Trois maîtres de la couleur bleue dans l'art contemporain

Lorsque vous voyez la couleur bleue, que ressentez-vous ? Le décririez-vous comme quelque chose de différent de ce que vous ressentez lorsque vous entendez le mot bleu ou lisez le mot bleu sur une page ? L'information communiquée par une teinte est-elle différente de l'information communiquée par son nom ? Quoi que vous ressentiez, est-il possible que ce sentiment soit universel ? Ou la couleur bleue signifie-t-elle des choses différentes pour différentes personnes ? Et qu'en est-il des animaux ? Associent-ils la couleur à l’émotion ou utilisent-ils leurs récepteurs de couleurs uniquement pour survivre ? Ces questions ont mystifié les étudiants de couleur pendant des siècles et, d’une certaine manière, nous ne sommes pas plus près d’y répondre aujourd’hui qu’il y a cent ans. Mais un livre récemment publié par Phaidon Press nous amène un peu plus loin dans la compréhension de la couleur, du moins en ce qui concerne l'art. Écrit par Stella Paul, ancienne conservatrice au Los Angeles County Museum of Art et ancienne directrice de programme au Metropolitan Museum of Art de New York, Chromaphilia : l'histoire de la couleur dans l'art met en lumière 240 œuvres d'art individuelles. Non seulement son exploration exhaustive de la couleur jette un nouvel éclairage sur les innombrables façons dont dix catégories de couleurs distinctes ont été utilisées par les artistes à travers l’histoire, mais elle explore également l’éventail des façons dont la couleur se croise avec la science, l’émotion, l’esthétique et d’autres domaines de la culture humaine. Aujourd'hui, nous aimerions examiner de plus près le travail de quelques-uns des artistes mentionnés par Paul dans le livre pour illustrer la gamme et la puissance de la couleur bleue : Helen Frankenthaler, Pablo Picasso et Yves Klein.

Voir la couleur

L'une des choses étranges à propos de la couleur est à quel point deux personnes peuvent regarder le même objet en même temps au même endroit et affirmer que l'objet qu'elles regardent est d'une couleur différente. Nous nous demandons : « Comment cela peut-il être ? La couleur n'est-elle pas objective ? » Mais la réponse courte est non. La couleur est souvent subjective. La raison a quelque chose à voir avec la science derrière la façon dont les humains voient la couleur. Les humains (et la plupart des autres animaux qui voient la couleur) sont trichromates. Cela signifie que les récepteurs dans les yeux humains perçoivent trois longueurs d'onde de base qui correspondent à la couleur. Vous avez peut-être entendu parler du modèle de couleur RGB utilisé par certaines imprimantes. Les initiales RGB signifient Rouge, Vert et Bleu. C'est le modèle de couleur qui correspond le plus étroitement à la vision humaine. Évidemment, le rouge, le vert et le bleu ne sont pas les seules couleurs que les yeux humains peuvent percevoir. En fait, la plupart des humains peuvent percevoir jusqu'à sept millions de teintes distinctes. Mais chacune de ces teintes différentes est interprétée dans le cerveau après que les yeux l'aient d'abord perçue comme une combinaison de rouge, vert et bleu.

De plus, la couleur que nous percevons d’un objet n’a pas seulement à voir avec l’objet lui-même. Oui, nous pourrions analyser le matériau dont est fait un objet et parvenir à une certaine compréhension de la couleur de ce matériau en fonction de sa composition chimique. Mais la composition chimique d’une substance n’est pas le seul facteur qui détermine la couleur que nous percevons. La raison pour laquelle les humains sont capables de percevoir la couleur est la lumière. Et la lumière peut également être colorée, auquel cas elle peut modifier la couleur que nos yeux voient lorsqu’ils regardent une surface. De plus, une paire d’yeux peut également être plus sensible, ou tout simplement différemment, à la lumière qu’une autre paire d’yeux, ce qui fait que la façon dont les deux cerveaux interprètent la couleur est également différente. Fondamentalement, ce qui nous permet de voir la couleur peut également modifier notre perception de la couleur. Par conséquent, parler de couleur peut parfois sembler subjectif, et discuter de la couleur de quelque chose peut sembler carrément idiot.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acrylique sur toile, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

La couleur bleue

Néanmoins, les variations que différentes personnes voient lorsqu'elles regardent quelque chose qui est d'une couleur particulière ne varient généralement pas de manière aussi spectaculaire que, par exemple, une personne voit du rouge et une autre personne voit du bleu. Normalement, la variation est plus subtile, par exemple, une personne voit du bleu ciel et une autre voit de l'aigue-marine. Mais ce qui peut varier considérablement, c’est la gamme d’autres choses que notre cerveau perçoit lorsque nous regardons une couleur particulière, au-delà de ses propriétés physiques. Comme l'observe la première phrase du chapitre sur la couleur bleue dans Chromaphilia : l'histoire de la couleur dans l'art : « Il existe de nombreux types de bleu, tous la même teinte, mais avec des permutations inexhaustives d'apparence, d'effet, d'origine et de signification. »

Apparence que nous avons déjà couverte. Mais le plaisir commence vraiment lorsque l'on considère « l'effet, l'origine et la signification. ». En ce qui concerne l'effet, une personne peut voir la couleur bleue et devenir calme. Un autre peut devenir triste à la vue de quelque chose de bleu. Une grande partie de la façon dont nous réagissons à la couleur est liée à nos expériences passées avec la couleur. L’origine est une autre considération fascinante, puisque chaque variation de la couleur bleue provient d’un mélange d’éléments fondamentalement différents. Les variations des pigments bleus de la peinture peuvent provenir de différentes combinaisons de liants et de minéraux. Les variations de la lumière bleue pourraient être liées aux différentes particules présentes dans l’air. Et quant au sens, c’est là que les choses se compliquent vraiment. Chaque individu, chaque groupe et chaque culture développe sa propre relation idiosyncrasique avec la couleur bleue. Par conséquent, lorsque l’on utilise la couleur bleue dans une œuvre d’art, on ne sait littéralement pas quel type de signification sera perçu lorsque l’œuvre d’art sera finalement vue. Pour explorer à quel point les variations entre la perception du bleu peuvent être extrêmes dans l'art, considérez le travail des trois artistes mentionnés dans Chromaphilia : l'histoire de la couleur dans l'art : Yves Klein, Helen Frankenthaler et Picasso.

Pablo Picasso - Mère et enfant, 1902, huile sur toile

Le bleu dans l'œuvre d'Yves Klein

Quand il s'agit de l'art du 20ème siècle et de la couleur bleue, aucun artiste ne vient plus vite à l'esprit que Yves Klein. La légende dit qu'en tant que jeune homme, Klein traînait sur la plage avec ses amis, l'artiste Arman et le compositeur français Claude Pascal. Les trois ont divisé le monde entre eux. Arman a choisi la terre. Pascal a choisi les symboles écrits. Et Klein a choisi le ciel, levant immédiatement la main et signant son nom dans l'air. À partir de ce moment, la couleur est devenue importante pour Klein. L'une de ses premières expositions présentait des toiles monochromatiques peintes dans diverses couleurs pures. Mais lorsque le public n'a pas compris ce qu'il essayait d'exprimer, il a réalisé qu'il devrait simplifier et n'utiliser qu'une seule couleur pour faire passer son message. Il s'est donc engagé dans un processus de développement de sa propre teinte signature.

Comme l'explique Stella Paul dans Chromaphiliaa: The Story of Color in Art: “[Klein] a travaillé avec Edouard Adam, un vendeur de couleurs parisien qui a consulté des chimistes chez Rhone-Poulenc, pour créer un liant synthétique... Le résultat fut Rhodopas M60A, qui pouvait être dilué à divers niveaux de viscosité avec de l'éthanol et de l'acétate d'éthyle. Ce liant préserve la luminescence magique du pigment...Klein a commandé sa propre peinture synthétique personnalisée en utilisant ce nouveau liant, qu'il a breveté sous le nom d'IKB (International Klein Blue); à partir de 1957, il a utilisé ce pigment presque exclusivement.” Klein a utilisé l'International Klein Blue pour réaliser ses célèbres toiles monochromatiques bleues et plusieurs installations publiques monumentales. Il l'a également utilisé pour créer ce qui est devenu certaines de ses œuvres les plus influentes : des performances dans lesquelles des modèles nus se couvraient de IKB puis pressaient leurs corps dans diverses configurations contre des toiles.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

Le bleu dans les œuvres d'Helen Frankenthaler

Le peintre abstrait Helen Frankenthaler était un autre maître, un défenseur du bleu au 20ème siècle. Frankenthaler était l'inventrice d'une technique de peinture appelée soak-stain. Cette technique consiste à verser de la peinture directement sur la surface d'une toile non apprêtée et non tendue étalée sur le sol, puis à laisser la peinture s'imprégner dans les fibres et se répandre d'elle-même sur la surface. Frankenthaler a d'abord utilisé cette technique avec des peintures à l'huile, mais a rapidement appris que la peinture à l'huile dégrade rapidement la toile brute. Elle est donc devenue une des premières défenseures des peintures acryliques, qui n'ont pas le même effet dégradant sur la toile. Ce que les peintures acryliques ont cependant, ce sont des qualités vibrantes et lumineuses en ce qui concerne la teinte. En versant différentes teintes pures directement sur ses toiles, Frankenthaler pouvait diriger les flux de peinture de manière à explorer les relations de couleur de nouvelles façons, sans interférence conceptuelle d'éléments tels que la ligne, la forme, la texture ou la forme.

