Façonner les formes de Victor Vasarely au Centre Pompidou Paris

Pour la première fois depuis plus de 50 ans, une grande rétrospective de Victor Vasarely est présentée dans un musée français. Le Centre Pompidou a inauguré Vasarely : Sharing Forms en février dernier, rassemblant plus de 300 objets, dont des œuvres d'art et des éphémères, documentant l'évolution esthétique complète de l'un des géants du modernisme du XXe siècle. L'exposition établit fermement Vasarely non seulement comme un grand artiste, mais aussi comme un grand idéaliste, celui qui croyait qu'il n'y avait pas de frontière entre l'art et la vie quotidienne. Né en 1907 à Pécs, en Autriche-Hongrie, Vasarely s'inscrit à l'école Műhely (atelier), la version locale du Bauhaus à Budapest, en 1918. L'école était dirigée par l'artiste et graphiste Sándor Bortnyik. Après deux années d'études chez Bortnyik, Vasarely s'installe à Paris et entame une carrière de graphiste. Son ambition était d'appliquer les leçons visuelles du modernisme au monde des communications de masse. L’une de ses premières œuvres les plus célèbres, « Zebra » (1937), incarne l’espace liminal où les disciplines apparemment distinctes de l’art et du design fusionnent pour n’en faire qu’une. La composition linéaire en noir et blanc montre deux zèbres emmêlés, peut-être au combat, peut-être amoureux. L'image déclare habilement Vasarely maître de la perspective en démontrant sa capacité à transformer une surface plane en un champ cinétique tridimensionnel. Pourtant, à ce jour, les critiques se demandent si cette œuvre et ses autres premières œuvres doivent être classées dans la catégorie de l’art ou du design. En fait, la dernière fois qu'une grande étude de son œuvre a été réalisée en France, c'était en 1963, alors que l'artiste n'avait que 57 ans, au Musée des Arts Décoratifs, non pas un musée des beaux-arts, mais un musée des arts décoratifs et du design. . Cependant, à peine deux ans plus tard, Vasarely a été inclus dans The Responsive Eye, l'exposition historique du Musée d'art moderne qui a établi les principaux artistes du mouvement Op Art. Vasarely : Sharing Forms rassemble tous les aspects de son travail de manière universelle. Plutôt que de forcer les définitions, cette exposition respecte les complexités et les nuances de sa vision, offrant un élargissement indispensable de l'histoire de Vasarely.

L'éternel réformateur

Lorsque Vasarely a commencé sa carrière en tant que designer graphique, il considérait la publicité comme la forme de culture visuelle la plus omniprésente, il s'est donc donné pour mission de la transformer en l'adaptant aux langages visuels du Cubisme, du De Stijl, du Suprématisme et d'autres positions modernistes précoces. Cependant, après la Seconde Guerre mondiale, il a changé son approche et a décidé que plutôt que d'utiliser l'art pour réformer le design, il chercherait dans le monde réel des indices sur la façon de transformer l'art. Il a pris note de tout ce qui l'entourait visuellement, des structures architecturales aux motifs d'ombre et de lumière tombant sur des formes naturelles, en passant par les surfaces des cristaux. Il a réalisé qu'il existe un espace esthétique dans lequel les principes de l'abstraction géométrique coexistent avec les principes des mondes naturel et construit. Des œuvres comme "Kiruna" (1952) montrent comment il a décomposé le monde visuel en ses éléments de base les plus essentiels, tels que des cercles et des carrés, et en la palette de couleurs la plus simple possible.

Victor Vasarely - Re.Na II A, 1968. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo avec l'aimable autorisation de IdeelArt.

Même s'il avait commencé à développer son propre langage visuel véritablement unique, Vasarely est resté un réformateur. Il percevait que ses compositions géométriques n'étaient pas encore complètes. Elles avaient besoin d'un aspect supplémentaire : l'apparence du mouvement. Mais plutôt que de créer de l'art cinétique réel, comme les mobiles de Alexander Calder, Vasarely s'intéressait à la façon dont le cerveau percevait le mouvement. Il observait comment les vagues à la surface de l'eau, ou dans la chaleur du soleil, créent l'illusion que l'espace est déformé, et que les objets solides sont fluides. Il a appliqué cette réflexion à ses compositions, introduisant des motifs de vagues dans ses compositions géométriques, et semblant déformer les surfaces des œuvres. Dans des peintures comme "Re.Na II A" (1968), la surface semble se gonfler vers l'extérieur. Dans d'autres peintures, la surface semble s'effondrer. Plus étonnant encore, dès que l'œil s'accroche à ce qu'il voit dans ces motifs de vagues, l'image semble se déplacer, donnant à la fois l'illusion d'un espace tridimensionnel et l'impression de mouvement.

Victor Vasarely - Zante, 1949. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo avec l'aimable autorisation de IdeelArt.

Un langage visuel universel

L'un des aspects les plus idéalistes de l'héritage de Vasarely a été sa création de « l'unité plastique » : un outil visuel de base qui peut être adapté pour créer une infinité de compositions visuelles. L'unité en plastique Vasarely se compose d'une forme géométrique d'une couleur qui contient une deuxième forme géométrique différente d'une autre couleur à l'intérieur, par exemple un carré bleu entourant un cercle rouge, ou vice versa. En termes contemporains, l’unité plastique est comme un pixel. Vasarely combinait les unités plastiques dans diverses combinaisons géométriques, puis utilisait la ligne et la couleur pour introduire des vagues dans les compositions. Ce langage visuel simple était véritablement démocratique, puisqu’il pouvait facilement être copié par n’importe qui. L'universalité du style a même incité Vasarely à se demander à nouveau comment utiliser ce qu'il avait créé pour affecter positivement la vie quotidienne des citoyens.

Victor Vasarely - Forme 1009 décor 5110, vers 1973. Édition 23/50. Forme 1008 décor 5105, vers 1973. Édition de 75. Forme 1008 décor 5104, vers 1973. Édition 17/75. Forme 1009 décor 5108, vers 1973. Édition 22/50. Forme 1007 décor 5101, vers 1973. Édition 27/100. Forme 1008 décor 5106, vers 1973. Édition 61/75. Forme 1010 décor 5112, vers 1973. Édition 31/100. Forme 1007 décor 5100, vers 1973. Édition 6/100. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo avec l'aimable autorisation de IdeelArt.

Comme le montre magnifiquement Vasarely : Sharing Forms, Vasarely a conçu de nombreuses stratégies pour amener son art dans l’espace public. Il a créé une multitude de peintures murales, d'affiches et même de designs industriels, comme le service à café et dessert de 21 pièces qu'il a conçu pour Rosenthal. Il a créé des logos pour des entreprises telles que Renault et le Musée du Cinéma, entre autres. Et il s'est consacré à la création de tous types d'art dans les espaces publics. Il imaginait ce qu’il appelait une « ville polychrome du bonheur », où ses ouvrages publics vibrants, colorés et géométriques donneraient vie aux « banlieues sombres et grises ». Tout au long de cette exposition, nous voyons à quel point la plasticité est commune à toutes les formes de culture visuelle. Vasarely a bien sûr démontré à quel point il s’agit d’un élément essentiel des beaux-arts. Mais il considérait également la plasticité comme essentielle dans les pierres mêmes utilisées pour construire la ville, ainsi que dans les couleurs et les nuances de la lumière tombant sur la nature. Les séparations artificielles entre les domaines de l’art, du design, de la mode, du cinéma, de l’architecture et même de la publicité s’effacent lorsque l’on considère ainsi l’ensemble de la culture visuelle. C’est la leçon que Vasarely a enseignée : que l’art est partout. Vasarely : Sharing Forms est visible au Centre Pompidou jusqu'au 6 mai 2019.

Image à la une : Victor Vasarely - Alom, 1968. Vue d'installation au Centre Pompidou, Paris, 2019. Photo courtoisie IdeelArt.
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio