आकृति और रूप के पीछे की मनोविज्ञान

अमूर्त कला क्यों आकर्षित करती है? अक्सर इसे आकार, रंग और रूप की एक दृश्य भाषा माना जाता है, अमूर्त कला के प्रति आकर्षण में कुछ बहुत विशेष होता है। कई सिद्धांत मौजूद हैं जो दर्शक के आनंद और कलाकार की रचना के पीछे की मनोविज्ञान को समझाने का प्रयास करते हैं। कलाकारों में आघात के प्रभाव अक्सर अमूर्तता की ओर एक स्पष्ट बदलाव में देखे जा सकते हैं: प्रसिद्ध रूप से, विलेम डी कूनिंग ने अल्जाइमर रोग विकसित होने के बाद भी चित्र बनाना जारी रखा, जिसके बाद उनकी शैली अधिक से अधिक अमूर्त हो गई। डी कूनिंग और उनके जैसे कई अन्य उदाहरण यह दिखाते हैं कि कला मानव मस्तिष्क में उन परिवर्तनों की जानकारी प्रदान कर सकती है जो अभिव्यक्ति और धारणा को बदलते हैं। निम्नलिखित रिपोर्ट में, हम अमूर्त कला से जुड़े कुछ मनोवैज्ञानिक सिद्धांतों पर चर्चा करेंगे।

न्यूरोएस्थेटिक्स: कला के अध्ययन में वैज्ञानिक वस्तुनिष्ठता का परिचय

1990 के दशक के दौरान, यूनिवर्सिटी कॉलेज लंदन के दृष्टि तंत्रिका वैज्ञानिक सेमिर जेकी ने न्यूरोएस्थेटिक्स नामक अनुशासन की स्थापना की, जो तंत्रिका विज्ञान के आधार से विभिन्न कलात्मक तकनीकों की सापेक्ष सफलता की जांच करता है। अमूर्त कार्य की ओर आकर्षण के पीछे के कारणों की खोज करने वाले कई वैज्ञानिक अध्ययनों ने निष्कर्ष निकाला है कि इस कला शैली का अध्ययन करते समय दर्शक सक्रिय तंत्रिका गतिविधि का अनुभव करता है क्योंकि वह परिचित आकृतियों की पहचान करने का प्रयास करता है, जिससे यह कार्य 'शक्तिशाली' बन जाता है। कार्य को एक पहेली के रूप में देखते हुए, मस्तिष्क तब प्रसन्न होता है जब वह इस समस्या को 'सुलझा' लेता है (पेपरल, इशाई)।

बोस्टन कॉलेज, मैसाचुसेट्स की एंजेलिना हावली-डोलन द्वारा संचालित एक विशेष अध्ययन (साइकोलॉजिकल साइंस, खंड 22, पृष्ठ 435) ने यह प्रश्न उठाया कि क्या पेशेवर कलाकारों द्वारा बनाई गई अमूर्त कला बच्चों या जानवरों द्वारा बनाई गई यादृच्छिक रेखाओं और रंगों के समूह की तुलना में आंखों को उतनी ही भाती है। हावली-डोलन ने स्वयंसेवकों से कहा कि वे एक प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार की एक पेंटिंग और एक शौकिया, बच्चे, चिंपांजी या हाथी की एक पेंटिंग को बिना यह जाने देखें कि कौन सी किसने बनाई है। स्वयंसेवकों ने आमतौर पर पेशेवर कलाकारों के कार्य को पसंद किया, भले ही लेबल पर लिखा हो कि वह चिंपांजी द्वारा बनाई गई है। इस अध्ययन ने निष्कर्ष निकाला कि जब हम किसी कार्य को देखते हैं, तो हम कलाकार की दृष्टि को महसूस करने में सक्षम होते हैं, हालांकि हम यह नहीं कह सकते कि क्यों। हावली-डोलन के अध्ययन ने यह भी पाया कि इंप्रेशनिस्ट कला की धुंधली छवियां मस्तिष्क के अमिगडाला को उत्तेजित करती हैं, जो भावनाओं और अनुभूतियों में केंद्रीय भूमिका निभाता है। हालांकि, अमूर्त कला, जो अक्सर किसी भी व्याख्यायोग्य तत्व को हटाने का प्रयास करती है, इस श्रेणी में नहीं आती।

इस अध्ययन से प्रेरणा लेते हुए, न्यू साइंटिस्ट में कैट ऑस्टेन (14 जुलाई, 2012) ने अमूर्त कला के आकर्षण की जांच की, जो जैक्सन पोलक के कार्य समरटाइम: नंबर 9ए को देखकर प्रेरित थीं, जिसे उन्होंने पहली बार अमूर्त कला का ऐसा कार्य बताया जिसने उनकी भावनाओं को छुआ। ऑस्टेन ने यह अनुमान लगाया कि अमूर्त कला के वे कार्य जिनमें मस्तिष्क के लिए कोई पहचानने योग्य वस्तु नहीं होती – जैसे रॉथको, पोलक और मोंड्रियन – अच्छी तरह संतुलित रचनाओं के माध्यम से मस्तिष्क की दृश्य प्रणाली को आकर्षित या 'हाइजैक' कर सकते हैं।

कनाडा विश्वविद्यालय के ओशिन वार्तानियन के एक अध्ययन में, जिसमें शोधकर्ता ने स्वयंसेवकों से मूल चित्रों की तुलना उन चित्रों से करने को कहा जिनकी रचना में बदलाव किया गया था, वार्तानियन ने पाया कि हम पैटर्न और रचना के प्रति तीव्र प्रतिक्रिया देते हैं। लगभग सभी स्वयंसेवकों ने मूल कार्य को पसंद किया, चाहे वे वैन गॉग की स्थिर जीवन शैली की पेंटिंग हो या मिरो की ब्लू I। निष्कर्षों से पता चला कि दर्शक चित्रों की विशिष्ट रचनाओं के पीछे की स्थानिक मंशा से स्वाभाविक रूप से अवगत होता है।

ऑस्टेन की ओर लौटते हुए, वह लिवरपूल विश्वविद्यालय के मनोवैज्ञानिक एलेक्स फोर्सिथ के निष्कर्षों पर भी विचार करती हैं, जिन्होंने अमूर्त कला में प्रयुक्त रूपों और मस्तिष्क की जटिल दृश्यों को संसाधित करने की क्षमता के बीच संबंध स्थापित किया है, माने और पोलक के कार्यों का संदर्भ देते हुए। फोर्सिथ ने कला के कार्यों की दृश्य जटिलता को मापने और जटिल छवियों को संग्रहित करने के लिए एक संपीड़न एल्गोरिदम का उपयोग किया और निष्कर्ष निकाला कि कुछ कलाकार इस जटिलता का उपयोग मस्तिष्क की विवरण की आवश्यकता को आकर्षित करने के लिए कर सकते हैं। फोर्सिथ ने मस्तिष्क की फ्रैक्टल पैटर्नों की ओर आकर्षण और अमूर्त कला के आकर्षण का भी पता लगाया। ये दोहराए जाने वाले पैटर्न, जो प्रकृति से लिए गए हैं, मानव दृश्य प्रणाली को आकर्षित कर सकते हैं जो बाहरी वातावरण में विकसित हुई है, और फोर्सिथ का तर्क है कि अमूर्त कलाकार रंग का उपयोग इस नकारात्मक अनुभव को शांत करने के लिए कर सकते हैं जो हम सामान्यतः बहुत अधिक फ्रैक्टल सामग्री से मिलने पर अनुभव करते हैं। ऑस्टेन बताती हैं कि न्यूरोएस्थेटिक्स अभी प्रारंभिक चरण में है, और व्यापक बयान देना अभी जल्दबाजी हो सकता है। हालांकि, इस अध्ययन क्षेत्र के माध्यम से संबोधित कई सिद्धांत हमें अमूर्त कला के दृश्य आकर्षण की गहरी समझ प्रदान करते हैं। कम से कम, कुछ वैज्ञानिकों ने यह तर्क दिया है कि मस्तिष्क उन कलाकारों के कार्यों की ओर आकर्षित हो सकता है जिनमें पोलक शामिल हैं, क्योंकि हम दृश्य गति – जैसे हस्तलिखित पत्र – को इस तरह संसाधित करते हैं जैसे कि निर्माण को फिर से देख रहे हों। यह पोलक के कार्यों की गतिशीलता की समझ हो सकती है, जिनकी ऊर्जा से भरी रचना दर्शक द्वारा पुनः अनुभव की जाती है।

Margaret Neill - मैनिफेस्ट, 2015। कागज पर चारकोल और पानी। 63.5 x 101.6 सेमी।

वासिली कांडिंस्की: कला में आध्यात्मिकता पर

अब हम लगभग एक सदी पहले चलते हैं, जर्मन एक्सप्रेशनिज्म के एक प्रमुख नेता की ओर, जो एक संवेदी कलाकार के रूप में जाने जाते थे: कांडिंस्की ने 20वीं सदी की शुरुआत में अमूर्त कला के पीछे की मनोविज्ञान के बारे में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। उनकी पुस्तक ‘कला में आध्यात्मिकता पर’, जो 1911 में प्रकाशित हुई, अमूर्त चित्रकला का आधारभूत ग्रंथ मानी गई और इसमें आकार, रेखा और रंग की भावनात्मक विशेषताओं का विस्तार से अन्वेषण किया गया। कांडिंस्की की संवेदीता उनके रंग के प्रति असामान्य संवेदनशीलता में प्रकट हुई और उनकी क्षमता न केवल इसे देखने की, बल्कि सुनने की भी थी। इस कारण, उन्होंने तर्क दिया कि एक चित्र को बौद्धिक विश्लेषण से बचना चाहिए, और इसके बजाय मस्तिष्क के उन हिस्सों तक पहुंचना चाहिए जो संगीत की प्रक्रिया से जुड़े हैं। कांडिंस्की का मानना था कि रंग और रूप वे दो मूल साधन हैं जिनसे एक कलाकार रचना में आध्यात्मिक सामंजस्य प्राप्त कर सकता है, और उन्होंने कला की रचना और धारणा को दो श्रेणियों में विभाजित किया: आंतरिक और बाह्य आवश्यकता। सेज़ान का संदर्भ देते हुए, कांडिंस्की ने सुझाव दिया कि कलाकार ने रेखीय और रंगीन रूपों के संयोजन से सामंजस्य बनाया, जो विरोधाभास का एक सिद्धांत था जिसे कांडिंस्की ने "कला में हर समय सबसे महत्वपूर्ण सिद्धांत" माना। हम कांडिंस्की के एक सिद्धांत को जैक्सन पोलक की कलात्मक प्रथा पर लागू कर सकते हैं, जहां उन्होंने कैनवास को जमीन पर रखा और ऊपर से रंग टपकाया। कांडिंस्की के लिए, कलाकार को कला के नियमों का पालन नहीं करना चाहिए और जो भी संभव हो, अपने आप को व्यक्त करने के लिए स्वतंत्र होना चाहिए: आंतरिक आवश्यकता के लिए एक आवश्यक कारक। एडवर्ड लैविन के अनुसार, पोलक के लिए चित्रकला "एक ऐसा अनुभव बन जाती है जिसमें कार्य की अपनी मांगें होती हैं जो चित्रकार की व्यक्तिगतता से स्वतंत्र होती हैं। ये मांगें अक्सर व्यक्तिगत चयन को त्यागने की आवश्यकता लगती हैं ताकि कार्य की आंतरिक आवश्यकता पूरी हो सके।" (जैक्सन पोलक के कार्य में मिथकीय संकेत) कुछ हद तक, यह सिद्धांत फोर्सिथ और अन्य के सिद्धांतों से विरोधाभासी है, क्योंकि यह संकेत देता है कि कलाकार के पास रचना में सीमित विकल्प होते हैं। फिर भी, यह अमूर्त कला के निर्माण की प्रक्रिया की शक्ति को दर्शाता है।

Anya Spielman - बरी, 2010। कागज पर तेल। 28 x 25.4 सेमी।

पीक-शिफ्ट

पीक-शिफ्ट सिद्धांत के पीछे मूल विचार यह है कि जानवर सामान्य उत्तेजना की तुलना में अधिक बढ़ी हुई उत्तेजना पर अधिक तीव्र प्रतिक्रिया दे सकते हैं। यह अवधारणा, जिसे मूल रूप से जीवविज्ञानी निकोलास टिनबर्गन ने व्यक्त किया था, को वी.एस. रामचंद्रन और विलियम हर्स्टीन ने 1999 के पेपर द साइंस ऑफ आर्ट में लागू किया, जिन्होंने सीगल प्रयोग का उपयोग किया – जिसमें चूजों ने मां की चोंच पर लाल धब्बे पर उतनी ही तत्परता से चुंबन किया जितना कि तीन लाल धारियों वाले छड़ी के अंत पर – यह दिखाने के लिए कि चूजों की प्रतिक्रिया एक 'सुपर उत्तेजना' पर होती है, जो यहां लाल सीमा की मात्रा द्वारा दर्शाई गई है। इन दोनों के लिए, यह लाल छड़ी, उदाहरण के लिए, पिकासो की उत्कृष्ट कृति के समान होगी, जो दर्शक की प्रतिक्रिया के स्तर को दर्शाती है।

रामचंद्रन ने तर्क दिया कि अमूर्त कलाकार इस सिद्धांत का उपयोग सबसे सकारात्मक परिणाम प्राप्त करने के लिए करते हैं, वे जो चित्रित करना चाहते हैं उसकी सार को पहचानते हैं, उसे बढ़ा-चढ़ाकर प्रस्तुत करते हैं, और बाकी सब कुछ हटा देते हैं। रामचंद्रन के अनुसार, अमूर्त कला के प्रति हमारी प्रतिक्रिया मूल उत्तेजना से एक पीक-शिफ्ट होती है, भले ही दर्शक याद न रख पाए कि मूल उत्तेजना क्या थी।

Jessica Snow - वर्ल्ड्स रश इन, 2014। कैनवास पर तेल। 60 x 54 इंच।

मस्तिष्क की चोट और अमूर्तता

डी कूनिंग की ओर लौटते हुए, अध्ययनों से पता चला है कि मस्तिष्क में एकल कला केंद्र नहीं होता, बल्कि दोनों गोलार्ध कला बनाने के लिए उपयोग किए जाते हैं, जो मस्तिष्क की चोट या न्यूरोडीजेनेरेटिव रोग के बाद कलात्मक क्षमता या कलात्मक उत्पादन की प्रकृति पर प्रभाव डाल सकता है। द साइंटिस्ट के लिए अंजन चटर्जी के अनुसार, मस्तिष्क के दाहिने भाग को चोट लगने से स्थानिक प्रक्रिया में बाधा आ सकती है, जिससे अक्सर एक अभिव्यक्तिपूर्ण शैली अपनाई जाती है जिसमें यथार्थवाद की समान डिग्री की आवश्यकता नहीं होती। इसी तरह, मस्तिष्क के बाएं भाग को चोट लगने से कलाकार अपने कार्य में अधिक जीवंत रंगों का उपयोग कर सकते हैं और अपनी छवियों की सामग्री बदल सकते हैं। कैलिफोर्निया की कलाकार कैथरीन शेरवुड की शैली को बाएं गोलार्ध के रक्तस्रावी स्ट्रोक के बाद आलोचकों द्वारा अधिक 'कच्चा' और 'स्वाभाविक' माना गया। कला के उत्पादन तक सीमित नहीं, मस्तिष्क की चोट कला की सराहना को भी बदल सकती है, चटर्जी कहते हैं। विशेष रूप से, दाहिने अग्रभागीय लोब को चोट लगने से अमूर्तता, यथार्थवाद और प्रतीकवाद के निर्णय में बाधा आ सकती है, और दाहिने पार्श्वीय लोब को चोट लगने से जीवंतता और प्रतीकवाद के निर्णय प्रभावित हो सकते हैं।

Gary Paller - 20 (2015) ब्लू, 2015। 59.1 x 45.7 इंच

उत्पादन से अधिक प्रतिष्ठा

यह महत्वपूर्ण प्रमाण हैं कि हम कला के प्रति अधिक सकारात्मक प्रतिक्रिया देते हैं इस बात पर कि हम इसे कैसे अनुभव करते हैं। जब अमूर्त कला का एक कार्य प्रस्तुत किया जाता है, तो लोग इसे अधिक आकर्षक मानते हैं जब उन्हें बताया जाता है कि यह किसी संग्रहालय से है, बनिस्बत इसके कि वे मानते हैं कि इसे कंप्यूटर द्वारा बनाया गया है, भले ही चित्र समान हों। यह विभिन्न मनोवैज्ञानिक स्तरों पर काम करता है, मस्तिष्क के उस हिस्से को उत्तेजित करता है जो प्रकरणीय स्मृति को संसाधित करता है – संग्रहालय जाने का विचार – और ऑर्बिटोफ्रंटल कॉर्टेक्स, जो किसी कार्य की स्थिति या प्रामाणिकता के तत्व के प्रति अधिक सकारात्मक प्रतिक्रिया देता है, बजाय इसके वास्तविक संवेदी सामग्री के, यह सुझाव देते हुए कि ज्ञान, और न कि दृश्य छवि, अमूर्त कला के प्रति हमारे आकर्षण में मुख्य भूमिका निभाता है। इसी तरह, यह संभव है कि हम कला और संस्कृति के बारे में जानकारी याद रखने से अधिक आनंद प्राप्त करते हैं।

Greet Helsen - सोम्मरलाउने, 2014। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 70 x 100 सेमी। 

अमूर्त कला कलाकारों को आकर्षित करती है

अधिक अध्ययन से पता चला है कि अमूर्त कला विशेष समूहों, अर्थात् कलाकारों, को अधिक तीव्रता से क्यों आकर्षित कर सकती है। गैर-कलाकारों और कलाकारों के मस्तिष्क में होने वाली विद्युत लय को रिकॉर्ड करते हुए, एक अध्ययन ने दिखाया कि विषय की कलात्मक पृष्ठभूमि अमूर्त कला की प्रक्रिया को बहुत प्रभावित करती है, जिससे पता चलता है कि कलाकारों ने जानकारी के साथ केंद्रित ध्यान और सक्रिय संलग्नता दिखाई। एक सिद्धांत यह सुझाव देता है कि यह इसलिए हो सकता है क्योंकि मस्तिष्क दृश्य उत्तेजना को समझने के लिए अन्य कार्यों को याद करने के लिए स्मृति का उपयोग कर रहा है। यह स्मृति की भावना और पहचान खोजने की बहुस्तरीय प्रक्रिया अमूर्त कला को उसकी स्थायी आकर्षण प्रदान करती है। कांडिंस्की के 1911 के अन्वेषणात्मक कार्य से लेकर पीक-शिफ्ट की अवधारणा तक, और न्यूरोएस्थेटिक्स के समकालीन अध्ययन तक, अमूर्त कला की मनोविज्ञान एक विशाल और निरंतर बदलता हुआ अध्ययन क्षेत्र है जो अमूर्त कला को समझने, व्याख्या करने और आनंद लेने में स्थायी रुचि को पुष्ट करता है। 

मुख्य छवि: John Monteith - टैब्लो #3, 2014, 47.2 x 35.4 इंच