अन आर्ट ऑटर - पोस्टवार पेरिस में एब्स्ट्रैक्शन लेवी गॉर्वी में
1952 में, फ्रांसीसी कला आलोचक और क्यूरेटर मिशेल टापी ने "Un Art Autre" वाक्यांश का निर्माण किया, जिसका अर्थ है "एक अन्य प्रकार की कला," यह दर्शाने के लिए कि उन्होंने अमूर्त कला में एक प्रवृत्ति देखी जो तर्कशीलता से दूर और स्वाभाविकता की ओर बढ़ रही थी। यह प्रवृत्ति केवल फ्रांस में प्रकट नहीं हो रही थी, जहाँ टापी स्थित थे, फिर भी यह फ्रांस था जहाँ 1950 और 60 के दशक में दुनिया भर के कई कलाकार इस सौंदर्यशास्त्र के अनुभव को साझा करने के लिए यात्रा करते थे। कुछ द्वितीय विश्व युद्ध के अनुभवी थे जिन्होंने युद्ध के बाद यूरोप में रहना चुना या वहाँ अध्ययन और काम करने के लिए वापस चले गए। अन्य बस एक शहर और संस्कृति की रोमांचकता की ओर आकर्षित हुए जो खुद को फिर से बनाने की कोशिश कर रही थी। पेरिस की अनोखी "कैफे संस्कृति" का लाभ उठाते हुए, इस अंतरराष्ट्रीय कलाकारों और विचारकों के समूह ने अपने विचारों को स्वतंत्रता से साझा किया, एक रोमांचक, प्राचीन दृश्य का निर्माण किया। वह आकर्षक संस्कृति वर्तमान में लंदन में लेवी गॉर्वी में एक प्रदर्शनी का विषय है, जिसका नाम उस आंदोलन से लिया गया है जिसे टापी ने नाम दिया। Un Art Autre में पांच चित्रकारों— पियरे सोलाज, झाओ वू-की, जीन पॉल रियोपेल, जोआन मिशेल, और सैम फ्रांसिस— द्वारा 22 पेंटिंग्स शामिल हैं, जिनमें से प्रत्येक ने 1950 और 60 के दशक के दौरान कभी पेरिस को अपना घर कहा। ये कलाकार क्रमशः फ्रांस, चीन, कनाडा और संयुक्त राज्य अमेरिका का प्रतिनिधित्व करते हैं, और प्रत्येक ने अपने साथ एक व्यक्तिगत दृष्टिकोण और व्यक्तिगत इतिहास लाया। प्रत्येक का चित्रकला और जीवन के प्रति एक पूरी तरह से अलग संबंध था। फिर भी, वे सभी कुछ सहज और स्वतंत्र से जुड़ने की इच्छा साझा करते थे। ये पांच कलाकार "एक अन्य प्रकार की कला" के केवल आवाज़ें नहीं थे जो यूरोप में युद्ध के बाद के वर्षों में विकसित हुईं, लेकिन इस प्रदर्शनी में उनके कामों को एक साथ देखना उस आंदोलन में एक गहन प्रवेश बिंदु प्रदान करता है जिसका वे हिस्सा थे। यह समकालीन दर्शकों को इस आंदोलन और इस समय के दौरान अन्य स्थानों पर प्रकट हुई समान प्रवृत्तियों, जैसे कि संयुक्त राज्य अमेरिका में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद, के बीच के अंतर की जांच करने का अवसर भी देता है।
रंग और काले और सफेद
आज, पियरे सोलाज को कई लोगों द्वारा जीवित सबसे महान चित्रकार माना जाता है। उन्हें उनके सुरुचिपूर्ण, और अक्सर भावनात्मक रूप से प्रभावशाली काले चित्रों के लिए पसंद किया जाता है। जब सोलाज ने युद्ध के बाद पेरिस में अपनी अनूठी आवाज विकसित करना शुरू किया, तब भी उन्होंने अपने चित्रों में काले रंग के कार्य करने के तरीके की गहरी समझ रखी। उन्होंने इसे अंधकार दिखाने के तरीके के रूप में नहीं देखा, बल्कि "रोशनी बनाने" के तरीके के रूप में देखा। चमकदार और मैट फिनिश को एक साथ रखकर, और कैनवास के काले और सफेद क्षेत्रों के बीच संबंध बनाकर, उन्होंने प्रकाश के लिए बनावटों और रंगों के साथ बातचीत करने के अवसर बनाए। कैनवास के विभिन्न क्षेत्रों के बीच के संबंध उनके चित्रों को इतना चमकीला बनाते हैं। इस प्रदर्शनी में, हम उनके पांच कैनवस देखते हैं। "पेंटिंग 195 x 130 सेमी, 3 फरवरी 1957" (1957) और "पेंटिंग 195 x 155 सेमी, 7 फरवरी 1957" (1957) जैसे चित्रों में उनके तंग संरचनात्मक ढांचे के बावजूद, उनके जीवंत काले रंग और जोरदार ब्रश स्ट्रोक उनकी सतहों को जीवन में लाते हैं। वे शुद्ध काला नहीं हैं, लेकिन काले रंग को और अधिक चमकदार बनाने के लिए ओक्र, नीले और सफेद रंगों का आपसी खेल है।
जोआन मिशेल - बिना शीर्षक, 1957। कैनवास पर तेल। 69 x 58 1/2 इंच (175.2 x 148.5 सेमी)। निजी संग्रह, सांता बारबरा। © जोआन मिशेल की संपत्ति।
रंग संबंध भी जोआन मिशेल के लिए अत्यंत महत्वपूर्ण थे, जिनके चार काम इस प्रदर्शनी में हैं। ये चारों—जो संभवतः अधिकांश आगंतुकों के लिए नए होंगे, क्योंकि इन्हें पूरी तरह से निजी संग्रहों से एकत्रित किया गया है—मिशेल की मास्टरफुल क्षमता को दर्शाते हैं कि वह अपने रंग पैलेट के माध्यम से भावनात्मक स्वर को कैसे व्यक्त कर सकती थीं। हम जो उनके कामों में देख रहे हैं, वह स्पष्ट रूप से "प्रकृति का कुछ" है, भले ही चित्र पूरी तरह से अमूर्त हों। उस प्रकृति की भावना को केवल बढ़ाया जाता है उस लगभग उत्साही इशारी शैली से जिसे मिशेल ने अपनी बार-बार की यात्राओं के दौरान विकसित किया, और अंततः फ्रांस में स्थानांतरित होने के दौरान—एक शैली जो इस शो में प्रदर्शित कामों द्वारा खूबसूरती से प्रस्तुत की गई है। उनकी रचनाएँ प्रदर्शनी में किसी भी काम की सबसे ढीली और स्वतंत्र भावना हैं: यह उनके उस इच्छा का प्रमाण है कि वह पेंटिंग करते समय अपने भीतर गायब हो जाएं, और प्राकृतिक दुनिया की अपनी यादों के आधार पर कुछ व्यक्तिगत को पकड़ें।
सैम फ्रांसिस - आर्क्यूइल, 1956/58। कैनवास पर तेल। 80 3/4 x 76 इंच (205.1 x 193 सेमी)। मिल्ड्रेड लेन केम्पर आर्ट म्यूजियम, वाशिंगटन यूनिवर्सिटी इन सेंट लुइस। श्री और श्रीमती रिचर्ड के. वाइल का उपहार, 1962। © सैम फ्रांसिस फाउंडेशन, कैलिफोर्निया / DACS 2019.
इम्पल्स की पूरी श्रृंखला
जीन पॉल रियोपेल द्वारा प्रदर्शित कृतियाँ 1950 के दशक की शुरुआत में उनके तरीकों में हुए नाटकीय परिवर्तन को दर्शाती हैं। प्रदर्शनी में सबसे पहचानने योग्य कृति "अब्स्ट्रैक्शन (ऑरेंज)" (1952) है। यह प्रदर्शनी में एक बड़ी कृति है, इसकी उन्मत्त इशारी क्रिया तुरंत जैक्सन पोलॉक जैसे एब्स्ट्रेक्ट एक्सप्रेशनिस्ट चित्रकारों से अक्सर जुड़े स्प्लैटर पेंटिंग्स के साथ समानांतर खींचती है। "हॉरिजेंटल, ब्लैक एंड व्हाइट" (1955) जैसी बाद की कृतियों में, हम रियोपेल को एक अधिक जानबूझकर तकनीक का निर्माण करते हुए देखते हैं, जिसमें तंग, मापी गई, चिंता से भरी ब्रश मार्क्स हैं, जबकि फिर भी उनकी कृतियों को जीवंत करने वाली आवेगपूर्ण ऊर्जा को बनाए रखते हैं। आवेग के पैमाने के लगभग विपरीत छोर पर, हम ज़ाओ वू-की द्वारा तीन अद्भुत चित्र देखते हैं। उनके म्यूटेड पैलेट और संतुलित रचनात्मक सामंजस्य एक ऐसे चित्रकार को दर्शाते हैं जो स्वतंत्र अभिव्यक्ति और मापी गई शांति के बीच एक अद्भुत रूप से भूतिया संतुलन बनाता है।
जीन पॉल रियोपेल - क्षैतिज, काला और सफेद, 1955। कैनवास पर तेल। 28 3/4 x 36 1/4 इंच (73 x 92 सेमी)। फोटो: Øystein Thorvaldsen। हेनिए ओन्स्टाड Kunstsenter संग्रह, होविकोडेन, नॉर्वे। © SODRAC, मोंट्रियल और DACS, लंदन, 2019।
इस प्रदर्शनी से मैं जिस चित्रकार से सबसे कम परिचित हूँ, वह सैम फ्रांसिस हैं। शो में उनके काम के पांच उदाहरण देखने के बाद, मुझे लगता है कि उनके बारे में और भी बहुत कुछ सीखना बाकी है। एक अनाम, नारंगी, पीले और नीले संयोजन की अद्भुत हल्कापन ने मुझमें हेलेन फ्रैंकेंथलर के विचारों को जगाया, जबकि उनका "ब्लू सीरीज नंबर 1" (1960) तुरंत इव्स क्लेन की याद दिलाता है। दो अन्य कृतियाँ—"संरचना" (लगभग 1957-58) और "अनाम" (1959)—ने कुछ अधिक विशिष्ट पेश किया: एक लगभग विद्युत् उत्तेजना, जैसे मैं सचमुच उतार-चढ़ाव और प्रवाह की तस्वीरें देख रहा था। वास्तव में, ये अवधारणाएँ इस प्रदर्शनी के दिल में हैं जो 1950 और 60 के दशक में पेरिस में उभरी "अन्य प्रकार की कला" के बारे में कहती है। इसे ठीक से परिभाषित करना मुश्किल है, और इसका नामकरण करना भी कठिन है, लेकिन यह एक ऐसी कला थी जो अपने परिवर्तन की क्षमता और छोड़ने की इच्छा से परिभाषित होती थी। अन आर्ट ऑटर लेवी गोर्वी लंदन में 5 जुलाई 2019 तक प्रदर्शित है।
विशेष छवि: ज़ाओ वू-की - 16.09.69, 1969। कैनवास पर तेल। 31 7/8 x 51 3/16 इंच (81 x 130 सेमी)। निजी संग्रह। © DACS 2019.
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
द्वारा फिलिप Barcio
