Trois maîtres de la couleur bleue dans l'art contemporain

Quand vous voyez le couleur bleue, que ressentez-vous ? La décririez-vous différemment de ce que vous ressentez lorsque vous entendez le mot bleu, ou lisez le mot bleu sur une page ? L'information communiquée par une teinte est-elle différente de celle communiquée par son nom ? Quoi que vous ressentiez, est-il possible que ce sentiment soit universel ? Ou la couleur bleue signifie-t-elle des choses différentes pour différentes personnes ? Et qu’en est-il des animaux ? Associent-ils la couleur à une émotion, ou utilisent-ils leurs récepteurs de couleur uniquement pour survivre ? Ces questions ont intrigué les étudiants de la couleur pendant des siècles, et d’une certaine manière, nous ne sommes pas plus près d’y répondre aujourd’hui qu’il y a cent ans. Mais un livre récemment publié par Phaidon Press nous rapproche un peu plus de la compréhension de la couleur, du moins en ce qui concerne l’art. Écrit par Stella Paul, ancienne conservatrice au Los Angeles County Museum of Art et ancienne directrice de programme au Metropolitan Museum of Art de New York, Chromaphilia : L’histoire de la couleur dans l’art met en lumière 240 œuvres individuelles. Non seulement son exploration exhaustive de la couleur éclaire de nouvelles façons innombrables dont dix catégories distinctes de couleurs ont été utilisées par les artistes à travers l’histoire, mais elle explore aussi la gamme des manières dont la couleur croise la science, l’émotion, l’esthétique et d’autres domaines de la culture humaine. Aujourd’hui, nous aimerions examiner plus en profondeur le travail de quelques artistes mentionnés par Paul dans le livre pour illustrer l’étendue et la puissance de la couleur bleue : Helen Frankenthaler, Pablo Picasso et Yves Klein.

Voir la couleur

Une des choses étranges à propos de la couleur est la fréquence à laquelle deux personnes peuvent regarder le même objet au même moment au même endroit et pourtant affirmer que l’objet qu’elles regardent est d’une couleur différente. Nous nous demandons : « Comment cela se peut-il ? La couleur n’est-elle pas objective ? » Mais la réponse courte est non. La couleur est souvent subjective. La raison tient à la science derrière la façon dont les humains perçoivent la couleur. Les humains (et la plupart des autres animaux qui voient la couleur) sont trichromates. Cela signifie que les récepteurs dans les yeux humains perçoivent trois longueurs d’onde de base qui correspondent à la couleur. Vous avez peut-être entendu parler du modèle de couleur RVB utilisé par certains imprimeurs. Les initiales RVB signifient Rouge, Vert et Bleu. C’est le modèle de couleur qui correspond le plus à la vision humaine. Évidemment, le rouge, le vert et le bleu ne sont pas les seules couleurs que les yeux humains peuvent percevoir. En fait, la plupart des humains peuvent percevoir jusqu’à sept millions de teintes distinctes. Mais chacune de ces teintes différentes est interprétée dans le cerveau après que les yeux l’ont d’abord perçue comme une certaine combinaison de rouge, vert et bleu.

De plus, la couleur que nous percevons d’un objet ne dépend pas seulement de l’objet lui-même. Oui, nous pourrions analyser le matériau dont un objet est fait et arriver à une certaine compréhension de la couleur probable de ce matériau en fonction de sa composition chimique. Mais la composition chimique d’une substance n’est pas le seul facteur qui détermine la couleur que nous percevons. La raison pour laquelle les humains peuvent percevoir la couleur est la lumière. Et la lumière peut aussi être colorée, auquel cas elle peut modifier la couleur que nos yeux voient lorsqu’ils regardent une surface. En outre, un jeu d’yeux peut être plus sensible, ou simplement différemment sensible, à la lumière qu’un autre, ce qui fait que la façon dont deux cerveaux interprètent la couleur peut aussi être différente. En gros, la même chose qui nous permet de voir la couleur peut aussi modifier notre perception de la couleur. Par conséquent, parler de couleur peut parfois sembler subjectif, et discuter de la couleur de quelque chose peut paraître tout à fait absurde.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acrylique sur toile, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

La couleur bleue

Néanmoins, les variations que différentes personnes voient lorsqu’elles regardent quelque chose d’une couleur particulière ne varient généralement pas aussi dramatiquement que, par exemple, une personne voyant du rouge et une autre voyant du bleu. Normalement, la variation est plus subtile, comme une personne voyant un bleu ciel et une autre un bleu aquamarine. Mais ce qui peut varier largement, c’est la gamme d’autres choses que nos cerveaux perçoivent lorsque nous regardons une couleur particulière, au-delà de ses propriétés physiques. Comme l’observe la phrase d’ouverture du chapitre sur la couleur bleue dans Chromaphilia : L’histoire de la couleur dans l’art, « Il existe de nombreux types de bleu — tous de la même teinte, mais avec des permutations inépuisables d’apparence, d’effet, d’origine et de signification. »

L’apparence, nous l’avons déjà abordée. Mais le plaisir commence vraiment quand on considère « l’effet, l’origine et la signification. » Quant à l’effet, une personne peut voir la couleur bleue et devenir calme. Une autre peut devenir triste à la vue de quelque chose de bleu. Une grande partie de notre réaction à la couleur dépend de nos expériences passées avec cette couleur. L’origine est une autre considération fascinante, puisque chaque variation de la couleur bleue provient d’un mélange fondamentalement différent d’éléments. Les variations dans les pigments de peinture bleue peuvent provenir de différentes combinaisons de liants et de minéraux. Les variations dans la lumière bleue peuvent être dues à différentes particules dans l’air. Et quant à la signification, c’est là que les choses deviennent vraiment compliquées. Chaque individu, chaque groupe et chaque culture développe sa propre relation singulière avec la couleur bleue. Par conséquent, lorsqu’on utilise la couleur bleue dans une œuvre d’art, il est littéralement impossible de prévoir quel genre de signification sera perçu lorsque l’œuvre sera enfin regardée. Pour explorer à quel point les variations entre les perceptions du bleu peuvent être sauvages en art, considérez le travail des trois artistes mentionnés dans Chromaphilia : L’histoire de la couleur dans l’art : Yves Klein, Helen Frankenthaler et Picasso.

Pablo Picasso - Mère et enfant, 1902, huile sur toile

Le bleu dans l’œuvre de Yves Klein

Quand on parle d’art du XXe siècle et de la couleur bleue, aucun artiste ne vient plus vite à l’esprit que Yves Klein. La légende raconte que, jeune homme, Klein se trouvait sur la plage avec ses amis, l’artiste Arman et le compositeur français Claude Pascal. Les trois se sont partagé le monde. Arman choisit la terre. Pascal choisit les symboles écrits. Et Klein choisit le ciel, levant immédiatement la main et signant son nom dans l’air. Dès ce moment, la couleur devint importante pour Klein. Une de ses premières expositions présentait des toiles monochromes peintes en différentes couleurs pures. Mais lorsque le public ne comprit pas ce qu’il voulait exprimer, il réalisa qu’il devrait simplifier et n’utiliser qu’une seule couleur pour faire passer son message. Il se lança alors dans le processus de création de sa propre teinte signature.

Comme l’explique Stella Paul dans Chromaphilia : L’histoire de la couleur dans l’art : « [Klein] a travaillé avec Edouard Adam, un marchand de couleurs parisien qui a consulté des chimistes chez Rhône-Poulenc, pour créer un liant synthétique... Le résultat fut le Rhodopas M60A, qui pouvait être dilué à différents niveaux de viscosité avec de l’éthanol et de l’acétate d’éthyle. Ce liant préserve la luminescence magique du pigment...Klein a commandé sa propre peinture synthétique personnalisée utilisant ce nouveau liant, qu’il a brevetée sous le nom d’IKB (International Klein Blue) ; à partir de 1957, il a utilisé ce pigment presque exclusivement. » Klein utilisa l’International Klein Blue pour réaliser ses toiles monochromes bleues emblématiques et plusieurs installations publiques monumentales. Il l’utilisa aussi pour créer ce qui devint certaines de ses œuvres les plus influentes : des performances où des modèles nus se couvraient d’IKB puis pressaient leur corps dans diverses configurations contre des toiles.

Yves Klein - Anthropométrie de l'époque bleue, 1960, © Archives Yves Klein

Le bleu dans l’œuvre de Helen Frankenthaler

La peintre abstraite Helen Frankenthaler fut une autre grande défenseure du XXe siècle de la couleur bleue. Frankenthaler inventa une technique de peinture appelée soak-stain (trempage-tache). Cette technique consiste à verser la peinture directement sur la surface d’une toile brute, non tendue, étalée sur le sol, puis à laisser la peinture s’imprégner dans les fibres et se répandre d’elle-même sur la surface. Frankenthaler pratiqua d’abord cette technique avec des peintures à l’huile, mais apprit vite que la peinture à l’huile dégradait rapidement la toile brute. Elle devint donc une des premières à utiliser les peintures acryliques, qui n’ont pas cet effet dégradant sur la toile. Ce que les peintures acryliques ont cependant, ce sont des qualités vibrantes et lumineuses en ce qui concerne la teinte. En versant différentes teintes pures directement sur ses toiles, Frankenthaler pouvait diriger les flux de peinture de manière à explorer les relations de couleur de nouvelles façons, sans interférence conceptuelle d’éléments tels que la ligne, la forme, la texture ou le volume.

Dans Chromaphilia : L’histoire de la couleur dans l’art, Stella Paul accorde une attention particulière à la peinture Montagnes et mer, que Helen Frankenthaler réalisa en 1952. Elle est considérée comme la première toile créée par Frankenthaler utilisant sa technique soak-stain. Paul dit à propos de cette œuvre : « De retour dans son atelier de New York après une pause en Nouvelle-Écosse, Frankenthaler se souvint plus tard qu’elle avait intériorisé le paysage canadien, qui s’était inscrit non seulement dans son esprit mais aussi dans son épaule et son poignet. Avec ce décor mental et corporel, elle créa une abstraction lyrique et pastorale pour évoquer un souvenir d’un lieu à travers la couleur. » Frankenthaler conceptualisa le processus de verser la peinture comme une manière de traduire quelque chose d’intériorisé dans son corps en quelque chose d’extériorisé sur la toile. La peinture utilise presque entièrement des teintes de rouge, vert et bleu, les différentes teintes de bleu se distinguant le plus profondément comme une manifestation abstraite, plutôt que figurative, de la mer.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Le bleu dans l’œuvre de Picasso

La couleur était d’une importance capitale pour Pablo Picasso, surtout dans les premières phases de sa carrière d’artiste. Souvent, son travail de cette époque est classé selon la couleur, comme dans sa Période Rose et sa Période Bleue. Ces classifications ont évidemment un rapport avec les pigments dominants qu’il utilisait dans ses peintures à l’époque, mais elles se rapportent aussi aux circonstances de sa vie personnelle, qui auraient influencé les sujets qu’il choisissait de représenter avec ces différentes teintes. Sa Période Rose, par exemple, s’étend approximativement de 1904 à 1906. Elle coïncide avec le début de sa relation avec sa compagne Fernande Olivier, et son déménagement dans le quartier de Montmartre à Paris. Son travail de la Période Rose consistait en images joyeuses de choses comme des arlequins et des cirques. C’est à la fin de sa Période Rose que Picasso peignit son œuvre majeure, la teinte rose Les Demoiselles d’Avignon, souvent citée comme la précurseure du cubisme.

La Période Bleue de Picasso précéda sa Période Rose, s’étendant d’environ 1901 à 1904. Ce fut une période de sa vie dominée par une conscience de la dépression et de la tristesse. Picasso déclara un jour : « J’ai commencé à peindre en bleu quand j’ai appris la mort de Casagemas. » Cette remarque fait référence à son cher ami Carlos Casagemas, qui s’est tiré une balle dans la tête dans un café à Paris alors que Picasso était hors de la ville. Quand Picasso revint à Paris, il vécut et travailla dans l’atelier de Casagemas, où il se lança dans la peinture de compositions presque monochromatiques en bleu. Comme le souligne Stella Paul dans Chromaphilia : L’histoire de la couleur dans l’art, « Le bleu omniprésent de Le Vieux Guitariste est l’expression matérielle de quelque chose de triste, marginalisé et démuni. Une ambiance crépusculaire de mélancolie enveloppe la chair teintée de bleu non naturelle du sujet, ses vêtements et l’espace ambiant qui l’entoure. Les gestes anguleux et les membres et traits allongés de ce musicien abattu et aveugle renforcent les impressions établies par la couleur bleue insistante. » Mais comme nous pouvons le voir à travers ces trois exemples, Yves Klein, Helen Frankenthaler et Pablo Picasso, le bleu ne communique pas toujours la tristesse, pas plus qu’il ne fait toujours référence au ciel ou à la mer. La gamme potentielle de teintes que nous désignons par le mot bleu semble infinie. De même, la gamme potentielle d’émotions, de sentiments, de contextes et de significations que nous pouvons tirer de cette couleur est tout aussi vaste.

Pablo Picasso - Petit déjeuner d’un aveugle, 1903, huile sur toile

Image en vedette : Yves Klein - Monochrome bleu sans titre, 1960, photo © Archives Yves Klein
Toutes les images sont utilisées à des fins d’illustration uniquement
Par Phillip Barcio