Façonner les formes de Victor Vasarely au Centre Pompidou Paris
Pour la première fois en plus de 50 ans, une grande rétrospective de Victor Vasarely est présentée dans un musée français. Le Centre Pompidou a ouvert Vasarely : Partage des Formes en février dernier, rassemblant plus de 300 objets, dont des œuvres d'art et des documents éphémères, retraçant l'évolution esthétique complète de l'un des géants du modernisme du XXe siècle. L'exposition établit fermement Vasarely non seulement comme un grand artiste, mais aussi comme un grand idéaliste, convaincu qu'il n'existe aucune frontière entre l'art et la vie quotidienne. Né en 1907 à Pécs, en Autriche-Hongrie, Vasarely s'inscrit en 1918 à l'école Műhely (atelier), la version locale de Budapest du Bauhaus. L'école était dirigée par l'artiste et graphiste Sándor Bortnyik. Après deux ans d'études avec Bortnyik, Vasarely s'installe à Paris et commence une carrière de graphiste. Son ambition était d'appliquer les leçons visuelles du modernisme au monde des communications de masse. L'une de ses œuvres les plus célèbres de ses débuts, « Zebra » (1937), incarne l'espace liminal où les disciplines apparemment distinctes de l'art et du design fusionnent en une seule. La composition linéaire en noir et blanc montre deux zèbres enlacés, peut-être en combat, peut-être amoureux. L'image proclame habilement Vasarely maître de la perspective en démontrant sa capacité à transformer une surface plane en un champ cinétique tridimensionnel. Pourtant, à ce jour, les critiques peinent à déterminer si cette œuvre et ses autres travaux précoces doivent être classés comme art ou design. En fait, la dernière grande rétrospective de son œuvre en France remonte à 1963, lorsque l'artiste n'avait que 57 ans, au Musée des Arts Décoratifs — pas un musée d'arts plastiques, mais un musée des arts décoratifs et du design. Deux ans plus tard, cependant, Vasarely fut inclus dans The Responsive Eye, l'exposition phare du Museum of Modern Art qui consacra les artistes majeurs du mouvement Op Art. Vasarely : Partage des Formes rassemble tous les aspects de son œuvre de manière universelle. Plutôt que d'imposer des définitions, cette exposition respecte les complexités et nuances de sa vision, offrant un élargissement nécessaire de l'histoire de Vasarely.
Le Réformateur Éternel
Lorsque Vasarely débuta sa carrière de graphiste, il considérait la publicité comme la forme la plus omniprésente de culture visuelle, il entreprit donc de la transformer en l'adaptant aux langages visuels du Cubisme, De Stijl, Suprématisme et d'autres positions modernistes précoces. Après la Seconde Guerre mondiale, il changea cependant d'orientation et décida que plutôt que d'utiliser l'art pour réformer le design, il chercherait dans le monde réel des indices pour transformer l'art. Il observa tout dans son paysage visuel, des structures architecturales aux motifs d'ombre et de lumière sur les formes naturelles, jusqu'aux surfaces des cristaux. Il comprit qu'il existe un espace esthétique où les principes de l'abstraction géométrique coexistent avec ceux des mondes naturel et construit. Des œuvres comme « Kiruna » (1952) montrent comment il décomposa le monde visuel en ses éléments essentiels, tels que cercles et carrés, et dans la palette de couleurs la plus simple possible.
Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo gracieusement fournie par IdeelArt.
Même lorsqu'il commença à développer son propre langage visuel véritablement unique, Vasarely resta toujours le réformateur. Il percevait que ses compositions géométriques n'étaient pas encore achevées. Elles nécessitaient un aspect supplémentaire : l'apparence du mouvement. Mais plutôt que de créer de l'art cinétique réel, comme les mobiles d'Alexander Calder, Vasarely s'intéressait à la manière dont le cerveau perçoit le mouvement. Il observa comment les vagues à la surface de l'eau, ou la chaleur du soleil, créent l'illusion que l'espace est déformé et que les objets solides sont fluides. Il appliqua cette réflexion à ses compositions, introduisant des motifs ondulés dans ses compositions géométriques, déformant apparemment les surfaces des œuvres. Dans des peintures comme « Re.Na II A » (1968), la surface semble gonfler vers l'extérieur. Dans d'autres, la surface semble s'effondrer. Plus étonnant encore, dès que l'œil saisit ce qu'il voit dans ces motifs ondulés, l'image semble se déplacer, donnant à la fois l'illusion d'un espace tridimensionnel et l'impression de mouvement.
Victor Vasarely - Zante, 1949. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo gracieusement fournie par IdeelArt.
Un Langage Visuel Universel
L'un des aspects les plus idéalistes de l'héritage de Vasarely fut la création de « l'unité plastique » : un outil visuel de base pouvant être adapté pour créer des compositions visuelles infinies. L'unité plastique de Vasarely consiste en une forme géométrique d'une couleur contenant à l'intérieur une seconde forme géométrique différente d'une autre couleur — par exemple, un carré bleu entourant un cercle rouge, ou inversement. En termes contemporains, l'unité plastique est comme un pixel. Vasarely combinait les unités plastiques en diverses combinaisons géométriques puis utilisait la ligne et la couleur pour introduire des ondulations dans les compositions. Ce langage visuel simple était véritablement démocratique, car il pouvait être facilement reproduit par quiconque. L'universalité du style inspira même Vasarely à se demander à nouveau comment utiliser ce qu'il avait créé pour influencer positivement la vie quotidienne des citoyens.
Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, vers 1973. Édition 23/50. Forme 1008 décor 5105, vers 1973. Édition 75. Forme 1008 décor 5104, vers 1973. Édition 17/75. Forme 1009 décor 5108, vers 1973. Édition 22/50. Forme 1007 décor 5101, vers 1973. Édition 27/100. Forme 1008 décor 5106, vers 1973. Édition 61/75. Forme 1010 décor 5112, vers 1973. Édition 31/100. Forme 1007 décor 5100, vers 1973. Édition 6/100. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo gracieusement fournie par IdeelArt.
Comme le montre magnifiquement Vasarely : Partage des Formes, Vasarely conçut de nombreuses stratégies pour amener son art dans l'espace public. Il créa une multitude de fresques, d'affiches et même de designs industriels, comme le service à café et dessert de 21 pièces qu'il dessina pour Rosenthal. Il créa des logos pour des entreprises, telles que Renault et le Musée du Cinéma, entre autres. Et il se consacra à créer toutes sortes d'art dans les espaces publics. Il imagina ce qu'il appelait une « cité polychrome du bonheur », où ses œuvres publiques vibrantes, colorées et géométriques donneraient vie aux « banlieues sombres et grises ». Tout au long de cette exposition, nous voyons comment la plasticité est commune à toutes les formes de culture visuelle. Vasarely démontra qu'elle est une part essentielle des beaux-arts, bien sûr. Mais il la considérait aussi comme essentielle aux pierres mêmes utilisées pour bâtir la ville, ainsi qu'aux couleurs et nuances de lumière tombant sur la nature. Les séparations artificielles entre les domaines de l'art, du design, de la mode, du cinéma, de l'architecture et même de la publicité s'effacent lorsque nous percevons toute la culture visuelle de cette manière. C'est la leçon que Vasarely enseigna : l'art est partout. Vasarely : Partage des Formes est visible au Centre Pompidou jusqu'au 6 mai 2019.
Image en vedette : Victor Vasarely - Alom, 1968. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo gracieusement fournie par IdeelArt.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio
