आकृति और रूप के पीछे की मनोविज्ञान

अवधारणात्मक कला क्यों आकर्षित करती है? अक्सर इसे आकार, रंग और रूप की एक दृश्य भाषा माना जाता है, लेकिन अवधारणात्मक कला के प्रति आकर्षण में कुछ बहुत विशेष है। कई सिद्धांत हैं जो दर्शक की आनंद और कलाकार की रचना के पीछे की मनोविज्ञान को समझाने का प्रयास करते हैं। कलाकारों में आघात के प्रभाव अक्सर अवबोधन की ओर एक स्पष्ट बदलाव में देखा जा सकता है: प्रसिद्ध रूप से, विलेम डी कूनिंग ने अल्जाइमर रोग विकसित करने के बाद भी पेंटिंग जारी रखी, जिसके बाद उनकी शैली धीरे-धीरे अधिक अवबोधनात्मक हो गई। डी कूनिंग का उदाहरण, और उनके जैसे कई अन्य, यह दर्शाता है कि कला मानव मस्तिष्क में उन परिवर्तनों की अंतर्दृष्टि प्रदान कर सकती है जो अभिव्यक्ति और धारणा को बदलते हैं। निम्नलिखित रिपोर्ट में, हम अवधारणात्मक कला से जुड़े कुछ मनोवैज्ञानिक सिद्धांतों पर चर्चा करेंगे।

न्यूरोएस्थेटिक्स: कला के अध्ययन में वैज्ञानिक वस्तुनिष्ठता का परिचय

1990 के दशक में, लंदन विश्वविद्यालय के सेमिर ज़ेकी, जो एक दृष्टि न्यूरोसाइंटिस्ट हैं, ने न्यूरोएस्थेटिक्स नामक अनुशासन की स्थापना की, जो विभिन्न कलात्मक तकनीकों की सापेक्ष सफलता की जांच करता है, न्यूरोलॉजिकल आधार से। कई वैज्ञानिक अध्ययन जो अमूर्त कार्य के प्रति आकर्षण के पीछे के तर्क की जांच करते हैं, ने निष्कर्ष निकाला है कि इस कला के इस शैली का अध्ययन करने से बहुत सक्रिय न्यूरल गतिविधि उत्पन्न होती है क्योंकि दर्शक परिचित आकृतियों की पहचान करने के लिए संघर्ष करता है, इस प्रकार कार्य को 'शक्तिशाली' बना देता है। कार्य को एक पहेली के रूप में देखते हुए, मस्तिष्क तब प्रसन्न होता है जब वह इस समस्या को 'हल' करने में सफल होता है (पेपरल, इशाई)।

एक विशेष अध्ययन, जो एंजेलिना हॉली-डोलन द्वारा बोस्टन कॉलेज, मैसाचुसेट्स (मनोवैज्ञानिक विज्ञान, खंड 22, पृष्ठ 435) में किया गया, ने यह सवाल उठाया कि क्या पेशेवर कलाकारों द्वारा बनाई गई अमूर्त कला, बच्चों या जानवरों द्वारा बनाई गई यादृच्छिक रेखाओं और रंगों के समूह के रूप में आंखों को उतनी ही पसंद आएगी। हॉली-डोलन ने स्वयंसेवकों से कहा कि वे एक प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार द्वारा बनाई गई एक पेंटिंग और एक शौकिया, बच्चे, चिम्पांजी या हाथी द्वारा बनाई गई एक पेंटिंग को देखें, बिना यह जाने कि कौन सी कौन सी है। स्वयंसेवकों ने आमतौर पर पेशेवर कलाकारों का काम पसंद किया, भले ही लेबल ने उन्हें बताया कि यह एक चिम्पांजी द्वारा बनाई गई थी। इसलिए, अध्ययन ने निष्कर्ष निकाला कि जब हम किसी काम को देखते हैं, तो हम सक्षम हैं - हालांकि हम यह नहीं कह सकते कि क्यों - कलाकार की दृष्टि को महसूस करने में। हॉली-डोलन का अध्ययन उन निष्कर्षों के बाद आया कि इम्प्रेशनिस्ट कला की धुंधली छवियां मस्तिष्क के एमिग्डाला को उत्तेजित करती हैं, जो भावनाओं और भावनाओं में केंद्रीय भूमिका निभाती है। हालाँकि अमूर्त कला, जो अक्सर किसी भी व्याख्यात्मक तत्व को हटाने का प्रयास करती है, इस श्रेणी में नहीं आती।

इस अध्ययन से प्रेरणा लेते हुए, कैट ऑस्टेन ने न्यू साइंटिस्ट (14 जुलाई, 2012) में अमूर्त कला के आकर्षण की जांच की, जो जैक्सन पोलॉक के एक काम, समरटाइम: नंबर 9ए को देखने के प्रभाव से प्रेरित थी, जिसे वह लिखती हैं, यह पहली बार था जब अमूर्त कला के एक काम ने उसके भावनाओं को जगाया। ऑस्टेन यह परिकल्पना उठाती हैं कि अमूर्त कला के ऐसे काम जो मस्तिष्क के लिए स्पष्ट रूप से कोई पहचानने योग्य वस्तु नहीं रखते - अर्थात् रोथको, पोलॉक और मोंड्रियन - संतुलित रचनाओं के माध्यम से प्रभाव डाल सकते हैं क्योंकि वे मस्तिष्क की दृश्य प्रणाली को आकर्षित करते हैं, या 'हाइजैक' करते हैं।

कनाडा विश्वविद्यालय के ओशिन वर्तानियन द्वारा किए गए एक अध्ययन में, जिसमें शोधकर्ता ने स्वयंसेवकों से एक श्रृंखला के मूल चित्रों की तुलना करने के लिए कहा, जिसमें रचना को बदला गया था, वर्तानियन ने发现 किया कि हमें पैटर्न और रचना के प्रति एक बढ़ी हुई प्रतिक्रिया होती है। लगभग सभी स्वयंसेवकों ने मूल काम को पसंद किया, यहां तक कि जब वे वान गॉग के एक स्थिर जीवन और मिरो के Bleu I जैसे विविध शैलियों के साथ काम कर रहे थे। निष्कर्षों ने सुझाव दिया कि दर्शक चित्रों की विशेष रचनाओं के पीछे की स्थानिक मंशा के प्रति स्वाभाविक रूप से जागरूक होते हैं।

ऑस्टिन की बात करते हुए, वह लिवरपूल विश्वविद्यालय के मनोवैज्ञानिक एलेक्स फोर्सिथ के निष्कर्षों पर भी विचार करती हैं, जिन्होंने अमूर्त कला में उपयोग किए गए रूपों और मस्तिष्क की जटिल दृश्यों को संसाधित करने की क्षमता के बीच एक संबंध बनाया है, जिसमें मानेट और पोलॉक के काम का संदर्भ दिया गया है। कला के कामों की दृश्य जटिलता को मापने और जटिल छवियों को संग्रहीत करने के लिए एक संकुचन एल्गोरिदम का उपयोग करते हुए, फोर्सिथ ने निष्कर्ष निकाला कि कुछ कलाकार इस जटिलता का उपयोग मस्तिष्क की विवरण की आवश्यकता को आकर्षित करने के लिए कर सकते हैं। फोर्सिथ ने मस्तिष्क के फ्रैक्टल पैटर्नों के प्रति आकर्षण और अमूर्त कला के आकर्षण का भी अन्वेषण किया। ये दोहराए जाने वाले पैटर्न, जो प्रकृति से लिए गए हैं, मानव दृश्य प्रणाली को आकर्षित कर सकते हैं जो बाहर विकसित हुई है, और फोर्सिथ का तर्क है कि अमूर्त कलाकार रंग का उपयोग कर सकते हैं "एक नकारात्मक अनुभव को शांत करने के लिए जो हमें सामान्यतः बहुत अधिक फ्रैक्टल सामग्री का सामना करते समय होता है"। ऑस्टिन यह बताती हैं कि न्यूरोएस्थेटिक्स अभी भी एक प्रारंभिक चरण में हैं, और यह कहना शायद बहुत जल्दी है। हालाँकि, इस अध्ययन के क्षेत्र के माध्यम से संबोधित की गई कई सिद्धांत हमें अमूर्त कला के दृश्य आकर्षण के बारे में अधिक अंतर्दृष्टि देती हैं। कम से कम, कुछ वैज्ञानिकों ने तर्क किया है कि मस्तिष्क पोलॉक जैसे कलाकारों के काम की ओर आकर्षित हो सकता है, क्योंकि हम दृश्य गति - जैसे कि एक हस्तलिखित पत्र - को इस तरह से संसाधित करते हैं जैसे कि हम निर्माण को फिर से चला रहे हैं। यह पोलॉक के कामों की धारणा की गई गतिशीलता की एक समझ हो सकती है, जिनका ऊर्जावान उत्पादन दर्शक द्वारा फिर से जीया जाता है।

Margaret Neill - मैनिफेस्ट, 2015. चारकोल और पानी कागज पर। 63.5 x 101.6 सेमी।

वासिली कांडिंस्की: कला में आध्यात्मिकता पर

अब हम लगभग एक सदी पहले लौटते हैं, जर्मन एक्सप्रेशनिज्म के एक नेता के पास, जो एक सायनेस्थेटिक कलाकार के रूप में अपनी भूमिका के लिए जाना जाता है: कांडिंस्की ने 20वीं सदी की शुरुआत में अमूर्त कला के पीछे की मनोविज्ञान के सिद्धांतों में केंद्रीय भूमिका निभाई। उनकी पुस्तक 'आर्ट में आध्यात्मिकता पर', जो 1911 में प्रकाशित हुई, अमूर्त चित्रकला के आधारभूत पाठ के रूप में जानी गई और आकार, रेखा और रंग की भावनात्मक विशेषताओं का विस्तार से अन्वेषण किया। कांडिंस्की की सायनेस्थेसिया रंग के प्रति उनकी असामान्य संवेदनशीलता और इसे देखने के साथ-साथ सुनने की उनकी क्षमता में प्रकट हुई। इस कारण से, उन्होंने तर्क किया कि एक चित्र को बौद्धिक विश्लेषण से बचना चाहिए, और इसके बजाय इसे संगीत के प्रसंस्करण से जुड़े मस्तिष्क के हिस्सों तक पहुँचने की अनुमति दी जानी चाहिए। कांडिंस्की का मानना था कि रंग और रूप वे दो मूलभूत साधन हैं जिनके द्वारा एक कलाकार रचना में आध्यात्मिक सामंजस्य प्राप्त कर सकता है और इस प्रकार उन्होंने कला के निर्माण और अनुभव को दो श्रेणियों में विभाजित किया: आंतरिक और बाहरी आवश्यकता। सेज़ान का संदर्भ देते हुए, कांडिंस्की ने सुझाव दिया कि कलाकार रेखीय और रंगात्मक रूपों के संयोजन का निर्माण करता है ताकि सामंजस्य बनाया जा सके, एक विपरीतता का सिद्धांत जिसे कांडिंस्की ने "कला में सभी समय का सबसे महत्वपूर्ण सिद्धांत" बताया। हम कांडिंस्की के एक सिद्धांत को, जैसा कि इस शैक्षणिक कार्य में चर्चा की गई है, जैक्सन पोलॉक के कलात्मक अभ्यास पर लागू कर सकते हैं, जहाँ उन्होंने कैनवस को फर्श पर रखा और उन पर ऊँचाई से रंग गिराया। कांडिंस्की के लिए, कलाकार को कला के नियमों का पालन नहीं करना चाहिए और उन्हें अपने आप को किसी भी संभव तरीके से व्यक्त करने की स्वतंत्रता होनी चाहिए: आंतरिक आवश्यकता के लिए एक आवश्यक कारक। एडवर्ड लेविन के अनुसार, पोलॉक के लिए, चित्रकला "एक अनुभव बन जाती है [in] काम की अपनी मांगें होती हैं जो चित्रकार की व्यक्तित्व से स्वतंत्र रूप से मौजूद होती हैं। ये मांगें अक्सर काम की आंतरिक आवश्यकता के पक्ष में व्यक्तिगत विकल्प को छोड़ने की आवश्यकता प्रतीत होती हैं।" (जैक्सन पोलॉक के काम में पौराणिक स्वर) किसी हद तक, यह सिद्धांत फोर्सिथ और अन्य उल्लेखित लोगों के सिद्धांतों के विपरीत है, क्योंकि यह सुझाव देता है कि कलाकार के पास काम के निर्माण में सीमित विकल्प होते हैं। फिर भी, यह अमूर्त कला बनाने की प्रक्रिया की शक्ति को प्रदर्शित करता है।

Anya Spielman - बरी, 2010. कागज पर तेल. 28 x 25.4 सेमी.

शिखर-शिफ्ट

पीक-शिफ्ट के सिद्धांत के पीछे का मूल विचार यह है कि जानवर एक सामान्य उत्तेजना की तुलना में एक अधिक बढ़ी हुई उत्तेजना पर अधिक प्रतिक्रिया कर सकते हैं। यह अवधारणा, जिसे पहले एथोलॉजिस्ट निकोलस टिनबर्गेन ने व्यक्त किया था, को वी.एस. रामचंद्रन और विलियम हिर्स्टीन ने 1999 के पेपर द साइंस ऑफ आर्ट में लागू किया, जिसमें उन्होंने समुद्री गिलहरी के प्रयोग का उपयोग किया - जिसके तहत चूजे एक माँ के चोंच पर लाल धब्बे पर उतनी ही तत्परता से चोंच मारेंगे जितनी कि वे एक लकड़ी पर तीन लाल धारियों के साथ चोंच मारेंगे - यह प्रदर्शित करने के लिए कि चूजे एक 'सुपर उत्तेजना' पर प्रतिक्रिया करते हैं, जिसे यहाँ लाल आकृति की मात्रा द्वारा दर्शाया गया है। इन दोनों पुरुषों के लिए, यह लाल सिरे वाली लकड़ी, पिकासो द्वारा बनाई गई एक उत्कृष्ट कृति के समान होगी, जो दर्शक द्वारा प्राप्त प्रतिक्रिया के स्तर के संबंध में है।

रामचंद्रन ने तर्क किया कि अमूर्त कलाकार इस सिद्धांत का उपयोग सबसे सकारात्मक परिणाम प्राप्त करने के लिए करते हैं, जो कि वे जिस चीज़ को चित्रित करना चाहते हैं, उसकी सार्थकता की पहचान करते हैं, उसे बढ़ा-चढ़ा कर पेश करते हैं, और बाकी सब कुछ हटा देते हैं। रामचंद्रन के अनुसार, हमारे अमूर्त कला के प्रति प्रतिक्रिया एक मूल उत्तेजना के प्रति एक बुनियादी प्रतिक्रिया से एक शिखर-स्थानांतरण है, भले ही दर्शक को यह याद न हो कि मूल उत्तेजना क्या थी।

Jessica Snow - वर्ल्ड्स रश इन, 2014. तेल पर कैनवास. 60 x 54 इंच.

ब्रेन डैमेज और अमूर्तता

डे कूनिंग पर लौटते हुए, अध्ययनों से पता चला है कि मस्तिष्क में एक ही कला केंद्र नहीं होता, बल्कि कला बनाने के लिए दोनों गोलार्द्धों का उपयोग किया जाता है, जो मस्तिष्क की चोट या न्यूरोडीजेनेरेटिव रोग के बाद कलात्मक क्षमता या कलात्मक उत्पादन की प्रकृति पर प्रभाव डाल सकता है। The Scientist के लिए अंजन चटर्जी के अनुसार, मस्तिष्क के दाहिने हिस्से में चोट से स्थानिक प्रसंस्करण में कमी आ सकती है, जो अक्सर एक अभिव्यक्तिपूर्ण शैली को अपनाने की ओर ले जाती है, जिसे समान स्तर की यथार्थता की आवश्यकता नहीं होती। इसी तरह, मस्तिष्क के बाएं हिस्से में चोट कलाकारों को अपने काम में अधिक जीवंत रंगों का उपयोग करने और उनकी छवियों की सामग्री को बदलने के लिए प्रेरित कर सकती है। कैलिफोर्निया की कलाकार कैथरीन शेरवुड की शैली को बाएं गोलार्द्ध में रक्तस्राव के बाद आलोचकों द्वारा अधिक 'कच्ची' और 'अंतर्ज्ञानात्मक' माना गया। कला के उत्पादन तक सीमित नहीं, मस्तिष्क की चोट कला की सराहना को भी बदल सकती है, चटर्जी कहते हैं। अधिक विशेष रूप से, दाहिने फ्रंटल लोब में चोट अमूर्तता, यथार्थता और प्रतीकवाद के निर्णय को प्रभावित कर सकती है, और दाहिने पैरियटल लोब में चोट जीवंतता और प्रतीकवाद के निर्णय को प्रभावित कर सकती है।

गैरी पेलर - 20 (2015) नीला, 2015. 59.1 x 45.7 इंच

उत्पादन पर प्रतिष्ठा

यह सुझाव देने के लिए महत्वपूर्ण सबूत हैं कि हम कला के प्रति अधिक सकारात्मक प्रतिक्रिया देते हैं कैसे हम इसे अनुभव करते हैं। जब किसी अमूर्त कला के काम के साथ प्रस्तुत किया जाता है, तो लोग इसे अधिक आकर्षक मानते हैं जब उन्हें बताया जाता है कि यह किसी संग्रहालय से है, बजाय इसके कि जब वे मानते हैं कि यह कंप्यूटर द्वारा उत्पन्न किया गया है, भले ही चित्र समान हों। यह विभिन्न मनोवैज्ञानिक स्तरों पर कार्य करता है, मस्तिष्क के उस हिस्से को उत्तेजित करता है जो एपिसोडिक मेमोरी को संसाधित करता है - संग्रहालय जाने का विचार - और ऑर्बिटोफ्रंटल कॉर्टेक्स, जो किसी काम की स्थिति या प्रामाणिकता के तत्व के प्रति अधिक सकारात्मक प्रतिक्रिया करता है, इसके वास्तविक संवेदनात्मक सामग्री की तुलना में, यह सुझाव देते हुए कि ज्ञान, और न कि दृश्य छवि, हमारे अमूर्त कला के प्रति आकर्षण में एक प्रमुख भूमिका निभाता है। इसी तरह, यह संभव है कि हम कला और संस्कृति के बारे में जानकारी याद करने से अधिक आनंद प्राप्त करते हैं।

Greet Helsen - समरलेउने, 2014. ऐक्रेलिक ऑन कैनवास. 70 x 100 सेमी. 

अवास्तविक कला कलाकारों को आकर्षित करती है

अधिक अध्ययन ने यह दिखाया है कि अमूर्त कला विशेष समूहों के लोगों, विशेष रूप से कलाकारों, को अधिक तीव्रता से क्यों आकर्षित कर सकती है। एक अध्ययन में गैर-कलाकारों और कलाकारों के मस्तिष्क में होने वाली विद्युत लय को रिकॉर्ड किया गया, जिसमें दिखाया गया कि विषय की कलात्मक पृष्ठभूमि ने अमूर्त कला की प्रक्रिया को बहुत प्रभावित किया, यह दर्शाते हुए कि कलाकारों ने जानकारी के साथ केंद्रित ध्यान और सक्रिय संलग्नता दिखाई। एक सिद्धांत यह सुझाव देता है कि यह इसलिए हो सकता है क्योंकि मस्तिष्क अन्य कार्यों को याद करने के लिए स्मृति का उपयोग कर रहा है ताकि दृश्य उत्तेजना को समझा जा सके। यह स्मृति की यह भावना और पहचान की खोज की एक बहुस्तरीय प्रक्रिया है जो अमूर्त कला को अपनी स्थायी अपील प्रदान करती है। कंदिंस्की के खोजात्मक 1911 के काम से लेकर, पीक-शिफ्ट के सिद्धांत तक, और समकालीन न्यूरोएस्थेटिक्स के अध्ययन तक, अमूर्त कला की मनोविज्ञान एक विशाल और लगातार बदलता हुआ अध्ययन क्षेत्र है जो अमूर्त कला को डिकोड करने, समझाने और आनंद लेने की निरंतर रुचि की पुष्टि करता है। 

विशेष छवि: जॉन मोंटिथ - टेबलॉ #3, 2014, 47.2 x 35.4 इंच