Dans Chromaphilia : L'histoire de la couleur dans l'art, Stella Paul accorde une attention particulière à la peinture Montagnes et Mer, que Helen Frankenthaler a peinte en 1952. Elle est considérée comme la première toile que Frankenthaler a créée en utilisant sa technique de soak-stain. Paul dit à propos de l'œuvre : “Après être retournée dans son studio de New York après une parenthèse en Nouvelle-Écosse, Frankenthaler se souvint plus tard qu'elle avait intériorisé le paysage canadien, qui s'était ancré non seulement dans son esprit mais aussi dans son épaule et son poignet. Avec ce fond d'esprit et de corps, elle a créé une abstraction lyrique et pastorale pour évoquer un souvenir d'un lieu à travers la couleur.” Frankenthaler a conceptualisé le processus de verser la peinture comme un moyen de traduire quelque chose intériorisé dans son corps en quelque chose d'extériorisé sur la toile. La peinture utilise presque entièrement des teintes de rouge, de vert et de bleu, les différentes teintes de bleu se distinguant le plus profondément comme une manifestation abstraite, plutôt que figurative, de la mer.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), New York

Le bleu dans les œuvres de Picasso

La couleur était d'une importance capitale pour Pablo Picasso, surtout dans les premières phases de sa carrière d'artiste. Souvent, ses œuvres de cette époque sont classées selon la couleur, comme dans sa période rose et sa période bleue. Ces classifications ont évidemment quelque chose à voir avec les pigments prédominants qu'il utilisait dans ses peintures à l'époque, mais elles se rapportent également aux circonstances de sa vie personnelle, qui auraient influencé le sujet qu'il choisissait de représenter avec ces différentes teintes. Sa période rose, par exemple, s'est étendue grosso modo de 1904 à 1906. Elle a coïncidé avec le début de sa relation avec sa compagne Fernande Olivier et son déménagement dans le quartier de Montmartre à Paris. Ses œuvres de la période rose consistaient en des images joyeuses de choses comme des arlequins et des cirques. C'est à la fin de sa période rose que Picasso a peint son œuvre emblématique, le Les Demoiselles d’Avignon teinté de rose, souvent cité comme le précurseur du cubisme.

La période bleue de Picasso a précédé sa période rose, s'étendant d'environ 1901 à 1904. C'était une période de sa vie dominée par une prise de conscience de la dépression et de la tristesse. Picasso a un jour déclaré : « J'ai commencé à peindre en bleu quand j'ai appris la mort de Casagemas. » Cette remarque fait référence à son cher ami Carlos Casagemas, qui s'est tiré une balle dans la tête dans un café à Paris pendant que Picasso était hors de la ville. À son retour à Paris, il a vécu et travaillé dans l'atelier de Casagemas, où il a commencé à peindre des compositions presque monochromatiques en bleu. Comme le souligne Stella Paul dans Chromaphilia : The Story of Color in Art, « The pervasive blue of The Old Guitarist is the material expression of something sad, disenfranchised, and marginal. A twilight mood of low spirits is cast over the subject's unnatural blue-tinted flesh, his garments, and the ambient encompassing space. The angular gestures and attenuated limbs and features of this downcast, blind musician reinforce impressions established by the insistent blue color. » Mais comme nous pouvons le voir à partir de ces trois exemples, d'Yves Klein, Helen Frankenthaler et Pablo Picasso, le bleu ne communique pas toujours la tristesse, pas plus qu'il ne fait toujours référence au ciel ou à la mer. La gamme potentielle de teintes que nous désignons lorsque nous disons bleu est apparemment sans fin. De même, la gamme potentielle d'émotions, de sentiments, de contextes et de significations que nous pouvons tirer de la couleur est également vaste.

Pablo Picasso - Petit déjeuner d'un aveugle, 1903, huile sur toile

Image de couverture : Yves Klein – Monochrome bleu sans titre, 1960, photo © Yves Klein Archive
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio