बाहरी कलाकार जिनके काम को अमूर्त के रूप में देखा जाता है

आउटसाइडर आर्ट एक सर्वसमावेशी शब्द है जो उन कलाकारों का वर्णन करता है जो औपचारिक कला की दुनिया के बाहर काम करते हैं। आउटसाइडर कलाकार आमतौर पर आत्म-शिक्षित होते हैं। कभी-कभी वे लोक परंपराओं में काम करते हैं। अन्य समय वे संस्थागत होते हैं, या तो क्योंकि उन्होंने आपराधिक कृत्य किए हैं या क्योंकि वे कुछ मानसिक वास्तविकताओं का सामना कर रहे हैं जो उन्हें गंभीर रूप से कमजोर या संभवतः खतरनाक बनाती हैं। इसकी सौंदर्यात्मक कच्चापन के अलावा, आउटसाइडर आर्ट के बारे में जो आकर्षक होता है वह है कलाकारों का अस्पष्ट या अज्ञात इरादा। औपचारिक रूप से प्रशिक्षित कलाकार, चाहे वे करियर के लिए हों या सिर्फ शौक के लिए, लगभग हमेशा अपनी कला के बारे में बात करने में सक्षम होते हैं, अपने इरादों को स्पष्ट करते हैं, और इसे उन लोगों के लिए सही ठहराते हैं जो नहीं समझते। लेकिन आउटसाइडर कलाकार किसी मान्यता की तलाश नहीं करते, और लगभग हमेशा कोई औचित्य नहीं देते। वे अपनी वजहों से कला बनाते हैं, जो सामान्यतः हम में से बाकी लोगों से संबंधित नहीं होती। क्या आपको याद है जब आपने पहली बार कला बनाई थी? आपने ऐसा क्यों किया? क्या यह एक प्रवृत्ति थी? क्या आप कुछ की खोज में थे, जैसे कि सुंदरता? या क्या आप बस खेल रहे थे? वह सबसे प्रारंभिक कलात्मक प्रवृत्ति—निर्बाध, निर्दोष रचनात्मकता की चिंगारी जो हमें कुछ दृश्यात्मक प्रकट करने के लिए प्रेरित करती है—यही है जो हम अक्सर आउटसाइडर आर्ट में देखते हैं। आउटसाइडर आर्ट के समृद्ध इतिहास का जश्न मनाते हुए, आज हम आपके लिए छह अमूर्त आउटसाइडर कलाकारों को उजागर करते हैं। उनके इरादे स्पष्ट नहीं हो सकते, और उनके काम का अर्थ कभी सहमति में नहीं आ सकता। लेकिन उनकी सौंदर्यात्मक रचनाओं में हम कुछ सहज और शुद्ध देखते हैं, और कला में अमूर्तता के कार्य के लिए प्राथमिक।

अन्ना ज़ेमानकोवा

त्रासदी, आध्यात्मिकता और प्रकृति की सुंदरता ने अन्ना ज़ेमानकोवा के काम को प्रभावित किया। 1908 में मोराविया में जन्मी, जो आधुनिक चेक गणराज्य का हिस्सा है, उसने 20 साल की उम्र में परिदृश्य चित्रकला को स्वयं सीखा। लेकिन यह उसके 50 के दशक में था, जब वह कई स्थानांतरणों और अपने एक बच्चे की मृत्यु के बाद गहरी अवसाद में डूब गई, कि उसने कला की ओर वापसी की। चित्रित करते समय, उसने विश्वास किया कि वह आध्यात्मिक शक्तियों से जुड़ी हुई है, और वह एक चुंबकीय ऊर्जा को चैनल कर रही थी जिसे वस्तुनिष्ठ रूप से व्यक्त नहीं किया जा सकता था। जिन शक्तियों के साथ वह संवाद करती थी, उन्हें व्यक्त करने के लिए उसने अ抽象 रचनाएँ बनाई जो प्रकृति में, विशेष रूप से फूलों में, उसने जो पैटर्न, आकार और रंग देखे थे, से ढीले ढंग से प्रेरित थीं। उसकी पेंटिंग्स के लिए वह सबसे अधिक जानी जाती हैं, लेकिन पेंटिंग्स के अलावा, उसने जटिल लैंपशेड भी बनाए, शेड्स में छेद करके प्रकाश के साथ अमूर्त पैटर्न बनाने के लिए।

अन्ना ज़ेमानकोवा - बिना शीर्षक, 1980 के दशक, साटन कोलाज और कंबाइंड तकनीकें कागज पर (बाईं ओर) और बिना शीर्षक, पेस्टल कागज पर, 1970 के दशक (दाईं ओर)

पास्कल तस्सिनी

बेल्जियन कलाकार पास्कल तस्सिनी ने जीवन के अंत में कला बनाने के प्रति अपनी रुचि खोजी। एक जीवन भर की जुनूनी स्थिति के कारण खुद की पूरी देखभाल करने में असमर्थ, वह वयस्क होने पर अपने माता-पिता के साथ रहते थे जब तक कि वे नहीं गुजर गए। फिर उनके एक भाई ने उनकी देखभाल की और उन्हें बेल्जियम के लीज़ में क्रेआहम कार्यशाला से परिचित कराया। शुरुआत में, पास्कल केंद्र की सफाई और संगठन करने में संतुष्ट थे, लेकिन जल्द ही उन्हें कला बनाने की प्रेरणा मिली। उन्होंने पहले चित्रित और ड्रॉ किया, लेकिन फिर कपड़े से जटिल वस्तुएं बनाना शुरू किया। वह अक्सर विभिन्न वस्तुओं को जो उन्होंने खोजी या जो उन्हें उपहार में मिलीं, में लपेटते थे। अपनी कल्पना की एक तकनीक का उपयोग करते हुए, उन्होंने अपने लिए एक स्टूडियो तंबू भी बनाया जिसमें वह काम करते हैं। जो आगंतुक उन्हें देखना चाहते हैं, उन्हें पहले उन्हें एक प्रयोगशाला कोट पहनने और उनकी नाड़ी लेने की अनुमति देनी होती है, ताकि वह उन्हें उनके रोगों से ठीक कर सकें, इससे पहले कि वे उनके स्टूडियो में प्रवेश कर सकें।

पैस्कल तस्सिनी - बिना शीर्षक कपड़े के संयोजन

पैस्कल तस्सिनी - बिना शीर्षक कपड़े के संयोजन

यूजीन एंडोलसेक

कई बाहरी लोगों की तरह, यूजीन एंडोलसेक ने कभी खुद को एक कलाकार नहीं माना। उसने अपने रसोई के मेज पर ग्राफ पेपर पर पेन से आराम के लिए चित्र बनाए, जो दैनिक जीवन से एक विराम था। दशकों तक उसने अपने शानदार ज्यामितीय चित्रों को एक संदूक में इकट्ठा किया, जबकि वह एक रेलवे स्टेनोग्राफर के रूप में काम कर रहा था और अपनी बीमार माँ की देखभाल कर रहा था। जब वह रिटायर हुआ और उसकी माँ का निधन हो गया, तो अंततः उसने अपनी दृष्टि खो दी और एक देखभाल सुविधा में भर्ती होना पड़ा। वहाँ, एक कर्मचारी ने उसकी कला को खोजा और इसे कुछ खास के रूप में पहचाना। 2005 में, 84 वर्ष की आयु में, उसकी मृत्यु से तीन साल पहले, यूजीन ने पहली बार अपने काम को अमेरिकी लोक कला संग्रहालय में प्रदर्शित होते देखा। उसने अपने चित्रों को मिली सकारात्मक प्रतिक्रिया से आश्चर्यचकित था, क्योंकि उसने पहले उन्हें शायद रंगीन प्लेसमेट के रूप में उपयोगी माना था।

यूजीन एंडोलसेक - ग्राफ पेपर पर दो बिना शीर्षक ज्यामितीय अमूर्त स्याही चित्र

जूडिथ स्कॉट

जुडिथ स्कॉट की अमूर्त शिल्प रचनाएँ इस बाहरी कलाकार की मानवता की एक दिल को छू लेने वाली शक्तिशाली अभिव्यक्ति प्रदान करती हैं। जन्म से बहरा, मूक और डाउन सिंड्रोम से ग्रस्त, जुडिथ ने अपने जीवन के पहले चार दशकों का अधिकांश समय विभिन्न संस्थानों में दयनीय परिस्थितियों में बिताया। अंततः 1986 में, 44 वर्ष की आयु में, उसकी जुड़वां बहन ने जुडिथ की कस्टडी ली और उसे अपने साथ ओकलैंड, कैलिफोर्निया ले आई। वहाँ, जुडिथ ने क्रिएटिव ग्रोथ आर्ट सेंटर में कक्षाओं में नामांकन करने में सक्षम हो गई। वहीं, पहली बार, उसने कला बनाना शुरू किया। उसने विभिन्न वस्तुओं को इकट्ठा किया, उन्हें जटिल तंतुओं के जाल में लपेट दिया जब तक कि उनका रूप अस्पष्ट नहीं हो गया। परिणामी शिल्प कभी-कभी उस वस्तु के रूप को दर्शाते हैं जिससे उसने शुरुआत की थी और कभी-कभी नहीं। हालांकि वे कोकून के समान हैं, यह कहना अधिक सटीक है कि उन्होंने एक विपरीत, फिर भी परिवर्तनकारी प्रक्रिया का अनुभव किया है। ऐसा लगता है कि ढके होने के कारण उनकी मौलिक उपस्थिति प्रकट हो गई है।

जूडिथ स्कॉट द्वारा फाइबर-कोकून किया गया अमूर्त (बाएं) और जूडिथ स्कॉट अपनी एक रचना के साथ (दाएं)

तेत्सुआकी होट्टा

जापानी कलाकार तेत्सुआकी होट्टा को 19 वर्ष की आयु में मानसिक विकलांगता के रूप में वर्णित कारणों से संस्थागत किया गया था। लेकिन जब उन्होंने उस संस्थान में कला कक्षाएं लेना शुरू किया जहाँ वह रहते थे, तो यह जल्दी ही स्पष्ट हो गया कि उनकी उन्नत अमूर्त सोच की क्षमता बरकरार है। 1970 से, होट्टा ने विशेष रूप से घरों के समान अमूर्त ज्यामितीय रचनाएँ चित्रित की हैं। वह अपने कामों में मौजूद रूपों में पूरी तरह से रुचि नहीं रखते। वह रचनाओं का उपयोग केवल रंग और स्थान के परीक्षण के रूप में करते हैं एक सपाट सतह पर। एक साथ देखे जाने पर, ये अभिव्यक्तिपूर्ण, सहज चित्रकारी बाहरी कला के समकक्ष हैं, जो जर्मन-अमेरिकी कलाकार और शिक्षक जोसेफ अल्बर्स के काम के समान हैं, जिन्होंने अपने जीवन में इसी तरह रंग का अध्ययन किया अपने स्क्वायर को श्रद्धांजलि श्रृंखला के माध्यम से।

टेцуकी होट्टा - कला कार्य

डैन Miller

कैलिफ़ोर्निया के निवासी डैन Miller का पालन-पोषण सैन फ्रांसिस्को के पार एक शहर कैस्ट्रो वैली में हुआ। जन्म से ऑटिस्टिक, उन्होंने, जूडिथ स्कॉट की तरह, ओकलैंड में क्रिएटिव ग्रोथ आर्ट सेंटर में अपनी कलात्मक पहचान पाई। डैन Miller पाठ के साथ व्यस्त रहते हैं, इसका उपयोग न तो एक व्यक्तिपरक इकाई के रूप में करते हैं, बल्कि एक सौंदर्यात्मक माध्यम के रूप में करते हैं जिसके माध्यम से रचनात्मक और सौंदर्यात्मक अर्थ उत्पन्न किया जा सकता है। उनकी रचनाओं की तुलना अमूर्त कलाकार साइ ट्वॉम्बली के कामों से की गई है, जिन्होंने भी अपने चित्रों में चित्रात्मक रूपों और Sparse रंग पैलेट का उपयोग किया। हालांकि, ट्वॉम्बली के विपरीत, Miller वास्तविक पाठ का उपयोग करते हैं, जो उनके आंतरिक संसार से निकाला गया है, फिर इसे लगातार परतों में डालते हैं जब तक कि यह पठनीयता के एक बिंदु तक नहीं पहुँच जाता। उनके काम की व्यापक प्रशंसा की गई है, और यह न्यूयॉर्क मोमा में भी शामिल है।

Dan Miller - Untitled, UD, acrylic, marker on paper, 57 x 76 in

Dan Miller - Untitled (white over black), 2013, acrylic and ink on paper, 56 x 76 in

आवश्यक प्रवृत्तियाँ

इस लेख के लिए हमारे शोध के दौरान, हमें ब्रिटिश प्राणीविज्ञानी डेसमंड मॉरिस की दिलचस्प कहानी मिली। वैज्ञानिक के रूप में अपने काम के अलावा, मॉरिस एक बाहरी स्यूरियलिस्ट कलाकार थे। उन्होंने 1940 के दशक के अंत और 50 के दशक की शुरुआत में लंदन में अपनी कला प्रदर्शित की। लेकिन कला में उनका सबसे बड़ा योगदान तब सामने आया जब, 1957 में, उन्होंने अपने दिन के काम के एक सहयोगी द्वारा बनाए गए अमूर्त चित्रों को प्रदर्शित किया: एक चिम्पांजी जिसका नाम कांगो था। चिम्पांजी द्वारा बनाई गई अमूर्त कला का विचार बेवकूफी भरा लग सकता है। यह तो अपमानजनक भी लग सकता है। लेकिन दुनिया के कुछ सबसे प्रसिद्ध कलाकारों ने कांगो द्वारा बनाए गए चित्रों को हासिल करने के लिए डेसमंड मॉरिस की तलाश की। साल्वाडोर डाली और पाब्लो पिकासो ने प्रत्येक ने एक-एक चित्र रखा, और जोआन मिरो ने तो कांगो द्वारा बनाए गए चित्र के बदले में मॉरिस को अपने एक काम का व्यापार भी किया।

डाली, पिकासो और मिरो ने जो समझा वह यह था कि मनुष्यों में अन्य जानवरों के साथ एक प्राचीन, अमूर्त सौंदर्य की प्रवृत्ति साझा होती है। रचनात्मक कार्य इस ग्रह के निवासियों के रूप में हमारी सार्वभौमिक विरासत है। कई विभिन्न जानवर पैटर्न, आकार, रेखा, रंग, बनावट और संरचना की खोज में आनंद पाते हैं। डाली ने यहां तक कहा कि चिम्पांजी मानव की तरह चित्रित करता है, और जैक्सन पोलक जानवर की तरह चित्रित करता है। शायद यही कारण है कि हम आत्म-शिक्षित कलाकारों और अन्य लोगों के काम में इतना आनंद लेते हैं जो बाहरी कला बनाते हैं। वे हमारी आशा का प्रतिनिधित्व करते हैं कि हम सभी में कुछ शुद्ध, कच्चा, प्राचीन, आवश्यक और सार्वभौमिक है, और कि इसे कला के माध्यम से व्यक्त किया जा सकता है, और संभवतः समझा भी जा सकता है।

विशेष छवि: जूडिथ स्कॉट - उनके फाइबर-कोकून किए गए अमूर्तों में से एक
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा