कैसे लैटिन अमेरिकी कलाकारों ने आधुनिक कला की हमारी धारणाओं को बदला

अलेक्जेंडर अल्बेरो, जो बर्नार्ड कॉलेज में कला इतिहास के प्रोफेसर और विभागाध्यक्ष हैं, की एक नई पुस्तक 20वीं सदी में सार कला के वैश्विक विकास की अंतर्दृष्टि प्रदान करती है। इस पुस्तक का शीर्षक है उलटाव में सार: बीसवीं सदी के मध्य में पुनः विन्यस्त दर्शक-लैटिन अमेरिकी कला। यह पुस्तक यह जांचती है कि कैसे लैटिन अमेरिकी कलाकारों ने 1940 के दशक से यूरोपीय आधुनिकता को ग्रहण किया और फिर उस पर प्रतिक्रिया दी। विशेष रूप से, अल्बेरो ने महत्वपूर्ण लैटिन अमेरिकी कलाकारों जैसे जीसस राफेल सोटो, जूलियो ले पार्क और टोमस माल्डोनाडो के कार्यों को देखा है, और यह समझा है कि ये कलाकार यूरोपीय कला आंदोलन, जिसे कंक्रीट आर्ट कहा जाता है, की दार्शनिकताओं से कैसे प्रभावित हुए। कंक्रीट आर्ट का सार यह है कि सौंदर्यात्मक घटनाएँ सीधे कलाकार के मन से उत्पन्न होनी चाहिए, न कि प्राकृतिक संसार पर आधारित। कंक्रीट आर्ट शुद्ध, सार्वभौमिक तत्वों जैसे तल, आकृतियाँ, रूप, रेखाएँ और रंगों के उपयोग की मांग करता है, और भावुकता, नाटक, कथा और प्रतीकवाद को समाप्त करता है। मूलतः, कंक्रीट आर्ट केवल स्वयं का संदर्भ देता है। कंक्रीटिज़्म की दार्शनिकताएँ 20वीं सदी के मध्य के लैटिन अमेरिकी कलाकारों के लिए आकर्षक थीं, जो अपनी तेजी से वैश्वीकरण हो रही संस्कृति के प्रति प्रतिक्रिया के तरीके खोज रहे थे। कंक्रीट आर्ट ने सभी लोगों को राष्ट्रीयता, जाति, लिंग या अन्य कृत्रिम भेदों से परे जोड़ने की रणनीति प्रदान की। लेकिन जैसा कि अल्बेरो अपनी पुस्तक में बताते हैं, 20वीं सदी के मध्य के लैटिन अमेरिकी कलाकारों ने यूरोपीय कंक्रीट कलाकारों के कार्यों की केवल नकल नहीं की। उन्होंने कंक्रीट आर्ट के मूल विचारों को लिया और उन्हें कहीं अधिक जटिल रूप में परिवर्तित किया। जैसे-जैसे वे अल्बेरो द्वारा पोस्ट-कंक्रीट कलाकार कहा गया, विकसित हुए, इन कलाकारों ने एक सौंदर्य दृष्टिकोण विकसित किया जिसने कला की परिभाषा को गहराई से बदल दिया, और आज भी यह प्रभावित करता है कि हम कला की भूमिका को अपनी दैनिक जीवन में कैसे समझते हैं।

उत्पादक गलतफहमियाँ

आज हम यह सहज मान लेते हैं कि हम इंटरनेट के माध्यम से दुनिया भर की छवियों तक कितनी आसानी से पहुँच सकते हैं, और कलाकारों के कार्यों के विस्तृत विवरण और व्याख्याएँ प्राप्त करना कितना सरल है, चाहे वे कहीं भी रहते हों। लेकिन जैसा कि अल्बेरो बताते हैं, 1940 के दशक के लैटिन अमेरिका में कलाकारों के लिए अन्य स्थानों में बनाई जा रही कला की जानकारी प्राप्त करना काफी कठिन था। अल्बेरो बताते हैं कि जब यूरोपीय आधुनिकता का अध्ययन करने की कोशिश की गई, तो लैटिन अमेरिकी कलाकारों के पास केवल काले और सफेद छवियों की प्रतियाँ थीं। इस आंशिक पहुँच ने उन्हें "उत्पादक गलतफहमियाँ" पैदा करने के लिए प्रेरित किया। उदाहरण के लिए, अल्बेरो एक कथा का उल्लेख करते हैं जिसमें कलाकार जीसस राफेल सोटो के बारे में कहा गया है, "जब सोटो ने अंततः एक मोंड्रियन को देखा, तो उन्होंने महसूस किया कि वे पूरी तरह गलत थे।"

रंग पिएट मोंड्रियन के कार्य का एक महत्वपूर्ण तत्व है, लेकिन काले और सफेद छवि में वह आवश्यक तत्व स्पष्ट रूप से खो जाता है। और सोटो द्वारा देखी गई खराब गुणवत्ता वाली प्रतियों ने यूरोपीय आधुनिकतावादी चित्रों की सतह की बनावट को पूरी तरह से चिकना दिखाया। लेकिन जबकि ये गलतफहमियाँ सोटो और अन्य लैटिन अमेरिकी कलाकारों को मोंड्रियन जैसे कलाकारों के वास्तविक सौंदर्य इरादों को समझने से रोकती थीं, उन्होंने अपनी व्याख्या विकसित की कि उनके कार्य में प्रकट संभावनाएँ क्या हो सकती हैं। उन्होंने सीमित रंगों और चिकनी सतहों को सच्ची आधुनिकता के बयान के रूप में व्याख्यायित किया, जो सरलीकरण के माध्यम से शुद्ध की गई थी। और अपनी गलतफहमियों के बावजूद, उन्होंने कंक्रीट आर्ट के सबसे आवश्यक तत्व को समझा: कि एक कलाकृति अपनी स्वयं की तर्कशक्ति रखती है जिसे किसी भी पूर्वनिर्धारित अर्थ की व्याख्या के बिना समझा जा सकता है।

टोमस माल्डोनाडो - एंटी-कोर्पी सिलिंड्रिसी, 2006 (बाएं) और बिना शीर्षक (दाएं), © टोमस माल्डोनाडो

कंक्रीटिज़्म से परे

अर्थ की अवधारणा लैटिन अमेरिकी पोस्ट-कंक्रीट कलाकारों के लिए अत्यंत महत्वपूर्ण थी। पहले, कला की सामान्य अवधारणा यह थी कि कलाकार कुछ पहले से स्टूडियो में बनाते हैं और फिर उस कला वस्तु को एक विशेष स्थान पर प्रदर्शित करते हैं जहाँ दर्शक उसे देख सकें। कलाकार एक वस्तु का निर्माता होता था, और उस वस्तु में अर्थ उस समय और स्थान के साथ जुड़ा होता था जहाँ वह बनाई गई थी। इसलिए दर्शक कला की तुलना में गौण होते थे। चाहे वे अपनी व्यक्तिगत व्याख्याएँ प्रस्तुत करें, अंततः उन्हें कलाकार या आलोचक, इतिहासकार या शिक्षाविदों द्वारा प्रस्तुत व्याख्या को स्वीकार करना पड़ता था। और यहां तक कि कंक्रीट आर्ट, अपनी आधुनिक दृष्टिकोण के बावजूद, कलाकारों को वस्तु निर्माता और दर्शकों को वस्तु के निरीक्षक के रूप में मानता था।

लेकिन अल्बेरो के अनुसार, लैटिन अमेरिकी पोस्ट-कंक्रीट कलाकारों ने इस विचार को उलट दिया। उन्होंने इस विचार को अस्वीकार किया कि कला का अर्थ प्रदर्शनी से पहले ही उसमें समाहित होता है। उन्होंने कल्पना की कि शायद कला का निर्माण केवल अर्थ के अनुभव की पहली कड़ी है, जो अंततः उसके अस्तित्व से उत्पन्न हो सकता है। इस दार्शनिक परिवर्तन का वर्णन करते हुए, अल्बेरो ने "सौंदर्यात्मक क्षेत्र" शब्द गढ़ा। वे सौंदर्यात्मक क्षेत्र को उस परिस्थिति के रूप में वर्णित करते हैं जहाँ एक कलाकृति और दर्शक मिलते हैं। सौंदर्यात्मक क्षेत्र में एक भौतिक स्थान शामिल होता है, जैसे गैलरी या सार्वजनिक चौक; उस स्थान की स्थितियाँ, जैसे प्रकाश, जलवायु या परिवेशीय शोर; कलाकृति और दर्शक; और यह तीन-आयामी और चार-आयामी वास्तविकता को भी शामिल करता है, अर्थात् न केवल ठोस वस्तुएँ, बल्कि उन वस्तुओं के बीच समय में घटित होने वाले अनुभव और संबंध भी।

जूलियो ले पार्क - अल्किमिया, 1997, कागज पर ऐक्रेलिक, 22 4/5 × 31 1/2 इंच, 58 × 80 सेमी, फोटो क्रेडिट्स गैलेरिया नारा रोस्लर

दुनिया का ताना-बाना

दूसरे शब्दों में, अल्बेरो तर्क करते हैं कि कलाकृति को सौंदर्यात्मक क्षेत्र के भीतर घटित होने वाले गतिशील अनुभव के केवल एक तत्व के रूप में रखकर, लैटिन अमेरिकी पोस्ट-कंक्रीट कलाकारों ने कला को मानव समाज में पुनः सम्मिलित किया। दर्शक अब केवल कलाकृति के अर्थ पर विचार नहीं करते, बल्कि वे कलाकृति के साथ मिलकर एक ऐसा अर्थ बनाते हैं जो लचीला और क्षणभंगुर होता है। और कलाकृति अब एक पूर्वनिर्धारित वस्तु के रूप में अकेले मौजूद नहीं रहती, बल्कि ऐसी परिस्थितियाँ बनाई जा सकती हैं जहाँ कलाकृति केवल व्यापक वास्तविकता के ताने-बाने का एक हिस्सा होती है। निश्चित रूप से, कलाकृति के अपने विशिष्ट पहलू हो सकते हैं, जैसे आकृतियों या रंगों की विशेष व्यवस्था, लेकिन ये पहलू अब दर्शकों द्वारा सौंदर्यात्मक क्षेत्र के भीतर देखे जाने पर महत्व के बदलते स्तर रख सकते हैं।

कलाकृति और दर्शकों के बीच इस बदलते संबंध प्रणाली का अर्थ है कि प्रत्येक पोस्ट-कंक्रीट कला का कार्य एक गतिशील, गतिशील तत्व के रूप में परिभाषित किया जा सकता है, जो एक बड़े सामाजिक अनुभव का हिस्सा है, जो कलाकृति से भी अधिक प्राथमिकता रखता है। अल्बेरो द्वारा प्रस्तुत एक प्रमुख उदाहरण जीसस राफेल सोटो हैं, जिन्होंने इस विचार के विकास को प्रदर्शित किया। जो कोई भी सोटो द्वारा उनके परिपक्व चरण में बनाए गए पेनिट्राब्लेस से परिचित है, वह समझ जाएगा क्यों। सोटो ने अपने पेनिट्राब्लेस को कई लटकती हुई प्लास्टिक की डोरियों से बनाया। डोरियों के कुछ हिस्सों को रंगकर, वे ऐसा प्रभाव देते कि मानो एक ठोस रूप हवा में लटका हो। लेकिन दर्शकों को केवल पेनिट्राब्लेस की प्रशंसा करने और देखने के बजाय, उन्हें डोरियों के जंगल में चलने के लिए प्रोत्साहित किया जाता है, जिससे डोरियाँ हिलती हैं और ठोस वस्तु का भ्रम टूट जाता है। प्रत्येक दर्शक दृश्य के अलावा स्पर्श, गंध और श्रवण जैसी विभिन्न संवेदनाओं का अनुभव करता है। इसलिए प्रत्येक दर्शक का व्यक्तिगत अनुभव उस कलाकृति के अर्थ के प्रति एक अनूठा अनुभवात्मक निर्णय की ओर ले जाता है—एक ऐसा अर्थ जो कलाकृति से परे जाकर उस जीवन के व्यापक अनुभव से जुड़ा होता है जो दर्शक कर रहा होता है।

जीसस राफेल सोटो - कर्बेस इम्मटेरियल्स, 1982, लकड़ी और एल्यूमिनियम, 98 2/5 × 196 9/10 इंच, 250 × 500 सेमी, फोटो क्रेडिट्स ला पाटिनोयर रॉयल, ब्रुसेल्स

पोस्ट-कंक्रीट विरासत

आधुनिकतावादी कला इतिहास के एक कम आंके गए पहलू को उजागर करने के अलावा, उलटाव में सार समकालीन समाज में कला की भूमिका के बारे में एक बेहतर समझ भी प्रदान करता है। अर्थात्, वास्तव में कला की भूमिका के बारे में कोई सामान्य सहमति नहीं है, या क्या इसका कोई विशिष्ट कार्य है। राजनेता तर्क करते हैं कि कला शिक्षा के कोई मापनीय लाभ नहीं हैं। इस बीच, कला बाजार फल-फूल रहा है, और साथ ही इसकी आलोचना भी हो रही है कि यह कला के बढ़ते वाणिज्यिक मूल्य को प्राथमिकता देता है। मुख्यधारा की कला समीक्षा केवल आलोचनात्मक टिप्पणियों या व्यक्तिगत रुचि पर आधारित प्रशंसाओं का संग्रह बन गई है। और कोई भी व्यापक संदर्भ में सौंदर्यात्मक घटनाओं के सार्वभौमिक मूल्य को स्पष्ट रूप से व्यक्त करने में असमर्थ या अनिच्छुक प्रतीत होता है।

शायद कला अपने कथित अर्थ प्रदाता के रूप में अद्वितीय नहीं है। आखिरकार, यदि कला का अर्थ और उद्देश्य दर्शकों द्वारा सौंदर्यात्मक क्षेत्र के भीतर निर्धारित होता है, तो इसका मतलब है कि एक कलाकृति को दूसरी कलाकृति से बदला जा सकता है बिना समग्र अनुभव को प्रभावित किए। इस संदर्भ में, क्या कलाकृति को फुटबॉल मैच, आतिशबाजी, या राजनीतिक भाषण से बदला जा सकता है? क्या दर्शकों द्वारा अर्थ निर्माण का अंतिम परिणाम समान होगा? यह पुस्तक सूक्ष्मता से सुझाव देती है कि लैटिन अमेरिकी पोस्ट-कंक्रीट कलाकारों ने लगभग एक सदी बाद हम जो समझ रहे हैं, उसे पहले ही देख लिया था: कि कला सौंदर्यात्मक घटना के निर्माण में सहायता कर सकती है, लेकिन अर्थ का निर्माण संभवतः लोगों के एक साथ आकर उस सौंदर्यात्मक घटना को साझा करने के सामान्य सामाजिक अनुभव से होता है, न कि कला से स्वयं।

जूलियो ले पार्क - क्लोइसन à लमेस रिफ्लेक्सिसांटेस, 1966-2005, स्टील, लकड़ी, प्रकाश, 90 3/5 × 103 9/10 × 31 1/2 इंच, 230 × 264 × 80 सेमी, फोटो क्रेडिट्स गैलेरिया नारा रोस्लर

मुख्य छवि: जीसस राफेल सोटो - वाइब्रेशन्स, 1967, स्क्रीन प्रिंट ऑन प्लेक्सीग्लास, ऐक्रेलिक, 11 3/5 × 16 1/2 × 3 1/10 इंच, 29.5 × 42 × 8 सेमी, फोटो क्रेडिट्स गैलेरी हंस मेयर, डसेलडोर्फ

सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं

फिलिप Barcio द्वारा