Dynamisme et énergie dans les peintures de Joan Mitchell

Lorsque nous regardons une peinture de Joan Mitchell, nous contemplons une image de la liberté. Nous voyons un abandon rendu palpable. Mitchell abordait l'acte de peindre depuis un lieu de totale liberté, sans plan préalable ni projet définitif. Tout ce qui se retrouvait sur la toile venait de son intuition et reflétait immédiatement sa vérité. Il pouvait s'agir de la joie qu'elle ressentait, ou de la colère, ou de la peur ; cela pouvait être une image formée de fragments d'un souvenir qu'elle gardait en tête, ou d'un paysage cher à son cœur. Lorsque nous rencontrons ses peintures, lors d'un regard rapide ou distrait, nous pouvons ou non ressentir ce que Mitchell a ressenti. Nous pouvons ou non reconnaître le sens exact qu'elle espérait transmettre. Mais l'énergie qui coulait en elle à chaque coup de pinceau nous hurle. Elle nous arrête dans l'espace et parle à cette part primitive en nous qui la reconnaît pour ce qu'elle est : l'écho vibrant, intemporel et universel de l'amour, de la perte, de la joie, de la peur, de la fierté et de la douleur.

Passer à l'action

Chaque coup de pinceau donné par un peintre est le résultat d'un mouvement physique. Pourtant, tous les coups de pinceau ne parviennent pas à annoncer ce mouvement aux spectateurs. Certains coups de pinceau cherchent intentionnellement à dissimuler le mouvement qui les a créés, et à ignorer qu'une main humaine a été impliquée. C'est l'une des caractéristiques des peintres d'action que de pouvoir transmettre à la surface d'une toile la puissance et l'énergie du mouvement de leur corps dans l'espace. Joan Mitchell était une peintre d'action, membre de ce que l'on considère comme la deuxième génération d'artistes expressionnistes abstraits. Mais elle n'a pas commencé sa carrière en se concentrant sur le geste et le mouvement, ni sur l'abstraction, ni même nécessairement sur la peinture. Pendant ses études à l'Institut d'Art de Chicago, elle était une artiste figurative talentueuse, ayant remporté des prix pour sa lithographie.

Mais Mitchell a toujours été une personne extrêmement physique. Au lycée à Chicago, elle était une athlète de niveau national, se classant jusqu'à la quatrième place aux Championnats américains de patinage artistique. Une blessure au genou mit fin à sa carrière sportive. Mais après avoir obtenu son diplôme de l'Institut d'Art de Chicago en 1947, elle s'installa à New York et fut exposée aux œuvres de peintres abstraits gestuels comme Arshile Gorky et Jackson Pollock. Elle incorpora immédiatement la physicalité dans sa technique de peinture. En 1951, elle avait développé un style gestuel abstrait mature, s'était liée d'amitié avec plusieurs artistes de la première génération d'expressionnistes abstraits, comme Will de Kooning et Franz Kline, et avait même rejoint, sur invitation, leur prestigieux Eighth Street Club, qui organisait des rencontres et des conférences d'artistes.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Huile sur toile. 1,97 x 2,74 m. Collection du Museum of Modern Art (MoMA), New York. © Succession Joan Mitchell

Les paysages de Joan Mitchell

Ayant grandi à seulement quelques pâtés de maisons des rives du lac Michigan dans le centre-ville de Chicago, Joan Mitchell avait, dès son plus jeune âge, développé un attachement émotionnel profond à la ligne d'horizon où l'eau rencontre le ciel. Et, adulte, vivant de façon intermittente à la campagne en France ainsi que dans les Hamptons, elle développa aussi un grand amour pour les paysages ruraux. Bien que ses œuvres matures soient toutes considérées comme abstraites, elle se qualifiait souvent de peintre de paysages. Nombre de ses tableaux portaient le mot paysage dans leur titre, ou étaient nommés d'après des lieux pittoresques qui lui étaient chers.

Il est possible, dans beaucoup de ses peintures, de trouver des indices visuels de compositions, de formes ou de palettes de couleurs suggérant un paysage naturel, voire de faibles échos de lignes d'horizon. Mais les types de paysages que Mitchell peignait n'étaient pas des tentatives figuratives de capturer le monde naturel. Au contraire, Mitchell intériorisait le ressenti émotionnel qu'elle éprouvait dans certains lieux qui lui étaient chers. Elle possédait une sensibilité esthétique aiguë et un lien à la nostalgie, et s'efforçait de saisir la couleur, l'équilibre et l'harmonie de ses paysages bien-aimés tout en communiquant l'énergie et l'émotion personnelle qu'elle y attachait dans sa mémoire.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, huile sur toile (diptyque), Fondation Joan Mitchell, New York. © Succession Joan Mitchell

Opposés complémentaires

Une grande partie de la puissance que nous percevons dans les peintures de Joan Mitchell semble liée à l'idée de forces opposées. Un exemple marquant est la manière dont elle s'est éloignée du style dit « all-over », où toute la toile est couverte d'images abstraites, pour adopter une approche compositionnelle plus traditionnelle figure-fond, avec de larges zones de blanc ou de toile non apprêtée. Mais plutôt que de voir des forces opposées à l'œuvre dans ses compositions figure et fond, il est plus juste de dire que ces forces sont complémentaires. Elles ne s'opposent pas ni ne se résistent. La figure et le fond échangent leurs rôles, s'éclairant mutuellement et se partageant l'influence sur le regard du spectateur.

De même, les autres opposés apparents visibles dans ses œuvres fonctionnent de la même manière. Les touches légères complètent les coups de pinceau agressifs, se définissant mutuellement par leurs différences relatives ; les surfaces denses, superposées et en empâtement donnent de la présence à leurs homologues plates ; les formes géométriques ou biomorphiques sont exaltées par des marques abstraites lyriques. L'essence unificatrice qui traverse l'œuvre de Joan Mitchell n'est pas celle de l'opposition, mais celle de l'engagement dans un monde de relations complémentaires formant un tout harmonieux.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Huile sur toile. Fondation Joan Mitchell, New York. © Succession Joan Mitchell

Abstraction inachevée

Au cours de sa carrière, Joan Mitchell a changé plusieurs fois d'esthétique. Chaque changement était lié soit à un déplacement géographique, soit à une modification de ses circonstances personnelles. L'une des plus grandes périodes de changement qu'elle a vécues fut dans les années 1960, lorsqu'elle perdit ses deux parents et un ami cher en quelques années seulement. Une autre survint dans les années 1980 lorsqu'elle fut diagnostiquée d'un cancer. Si chaque changement esthétique semble exprimer des nuances émotionnelles distinctes, aucun ne donne l'impression d'une fin. Chaque évolution de son travail porte en elle une sensation d'inachevé ; la promesse embryonnaire de quelque chose de nouveau et encore informe.

Après la décennie de pertes qu'elle a connue dans les années 1960, Mitchell s'est tournée vers la figuration géométrique, puis a rapidement changé de nouveau, revenant à la peinture all-over. Sa palette s'est transformée en verts profonds et jaunes vibrants, reflétant les couleurs de la nature. Puis, dans les années 1980, sa palette a inclus davantage de couleurs pures et primaires : bleus, oranges, verts et rouges. Ses coups de pinceau devinrent courts et trapus, électrifiés, presque vibratoires. Chaque nouvelle phase communique l'idée d'un nouveau départ indéterminé, et est donc intrinsèquement porteuse d'espoir et de renouveau.

Joan Mitchell - Arbres, 1990-91. Huile sur toile. Collection privée. © Succession Joan Mitchell

Lâcher prise

À travers toutes les étapes de son œuvre, un sens durable d'énergie et de vitalité est présent dans les peintures de Joan Mitchell, que ce soit par ses coups de pinceau, ses compositions, ses harmonies ou son usage des opposés complémentaires. Cette énergie continue d'inspirer la troisième génération de peintres expressionnistes abstraits travaillant aujourd'hui, comme Francine Tint. Elle éclaire aussi le travail d'abstraction gestuelle contemporaine d'artistes comme Ellen Priest.

Un univers d'émotions s'ouvre dans le travail de ces peintres, toujours oscillant entre l'énergie la plus sombre et la plus légère, l'agressivité la plus forte et la sérénité la plus profonde, jaillissant des surfaces de leurs peintures avec un sens frénétique d'immédiateté. Mitchell a un jour décrit la source de cette immédiateté frénétique en comparant la sensation qu'elle éprouvait en peignant à un orgasme. Elle l'a aussi décrite comme « faire du vélo sans les mains ». Ces deux descriptions évoquent la joie absolue de la libération émotionnelle possible par un acte d'abandon total. Et toutes deux parlent de l'expression d'une honnêteté humaine possible uniquement lorsque quelqu'un est libre.

Image en vedette : Joan Mitchell - Sans titre, 1977, huile sur toile, Fondation Joan Mitchell, New York. © Succession Joan Mitchell
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio