बाहरी कलाकार जिनके काम को अमूर्त के रूप में देखा जाता है

आउटसाइडर कला एक समग्र शब्द है जो उन कलाकारों का वर्णन करता है जो औपचारिक कला जगत के बाहर काम करते हैं। आउटसाइडर कलाकार आमतौर पर स्व-शिक्षित होते हैं। कभी-कभी वे लोक परंपराओं में काम करते हैं। अन्य बार वे संस्थागत होते हैं, या तो इसलिए कि उन्होंने आपराधिक कृत्य किए हैं या क्योंकि वे कुछ मानसिक वास्तविकताओं का सामना कर रहे हैं जो उन्हें गंभीर रूप से असहाय या संभवतः खतरनाक बनाती हैं। इसकी सौंदर्यात्मक कच्चापन के अलावा, आउटसाइडर कला में जो आकर्षक होता है वह कलाकारों की अस्पष्ट या अज्ञात मंशा होती है। औपचारिक रूप से प्रशिक्षित कलाकार, चाहे वे इसे करियर के लिए करें या केवल शौक के लिए, लगभग हमेशा सक्षम होते हैं, और कभी-कभी तो इच्छुक भी होते हैं, अपनी कला के बारे में बात करने, अपनी मंशाओं को समझाने और उन लोगों को न्यायसंगत ठहराने के लिए जो इसे नहीं समझते। लेकिन आउटसाइडर कलाकार किसी मान्यता की तलाश नहीं करते, और लगभग हमेशा कोई औचित्य नहीं देते। वे अपनी वजह से कला बनाते हैं, जो आमतौर पर हमसे संबंधित नहीं होती। क्या आपको याद है जब आपने पहली बार कला बनाई थी? आपने ऐसा क्यों किया था? क्या यह एक सहज प्रवृत्ति थी? क्या आप कुछ खोज रहे थे, जैसे सुंदरता? या आप बस खेल रहे थे? वह सबसे प्रारंभिक कलात्मक प्रेरणा—निर्विवाद, मासूम रचनात्मकता की चिंगारी जो हमें कुछ दृश्य रूप में प्रकट करने के लिए प्रेरित करती है—यही हम अक्सर आउटसाइडर कला में देखते हैं। आउटसाइडर कला के समृद्ध इतिहास के उत्सव में, आज हम आपके लिए छह अमूर्त आउटसाइडर कलाकारों को उजागर करते हैं। उनकी मंशाएं स्पष्ट नहीं हो सकतीं, और उनके कार्य का अर्थ कभी सहमति में नहीं हो सकता। लेकिन उनकी सौंदर्यात्मक रचनाओं में हम कुछ सहज और शुद्ध देखते हैं, और कला में अमूर्तन की भूमिका के लिए प्राथमिक।

अन्ना ज़ेमांकोवा

त्रासदी, आध्यात्मिकता और प्रकृति की सुंदरता ने अन्ना ज़ेमांकोवा के कार्य को प्रभावित किया। 1908 में मोराविया में जन्मी, जो आज के चेक गणराज्य का हिस्सा है, उन्होंने अपने 20 के दशक में खुद से परिदृश्य चित्रकला सीखी। लेकिन यह तब तक नहीं था जब तक कि वे अपने 50 के दशक में गहरे अवसाद में नहीं डूब गईं, कई स्थानांतरणों और अपने एक बच्चे की मृत्यु के बाद, कि वे फिर से कला की ओर लौटीं। चित्र बनाते समय उन्हें विश्वास था कि वे आध्यात्मिक शक्तियों से जुड़ी हैं, और वे चुंबकीय ऊर्जा को चैनल कर रही थीं जिसे वस्तुनिष्ठ रूप से प्रदर्शित नहीं किया जा सकता। उन शक्तियों को व्यक्त करने के लिए जिनसे वे जुड़ी थीं, उन्होंने अमूर्त रचनाएं बनाईं जो loosely प्रकृति में देखे गए पैटर्न, आकृतियों और रंगों से प्रेरित थीं, विशेष रूप से फूलों में। उनकी पेंटिंग्स उनके लिए सबसे प्रसिद्ध हैं, लेकिन पेंटिंग्स के अलावा, उन्होंने जटिल लैंपशेड भी बनाए, जिनमें छेद करके प्रकाश के साथ अमूर्त पैटर्न बनाए।

अन्ना ज़ेमांकोवा - बिना शीर्षक, 1980 के दशक, साटन कोलाज और संयुक्त तकनीकें कागज पर (बाएं) और बिना शीर्षक, पेस्टल कागज पर, 1970 के दशक (दाएं)

पास्कल टैसिनी

बेल्जियम के कलाकार पास्कल टैसिनी ने जीवन के अंतिम चरण में कला बनाने का जुनून खोजा। एक जीवन भर की जुनूनी स्थिति के कारण स्वयं की पूरी देखभाल करने में असमर्थ, वे वयस्क के रूप में अपने माता-पिता के साथ रहते थे जब तक कि वे नहीं गुजरे। फिर उनके एक भाई ने उनकी देखभाल संभाली और उन्हें बेल्जियम के लीज़ में क्रेआहम कार्यशाला से परिचित कराया। शुरू में, पास्कल केंद्र की सफाई और व्यवस्था में संतुष्ट थे, लेकिन जल्द ही वे कला बनाने के लिए प्रेरित हुए। उन्होंने पहले चित्र बनाए और ड्राइंग की, फिर कपड़े से जटिल वस्तुएं बनाना शुरू किया। वे अक्सर विभिन्न वस्तुओं को लपेटते थे जो उन्हें मिलीं या उपहार स्वरूप दी गईं। अपनी कल्पना की तकनीक का उपयोग करते हुए, उन्होंने अपने लिए एक स्टूडियो तम्बू भी बनाया जिसमें वे काम करते हैं। जो आगंतुक उन्हें देखना चाहते हैं, उन्हें पहले उनकी अनुमति से एक लैब कोट पहनना होता है और उनकी नाड़ी नापनी होती है, जिससे वे उनके रोगों से ठीक हो जाते हैं, तभी वे उनके स्टूडियो में प्रवेश कर सकते हैं।

पास्कल टैसिनी - बिना शीर्षक कपड़े के संयोजन

पास्कल टैसिनी - बिना शीर्षक कपड़े के संयोजन

यूजीन एंडोलसेक

कई आउटसाइडरों की तरह, यूजीन एंडोलसेक ने कभी खुद को कलाकार नहीं माना। वे अपने रसोई की मेज पर आराम के लिए ग्राफ पेपर पर पेन से चित्र बनाते थे, जो दैनिक जीवन से एक विराम था। दशकों तक उन्होंने अपने शानदार ज्यामितीय चित्रों को एक संदूक में संजोया, जबकि वे रेलवे स्टेनोग्राफर के रूप में काम करते थे और अपनी बीमार मां की देखभाल करते थे। सेवानिवृत्त होने और अपनी मां के निधन के बाद, उन्होंने अंततः अपनी दृष्टि खो दी और खुद को एक देखभाल केंद्र में भर्ती कराना पड़ा। वहां, एक कर्मचारी ने उनकी कला को खोजा और इसे कुछ खास माना। 2005 में, 84 वर्ष की आयु में, तीन साल पहले उनकी मृत्यु के, यूजीन ने पहली बार अपनी कला प्रदर्शित होती देखी, अमेरिकी लोक कला संग्रहालय में। उन्हें अपनी पेंटिंग्स को मिली सकारात्मक प्रतिक्रिया देखकर आश्चर्य हुआ, क्योंकि वे पहले इन्हें अधिकतम रंगीन प्लेसमैट्स के रूप में उपयोगी मानते थे।

यूजीन एंडोलसेक - दो बिना शीर्षक ज्यामितीय अमूर्त स्याही चित्र ग्राफ पेपर पर

जुडिथ स्कॉट

जुडिथ स्कॉट की अमूर्त मूर्तिकला रचनाएं इस आउटसाइडर कलाकार की मानवता की हृदयविदारक शक्तिशाली अभिव्यक्ति प्रस्तुत करती हैं। जन्म से बहरी, मूक और डाउन सिंड्रोम से पीड़ित, जुडिथ ने अपने जीवन के लगभग पहले चार दशकों को विभिन्न संस्थानों में दयनीय परिस्थितियों में बिताया। अंततः 1986 में, 44 वर्ष की आयु में, उनकी जुड़वां बहन ने जुडिथ की कस्टडी ली और उन्हें कैलिफोर्निया के ओकलैंड में अपने साथ घर ले आई। वहां, जुडिथ क्रिएटिव ग्रोथ आर्ट सेंटर में कक्षाएं लेने में सक्षम हुईं। वहीं, उन्होंने पहली बार कला बनाना शुरू किया। उन्होंने विभिन्न वस्तुओं को इकट्ठा किया, उन्हें जटिल रेशमी जालों में लपेटा जब तक कि उनकी आकृति अस्पष्ट न हो गई। परिणामी मूर्तियां कभी-कभी उस वस्तु के रूप को प्रतिबिंबित करती हैं जिससे उन्होंने शुरुआत की थी, और कभी नहीं। वे कोकून जैसी दिखती हैं, लेकिन यह कहना अधिक सही होगा कि उन्होंने इसके विपरीत, फिर भी परिवर्तनकारी प्रक्रिया से गुजरी हैं। ऐसा लगता है जैसे ढके जाने से उनकी मूल उपस्थिति प्रकट हुई हो।

जुडिथ स्कॉट द्वारा रेशमी-लिपटी अमूर्तन (बाएं) और जुडिथ स्कॉट अपनी एक रचना के साथ (दाएं)

टेट्सुआकी होट्टा

जापानी कलाकार टेट्सुआकी होट्टा को 19 वर्ष की आयु में मानसिक अक्षमता के कारण संस्थागत किया गया था। लेकिन जब उन्होंने उस संस्था में कला कक्षाएं लेना शुरू किया जहां वे रहते थे, तो यह जल्दी ही पता चला कि उनकी उन्नत अमूर्त सोच की क्षमता बरकरार है। 1970 से, होट्टा ने विशेष रूप से अमूर्त ज्यामितीय रचनाएं बनाई हैं जो घरों जैसी दिखती हैं। वे अपने कार्यों में मौजूद रूपों में बिल्कुल भी रुचि नहीं रखते। वे रचनाओं का उपयोग केवल रंग और स्थान की जांच के लिए करते हैं, एक सपाट तल पर। साथ में देखे जाने पर, ये अभिव्यक्तिपूर्ण, सहज चित्र जर्मन-अमेरिकी कलाकार और शिक्षक जोसेफ अल्बर्स के कार्य के आउटसाइडर कला समकक्ष की तरह हैं, जिन्होंने अपने जीवन में इसी तरह रंग की जांच की अपनी Homage to the Square श्रृंखला के माध्यम से।

टेट्सुआकी होट्टा - कला कार्य

डैन मिलर

कैलिफोर्निया के मूल निवासी डैन मिलर को सैन फ्रांसिस्को के खाड़ी के पार कास्त्रो वैली नामक शहर में पाला गया था। ऑटिस्टिक जन्मे, वे, जुडिथ स्कॉट की तरह, ओकलैंड के क्रिएटिव ग्रोथ आर्ट सेंटर में अपनी कलात्मक पहचान पाए। डैन मिलर पाठ्य सामग्री में व्यस्त रहते हैं, इसे स्वयं एक अभिव्यक्तिपूर्ण इकाई के रूप में नहीं, बल्कि एक सौंदर्य माध्यम के रूप में उपयोग करते हैं जिसके माध्यम से रचनात्मक और सौंदर्यात्मक अर्थ उत्पन्न हो सकता है। उनकी रचनाओं की तुलना अमूर्त कलाकार साइ ट्वॉम्बली के कार्यों से की गई है, जिन्होंने भी अपनी पेंटिंग्स में अक्षरात्मक रूपों और विरल रंग पैलेट का उपयोग किया। हालांकि ट्वॉम्बली के विपरीत, मिलर वास्तविक पाठ का उपयोग करते हैं, जो उनके आंतरिक संसार से लिया गया है, फिर इसे लगातार परतों में डालते हैं जब तक कि वह पठनीयता से परे न पहुंच जाए। उनके कार्यों की व्यापक प्रशंसा हुई है, और वे न्यूयॉर्क के MoMA में भी शामिल हैं।

डैन मिलर - बिना शीर्षक, UD, ऐक्रेलिक, मार्कर कागज पर, 57 x 76 इंच

डैन मिलर - बिना शीर्षक (सफेद काले पर), 2013, ऐक्रेलिक और स्याही कागज पर, 56 x 76 इंच

मूल प्रवृत्तियाँ

इस लेख के लिए हमारे शोध के दौरान, हमें ब्रिटिश प्राणी विज्ञानी डेसमंड मॉरिस की रोचक कहानी मिली। वैज्ञानिक के रूप में अपने कार्य के अलावा, मॉरिस एक आउटसाइडर सुररियलिस्ट कलाकार भी थे। उन्होंने 1940 के दशक के अंत और 1950 के दशक की शुरुआत में लंदन में अपनी कला प्रदर्शित की। लेकिन उनका सबसे बड़ा योगदान तब हुआ जब, 1957 में, उन्होंने अपने सहकर्मी की अमूर्त पेंटिंग्स प्रदर्शित कीं: एक चिंपांजी जिसका नाम कांगो था। चिंपांजी द्वारा बनाई गई अमूर्त कला का विचार मूर्खतापूर्ण लग सकता है। यह अपमानजनक भी लग सकता है। लेकिन दुनिया के कुछ सबसे प्रसिद्ध कलाकारों ने डेसमंड मॉरिस से कांगो की पेंटिंग्स खरीदने के लिए संपर्क किया। साल्वाडोर डाली और पाब्लो पिकासो के पास प्रत्येक के पास एक थी, और जोआन मिरो ने अपनी एक कृति मॉरिस को कांगो की पेंटिंग के बदले दी।

डाली, पिकासो और मिरो ने यह समझा कि मनुष्य अन्य जानवरों के साथ एक मौलिक, अमूर्त सौंदर्यात्मक प्रवृत्ति साझा करते हैं। रचनात्मक कार्य इस ग्रह के निवासी के रूप में हमारी सार्वभौमिक विरासत है। कई विभिन्न जानवर पैटर्न, आकृति, रेखा, रंग, बनावट और रचना की खोज में आनंद पाते हैं। डाली ने यहां तक कहा कि चिंपांजी ने मानव की तरह चित्र बनाया, और जैक्सन पोलक ने जानवर की तरह चित्र बनाया। शायद यही कारण है कि हम स्व-शिक्षित कलाकारों और अन्य आउटसाइडर कलाकारों के कार्य में इतना आनंद लेते हैं। वे हमारी आशा का प्रतिनिधित्व करते हैं कि हम सभी में कुछ शुद्ध, कच्चा, मौलिक, आवश्यक और सार्वभौमिक है, और इसे कला के माध्यम से व्यक्त किया जा सकता है, और संभवतः समझा भी जा सकता है।

मुख्य छवि: जुडिथ स्कॉट - उनकी एक रेशमी-लिपटी अमूर्तन
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा