres intitulées Blue Balls, qui présentent des orbes bleus proéminents inspirés de son combat contre la maladie rénale. Au milieu des années 1960, il est arrivé à un autre langage esthétique distinct caractérisé par des coups de pinceau colorés sur les bords de ses peintures entourant un espace blanc presque vide à l'intérieur.

Ces œuvres parlent directement et élégamment des notions exprimées par François sur la lumière et l'obscurité. L’espace blanc accru, ou luminosité, intensifie l’expression de l’obscurité véhiculée par la couleur. La couleur est minimisée tout en définissant l'image. Ces images défient la nature all-over de tant d’œuvres expressionnistes abstraites. Ils parlent du néant et du pouvoir de la nuance, et attirent l'attention sur ce qui n'est pas exprimé.

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

Sans retenue

Pendant la majeure partie de sa carrière, Francis a évité la scène artistique new-yorkaise, préférant vivre et travailler à Paris, Tokyo et en Californie. Il n'était pas freiné par les tendances. Il a utilisé les techniques associées à l'action painting, telles que le dripping, le versing et les éclaboussures, ainsi que la coloration et le travail avec des pinceaux traditionnels. Il a réalisé des estampes, des lithographies et des monotypes, travaillant avec une gamme de supports et de surfaces différents. Et il a inlassablement fait évoluer son style de composition. Dans les années 1970 et 1980, il a souvent inclus des formes géométriques dans ses peintures, et parfois même peint des œuvres géométriques hardedge.

Il est le plus souvent rappelé pour les peintures éclaboussées aux couleurs vives qu'il a créées dans les années 1980. Leur adhérence à des techniques longtemps abandonnées par de nombreux autres peintres de sa génération les distingue avec assurance. Leurs qualités primitives dialoguaient avec les œuvres néo-expressionnistes de peintres comme Basquiat. Leur palette de couleurs faisait écho à celle du Pop Art et des Imagistes de Chicago. Et leur imagerie évoquait l'histoire de l'art abstrait, rappelant des peintres comme Miro, Calder et Gorky.

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

Au-delà de la deuxième génération

Sam Francis n'a jamais cessé son évolution artistique personnelle. Même après avoir perdu l'usage de sa main droite peu avant sa mort, il a appris à peindre avec la main gauche et s'est engagé dans la création d'une nouvelle œuvre importante qu'il a poursuivie jusqu'à sa mort. Malgré un changement de style esthétique, il n'a jamais abandonné les principes essentiels de l'expressionnisme abstrait. Cependant, en s’y consacrant, il a également transformé fondamentalement ce que pourrait être l’expressionnisme abstrait. Cela ne veut pas dire qu'il l'a modifié. Il en a conservé les éléments intégraux. Il n’a jamais cessé de peindre intuitivement, de se connecter à son propre état d’être intérieur et d’interagir avec la toile comme une arène dans laquelle se produit un événement. Mais il a également ajouté à la définition. Ce qu'il a ajouté est bien résumé dans sa propre description de ce qu'est la peinture : "La peinture concerne la beauté de l'espace et le pouvoir du confinement."

Tout est dans les quatre mots : beauté, espace, pouvoir et contenu. Sam Francis a poursuivi sans honte la beauté. Il a embrassé à la fois les limitations et les possibilités d'un espace défini. Il a reconnu et a pris la responsabilité personnelle de la réalité primordiale de la quête humaine de pouvoir. Et, enfin, il a exprimé la confiance et la sécurité inhérentes au sentiment que quelque chose a été contenu. Comparez cela à ce que Jackson Pollock a dit un jour à propos de la peinture : « La peinture a une vie propre. J'essaie de la laisser s'exprimer. » En plus de tout le reste, leur travail était axé sur le fait que Pollock et la première génération d'expressionnistes abstraits étaient sans retenue dans leur expérimentation. Ils tenaient un tigre sauvage par la queue, excités de découvrir ce qu'il pourrait faire ensuite, complètement ouverts aux possibilités, et surtout engagés à le garder aussi sauvage que possible le plus longtemps possible. Sam Francis a aidé à apprivoiser le tigre. Ce faisant, il a également donné aux générations suivantes d'artistes la permission de définir ce que l'expressionnisme abstrait signifie pour eux.

Image à la une :Sam Francis - Sans titre, 1962, Acrylique et gouache sur papier. © La Fondation Sam Francis
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio