आर्मन ने असेंबलेज को कैसे पुनर्परिभाषित किया
किसी कला प्रेमी के लिए इससे अधिक रोमांचक कुछ नहीं हो सकता कि वह कलाकार की कहानी सीधे उसी कलाकार के शब्दों में सुने। यह कहानी कि कैसे युवा आर्मंड फर्नांडीज ने खुद को आर्मन में बदल लिया, जो 20वीं सदी के सबसे नवोन्मेषी वैचारिक कलाकारों में से एक थे, 1968 में अमेरिकी कला अभिलेखागार के लिए रिकॉर्ड किए गए एक आर्मन कलाकार साक्षात्कार में प्रत्यक्ष रूप से सुनाई गई। इस मनमोहक साक्षात्कार में, आर्मन अपने जीवन की कहानी उस समय तक के आकर्षक विवरण के साथ बताते हैं। वह अपने युद्ध पूर्व के युवावस्था को याद करते हैं, जब वह नाइस में अपने प्रेमपूर्ण माता-पिता के साथ बड़े हुए थे। उनके पिता एक प्रतिष्ठित परिवार से थे, अत्यंत कोमल स्वभाव के थे, एक "रविवार (शौकिया) चित्रकार" थे और एक प्राचीन वस्तुओं की दुकान के मालिक थे। आर्मन की माता एक गरीब परिवार से थीं और उनके पति के धनी रिश्तेदारों द्वारा स्वीकार नहीं की जाती थीं। वह मजबूत, प्रतिभाशाली और केंद्रित थीं और एक कुशल संगीतकार थीं। आर्मन नाजी कब्जे के दौरान लगभग भूखे मरने की बात याद करते हैं, और गर्व से अपने युद्धोत्तर कला इतिहास और जुडो शिक्षा के बारे में बताते हैं। अंत में वह उन साहसिक घटनाओं के बारे में बताते हैं जिनके कारण वे नवो यथार्थवाद के संस्थापक सदस्य बने, एक ऐसा आंदोलन जिसे उन्होंने साक्षात्कार में कहा कि "बीस मिनट तक चला।"
आर्मन, क्लेन और पास्कल ने दुनिया को बांटा
कैसे आर्मन नए यथार्थवाद के संस्थापक सदस्यों के साथ जुड़े, यह कहानी तीन युवा मित्रों की है जो द्वितीय विश्व युद्ध के बाद यूरोप की यात्रा कर रहे थे। एक दोपहर ये तीनों मित्र (आर्मन, कलाकार इव क्लेन और कवि क्लॉड पास्कल) समुद्र तट पर थे। जैसा कि आर्मन बताते हैं, “...हमने राजा बनने का फैसला किया, लेकिन ऐसे राजा नहीं जो ताज पहनें, बल्कि जिम्मेदार, जागरूक, उत्तरदायी राजा...और हमने दुनिया को बांट दिया। इव क्लेन को सब कुछ लेना था जो जैविक जीवन था...जीवित। क्लॉड पास्कल को सब कुछ लेना था जो प्राकृतिक था लेकिन जीवित नहीं, जैसे पत्थर। और मुझे, सब कुछ जो बनाया गया था।”
आर्मन - Déchéts Bourgeois (बुर्जुआ कचरा), 1959। © 2018 आर्मन स्टूडियो
अगले छह दशकों तक, आर्मन ने “सब कुछ जो बनाया गया था” पर अपनी पकड़ बढ़ाई, उत्पादन, उपभोग और विनाश की प्रक्रियाओं को सौंदर्यपूर्ण रूप से व्यक्त करते हुए। उन्होंने उत्पादों के विशाल संग्रह बनाए, समान वस्तुओं, मिली हुई वस्तुओं और कचरे के संग्रह पर ध्यान केंद्रित किया। उन्होंने संयोजन बनाए, प्रिंट और चित्र बनाए, मूर्तियां और उभार बनाए और अक्सर अपने निर्माणों को प्लेक्सीग्लास या कंक्रीट में संलग्न किया। उन्होंने बड़े पैमाने पर निर्मित उत्पादों पर आधारित एक दोहरावदार दृश्य भाषा की खोज पर ध्यान केंद्रित किया। उनके प्रचुर प्रयासों का परिणाम यह था कि 2005 में उनकी मृत्यु तक, आर्मन संयोजन तकनीक में काम करने वाले विश्व के सबसे प्रसिद्ध वैचारिक कलाकार बन गए थे।
आर्मन - Poubelle des Enfants (बच्चों का कचरा), 1960। © 2018 आर्मन स्टूडियो
संग्रह की कला
अपने पूरे करियर में आर्मन चीजें जमा करते रहे। वह जन्मजात संग्रहकर्ता थे। संग्रह की क्रिया की उनकी प्रारंभिक अभिव्यक्तियों में से एक कचरे के संग्रह और प्रदर्शन के रूप में थी। उन्होंने अपने कचरे के संग्रह को Poubelles (फ्रेंच शब्द जिसका अर्थ कूड़ेदान होता है) नामक कार्यों के रूप में प्रदर्शित किया। आर्मन के कुछ Poubelles लकड़ी या प्लेक्सीग्लास से बने डिब्बों में प्रदर्शित किए गए। शायद उनके सबसे प्रसिद्ध, भव्य और महत्वाकांक्षी Poubelle में, आर्मन ने पेरिस की गैलेरी आइरिस क्लर्ट के पूरे प्रदर्शनी क्षेत्र को कचरे से भर दिया। इस प्रदर्शनी का नाम "फुल अप" था और यह दो साल पहले उसी गैलरी में उनके मित्र इव क्लेन द्वारा आयोजित "द वोइड" नामक प्रदर्शनी का जवाब था, जिसमें गैलरी पूरी तरह सफेद रंग की गई थी और खाली थी सिवाय एक दीवार के खिलाफ एक खाली अलमारी के।
आर्मन के कोलेर्स - मोलिन क्यूबिस्ट, 1961। © 2018 आर्मन स्टूडियो
कचरे के अलावा, आर्मन समान वस्तुओं के संग्रह भी करते थे जो अभी भी उत्पाद के रूप में उपयोगी थीं। उन्होंने कपड़े इस्त्री, रबर स्टैम्प और पेंट की ट्यूब जैसी सरल वस्तुओं के संग्रह से शुरुआत की। अपने कचरे के संग्रह की तरह, उन्होंने इन संग्रहों को भी प्लेक्सीग्लास या लकड़ी के डिब्बों में संलग्न कर प्रदर्शित किया। 1960 के दशक तक, उन्होंने ऐसे वस्तुओं का संग्रह शुरू कर दिया था जिनका सौंदर्य प्रभाव अधिक नाटकीय था, जैसे कुल्हाड़ी, ड्रिल, संगीत वाद्ययंत्र, मशीन के पुर्जे, कार के पुर्जे और कपड़े। जब उन्होंने इन वस्तुओं को तीन-आयामी मूर्तिकला वस्तुओं में संयोजित करना शुरू किया, तो उन्होंने अंततः अपनी विशिष्ट संयोजन शैली बनाई।
आर्मन के कोलेर्स - ला हाचे दे बार्नी, 1962। © 2018 आर्मन स्टूडियो
आर्मंड फर्नांडीज की कला में एक ध्वंसात्मक सौंदर्यशास्त्र
अपने प्रतीकात्मक संग्रहों को संकलित करने और अपनी विशिष्ट संयोजन शैली बनाने के अलावा, जो उपभोग और अपशिष्ट के दृष्टिकोण से निर्मित वस्तुओं की जांच करती थी, आर्मन ने विनाश के बारे में भी बहुत सोचा। एक कार्यशैली में जिसे उन्होंने कोलेर्स कहा, आर्मन जानबूझकर वस्तुओं को तोड़ते या जलाते थे और फिर उनके टूटे हुए टुकड़ों को कैनवास पर अमूर्त रचनाओं में सजाते थे। फ्रेंच में कोलेर्स का अर्थ है क्रोध, और आर्मन इन कार्यों को अपनी "क्रोध की अभिव्यक्तियां" कहते थे। उनके कोलेर्स में पियानो, सैक्सोफोन और वायलिन जैसे संगीत वाद्ययंत्रों के साथ-साथ कॉफी मिल, टाइपराइटर और कैमरे जैसी रोजमर्रा की वस्तुओं को तोड़ना शामिल था।
आर्मन - सेलो कुर्सियां, 1993, कास्ट कांस्य से बने सेलो के आकार की कुर्सियां, 33 1/2 x 16 x 19 इंच। © 2018 आर्मन स्टूडियो
आर्मन ने विनाश को काटने के दृष्टिकोण से भी खोजा, वस्तुओं को खंडों में काटकर। अपने टूटे हुए वस्तुओं की तरह, वह अक्सर संगीत वाद्ययंत्रों को काटकर कैनवास पर प्रदर्शित करते थे। अन्य मामलों में, वह मूर्तिकला के हिस्सों को काटते थे, जैसे 1962 की जोन ऑफ आर्क की मूर्ति से उन्होंने उसके शरीर के बड़े हिस्से काटे। कभी-कभी ये कटे हुए वस्तुएं दार्शनिक पहेली जैसी लगती थीं, यह जांचने के लिए कि कोई वस्तु कैसे काम करती है, उसे अलग करके ताकि वह काम न करे। अन्य बार, जैसे 1997 के कटे हुए संयोजन द स्पिरिट ऑफ यामाहा में, ये विचित्र या संभवतः हास्यास्पद लगते थे।
आर्मन - सेक्शन बुल्स, 1956, कागज पर रबर स्टैम्प के निशान, पैनल से जुड़े, 19.7 x 12.1 इंच। © 2018 आर्मन स्टूडियो
आर्मन निर्माता बनाम आर्मन कलाकार
आर्मन केवल मिली हुई वस्तुओं और कचरे में ही रुचि नहीं रखते थे। उत्पादों के संग्रह, उपभोग और विनाश की जांच के अलावा, आर्मन ने अपने करियर का एक बड़ा हिस्सा उत्पादन की क्रिया की जांच में बिताया। उन्होंने यह मूर्तिकला के माध्यम से किया। उन्होंने एक बार अपने मित्र इव क्लेन के नग्न शरीर का प्लास्टर मोल्ड बनाया, उसे कांस्य में ढाला और फिर उसे इव क्लेन नीला रंग दिया। और अपनी अन्य तकनीकों की तरह, वह अक्सर अपनी मूर्तियों में संगीत वाद्ययंत्रों के विषय पर लौटते थे। कभी-कभी उनकी संगीत वाद्ययंत्र मूर्तियां कई प्रतियों में बनाई जाती थीं, कभी-कभी उन्हें काटकर टुकड़ों में प्रदर्शित किया जाता था, और कभी-कभी वे उन्हें फर्नीचर जैसे मेज का आधार या कुर्सी में बदल देते थे।
आर्मन - अलुर औ ब्रेटेल, 1958, कागज पर स्याही, कैनवास पर चढ़ाया गया, 150 x 204 सेमी। © 2018 आर्मन स्टूडियो
द्वि-आयामी कार्य
आर्मन द्वि-आयामी कला के भी प्रचुर निर्माता थे। अपनी विशिष्ट संयोजन शैली के आविष्कार से पहले, उन्होंने द्वि-आयामी कार्यों के साथ बहुलताओं की जांच शुरू की। उनकी बहुलताओं की प्रारंभिक जांचें उन्होंने कैशेट्स और अलुरेस के रूप में कीं। कैशेट्स दो-आयामी कार्य थे जो पारंपरिक रबर स्टैम्प का उपयोग करके सतह पर दोहराए गए निशानों से बनाए गए थे। अलुरेस समान थे, लेकिन इनमें स्याही में डूबे सामान्य वस्तुओं के स्टैम्प जैसे प्रभावों का उपयोग करके अमूर्त रचनाएं बनाई गईं।
आर्मन - शीर्षक रहित, 1994, ऐक्रेलिक पेंट और ब्रश कैनवास पर चढ़ाए गए। © 2018 आर्मन स्टूडियो
अपने ब्रश पेंटिंग्स नामक कार्यों के माध्यम से, आर्मन ने अपने द्वि-आयामी कार्यों और संग्रह तथा संयोजन की प्रथा के बीच वैचारिक अंतर को पाट दिया। इन कार्यों में, उन्होंने माध्यम को द्वि-आयामी सतह पर लगाने के लिए ब्रश का उपयोग किया और फिर ब्रश को सतह से जोड़ दिया। परिणामस्वरूप एक चित्र बना जिसमें चित्रित करने वाले ब्रश के मूर्तिक तत्व शामिल थे। आर्मन ने अपने करियर में कई बार क्यूबिस्टों को श्रद्धांजलि और संदर्भ दिए, लेकिन ये कृतियां समय और प्रक्रिया को पकड़ने की उनकी क्षमता में एक वैचारिक विजय का प्रतिनिधित्व करती हैं, जो अपनी उपस्थिति में चार-आयामी हो जाती हैं, और क्यूबिस्टों के लिए प्रिय कुछ हासिल करती हैं।
आर्मन - लॉन्ग टर्म पार्किंग, 1982। © 2018 आर्मन स्टूडियो
आर्मन की सार्वजनिक विरासत
आर्मन की सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक उनकी प्रामाणिकता है। कम उम्र से ही वह एक संग्रहकर्ता और निर्मित वस्तुओं के प्रशंसक थे, जो उनके पिता के प्राचीन वस्तुओं के व्यापारी होने के कारण प्रोत्साहित था। वह संगीत के सच्चे प्रेमी थे, जो उनकी मां, एक सेलो वादक, द्वारा प्रोत्साहित था। युद्ध के दौरान, वह कई वर्षों तक अपने अधिकांश पड़ोसियों के साथ भूखमरी के कगार पर थे। ये प्रारंभिक प्रभाव संगीत वाद्ययंत्रों की सौंदर्यशास्त्र की सराहना, जमा किए गए, बर्बाद और फेंके गए संसाधनों के प्रति आकर्षण, और संग्रह, संरक्षण और सुरक्षा के प्रेम के रूप में प्रकट हुए।
आर्मन - नुइत्स दे चीन, 1976। © 2018 आर्मन स्टूडियो
जब वह 1960 के दशक में अमेरिका आए, तो उन्होंने उस संस्कृति को देखा जो उन्होंने युद्धोत्तर यूरोप में छोड़ी थी उससे बिलकुल अलग थी। उन्होंने ऐसी व्यापक उपभोग संस्कृति देखी जो दुनिया ने पहले कभी नहीं देखी थी। उस संस्कृति पर उनकी स्थायी टिप्पणी उनके एक भव्य सार्वजनिक मूर्तिकला में सबसे अच्छी तरह से संक्षिप्त है, जो 18 मीटर ऊंचा है और जिसका नाम लॉन्ग टर्म पार्किंग है। यह कृति 60 कारों से बनी है जो कंक्रीट में संलग्न हैं।
आर्मन - द स्पिरिट ऑफ यामाहा, 1997, कटा हुआ भव्य पियानो यामाहा मोटरसाइकिलों के साथ। © 2018 आर्मन स्टूडियो
हालांकि इसके अर्थ में संभवतः अस्पष्टता हो, यह मूर्ति, आर्मन के कई कार्यों की तरह, कुछ सहज और आधुनिक बात कहती है जिससे कोई भी समकालीन मानव अछूता नहीं रह सकता। यह संयोजन की अवधारणा को दर्शाती है: अलग-अलग हिस्सों को जोड़ना, हमारे फेंके गए टुकड़ों, टूटे हुए हिस्सों, मलबे और हमारी सामूहिक पहचान को कुछ अर्थपूर्ण और यदि हम भाग्यशाली हों तो सुंदर में बदलना।
मुख्य छवि: आर्मन - Accumulation Renault No. 106, 1967
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा
