सैम फ्रांसिस के कार्यों में लेट एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म

कुछ लोग कहते हैं कि सच्चे कलाकारों के लिए कला बनाना कोई विकल्प नहीं है; यह एक बाध्यता है। वे चाहे भुगतान पाएं या न पाएं, चाहे उन्हें नजरअंदाज किया जाए, फिर भी वे कलाकृतियाँ बनाते हैं। दूसरे शब्दों में, कलाकार कला इसलिए बनाते हैं क्योंकि वे कला न बना नहीं सकते। जितना गंभीर यह सुनाई देता है, Sam Francis ने कलाकारों और कला निर्माण के बीच संबंध को और भी गहरा माना। उन्होंने कला निर्माण को कुछ ऐसा नहीं माना जो कलाकार करता है, बल्कि कुछ ऐसा माना जो बस होता है क्योंकि कलाकार है। उन्होंने कहा, “कलाकार उसका काम है और अब वह मानव नहीं रहा।” फ्रांसिस के लिए, कलाकार से कला को अलग करना उतना ही असंभव था जितना बादल से बारिश को अलग करना। बारिश ही बादल है। कला ही कलाकार है। कोई अलगाव नहीं है। वे एक हैं।

अंधकार केवल एक रंग है

जब Abstract Expressionism के इतिहास पर नजर डालते हैं, तो जल्दी ही स्पष्ट हो जाता है कि इस आंदोलन के शुरुआती दिनों से जुड़े कलाकार अपने समय की चिंताओं से गहराई से प्रभावित थे। वे एक ऐसी पीढ़ी के थे जो पीड़ा और बलिदान से परिभाषित थी, युद्ध के भयावहता और परमाणु बम के डर से त्रस्त थे। अपनी कलाकृतियों के माध्यम से वे गंभीरता से अपने अवचेतन से जुड़ने और अपनी आंतरिक भावनाओं को व्यक्त करने का प्रयास करते थे। उनके समय का अंधकार उनकी कला में अक्सर स्पष्ट दिखाई देता है, चाहे वह रंगों की छटा हो या भावों, रूपों, बनावटों या रचनाओं की बेचैनी। लेकिन वही कलाकृतियाँ रहस्यमय भी हैं, जो दर्शकों को आध्यात्मिक, चिंतनशील चेतना की अवस्थाओं का अनुभव कराती हैं। तो क्या वे वास्तव में अंधकार ही व्यक्त करते हैं?

Sam Francis दूसरे पीढ़ी के अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से जुड़े हैं। वे 1956 में MoMA में आयोजित 12 American Artists प्रदर्शनी में शामिल होने के बाद प्रसिद्ध हुए, उसी वर्ष Jackson Pollock, जो इस आंदोलन के प्रमुख व्यक्ति थे, का निधन हुआ। फ्रांसिस ने द्वितीय विश्व युद्ध में लड़ाकू पायलट के रूप में सेवा करते हुए रीढ़ की चोट के बाद अस्पताल में रहते हुए चित्रकारी शुरू की। युद्ध के बाद वे अपने मूल कैलिफोर्निया लौटे और 1950 में UC Berkeley से मास्टर्स डिग्री प्राप्त की। वहीं उन्होंने कुछ प्रथम पीढ़ी के अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रकारों से मुलाकात की, जिनमें Mark Rothko भी थे, जो उस समय सैन फ्रांसिस्को के कैलिफोर्निया स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में पढ़ा रहे थे। फ्रांसिस को इन कलाकारों की 'होने' और 'बनने' पर केंद्रित सोच और प्रामाणिक स्व की खोज के प्रति उनकी प्रतिबद्धता से प्रेरणा मिली।

Sam Francis - बिना शीर्षक, 1959, कागज पर ग्वाश, 11.5 x 36 सेमी। © The Sam Francis Foundation

अंधकार और प्रकाश का मिलन

Sam Francis के लिए, अंधकार और प्रकाश विरोधी शक्तियाँ नहीं थीं। वे पूरक शक्तियाँ थीं, या शायद एक ही गुण के उतार-चढ़ाव वाले रूप थे। उन्होंने एक बार कहा, “प्रकाश में वृद्धि से अंधकार में वृद्धि होती है।” क्या वे कह रहे थे कि प्रकाश और अंधकार एक हैं? या वे उस तरीके की बात कर रहे थे जिसमें प्रकाश छाया डालता है, अर्थात जितना प्रकाश तेज होता है, उतनी ही गहरी छाया होती है? या वे ज्ञानोदय की बात कर रहे थे, और उस आध्यात्मिक प्रभाव की, जब हम जितना सीखते हैं, उतना ही हमें अपनी अज्ञानता का एहसास होता है?

शायद उनका मतलब इनमें से कोई भी नहीं था। उन्होंने यह भी कहा, “रंग प्रकाश और अंधकार के अंतःप्रवेश से जन्मता है।” इसलिए संभव है कि वे केवल विरोधाभासों की बात कर रहे थे, और कैसे कैनवास पर सफेद जगह रंग के अंधकार को व्यक्त करती है। किसी भी स्थिति में, उनके ये विचार अमूर्त अभिव्यक्तिवाद आंदोलन की स्पष्ट अंधकारता की व्याख्या के लिए एक सूक्ष्म दृष्टिकोण प्रदान करते हैं। और वे हमें यह समझने का आरंभिक बिंदु देते हैं कि उन्होंने अपनी पेंटिंग्स में अंधकार, प्रकाश और रंग का सामना कैसे किया।

Sam Francis - SF 70 42, 1970। © The Sam Francis Foundation

12 अमेरिकी चित्रकार

फ्रांसिस ने MoMA में अपनी पहली बड़ी समूह प्रदर्शनी में सात चित्र प्रदर्शित किए। वे आकार में विशाल थे। सबसे छोटा छह फीट से अधिक ऊँचा था और सबसे बड़ा बारह फीट से दस फीट से अधिक था। इन चित्रों के नाम रंगों पर आधारित थे: नीला काला, पीला, बड़ा लाल, लाल में काला, लाल में लाल, धूसर, और काले पर गहरा नारंगी। इन सभी चित्रों में एक समान सौंदर्यशास्त्र था, जिसने फ्रांसिस को एक परिभाषित दृश्य शैली वाला चित्रकार स्थापित किया। वे परतदार जैविक रूपों से बने थे, जिन्हें बिना रोक-टोक बूंदों से सजाया गया था।

ये कैनवास दर्शकों को रचनाओं में समेट लेते हैं। इन कृतियों की आवाज़ 'रचना' शब्द को फिर से परिभाषित करती है, जो सौंदर्य तत्वों की व्यवस्था पर कम और 'संतुलित महसूस करने' के अर्थ पर अधिक केंद्रित है। ये नियंत्रण, आत्मविश्वास और सामंजस्य की भावना प्रकट करते हैं। ये ऐसा अनुभव देते हैं कि चित्र को समझने के लिए आवश्यक सब कुछ कैनवास की जगह में समाहित है। फिर भी उनकी कामुक, व्यक्तिगत प्रकृति हमें अंदर की गहराई में छिपे रहस्यों की खोज के लिए आमंत्रित करती है।

Sam Francis - काले पर गहरा नारंगी, 1955, कैनवास पर तेल। © The Sam Francis Foundation

नियंत्रण

जैसे ही Sam Francis अपनी अनूठी सौंदर्यशास्त्र के लिए जाने गए, उन्होंने उससे आगे बढ़कर अपनी रंगों की छटा को जीवंत, शुद्ध रंगों की विस्तृत श्रृंखला तक बढ़ाया। उन्होंने रचनाओं के कई तरीकों का अन्वेषण किया, जिनमें जैविक प्रतिनिधित्व भी शामिल था, जैसे Blue Balls नामक श्रृंखला, जिसमें प्रमुख नीले गोले थे, जो उनके गुर्दे की बीमारी से लड़ाई से प्रेरित थे। 1960 के दशक के मध्य में, उन्होंने एक और विशिष्ट सौंदर्यशास्त्र विकसित किया, जिसमें उनके चित्रों के किनारों पर रंगीन ब्रश के स्ट्रोक होते थे, जो लगभग खाली सफेद जगह को घेरे होते थे।

ये कृतियाँ सीधे और सुंदरता से उन विचारों को व्यक्त करती हैं जो फ्रांसिस ने प्रकाश और अंधकार के बारे में व्यक्त किए थे। बढ़ी हुई सफेद जगह, या प्रकाश, रंग के माध्यम से व्यक्त अंधकार की अभिव्यक्ति को तीव्र करती है। रंग न्यूनतम होता है फिर भी छवि को परिभाषित करता है। ये चित्र कई अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कृतियों की सर्वव्यापक प्रकृति को चुनौती देते हैं। ये शून्यता और सूक्ष्मता की शक्ति की बात करते हैं, और उस बात पर ध्यान आकर्षित करते हैं जो व्यक्त नहीं की जा रही।

Sam Francis - बिना शीर्षक, 1965, कागज पर ग्वाश (बाएं) और Sam Francis - बिना शीर्षक (SF-106A), 1969, लिथोग्राफ (दाएं)। © The Sam Francis Foundation

बिना रोक-टोक

अपने अधिकांश करियर के दौरान, फ्रांसिस न्यूयॉर्क कला जगत से दूर रहे, पेरिस, टोक्यो और कैलिफोर्निया में रहना और काम करना पसंद करते थे। वे प्रवृत्तियों से बंधे नहीं थे। उन्होंने एक्शन पेंटिंग से जुड़ी तकनीकों जैसे बूंदा-बांदी, डालना और छींटना का उपयोग किया, साथ ही रंगने और पारंपरिक ब्रशों से भी काम किया। उन्होंने प्रिंट, लिथोग्राफ और मोनोटाइप बनाए, विभिन्न माध्यमों और सतहों के साथ काम किया। और उन्होंने अपनी रचनात्मक शैली को लगातार विकसित किया। 1970 और 80 के दशकों में वे अक्सर अपनी पेंटिंग्स में ज्यामितीय रूप शामिल करते थे, और कभी-कभी कठोर किनारे वाली ज्यामितीय कृतियाँ भी बनाते थे।

उन्हें सबसे अधिक याद किया जाता है उनके 1980 के दशक में बनाए गए चमकीले रंगीन छींटे वाले चित्रों के लिए। उनकी तकनीकों का पालन, जिन्हें उनकी पीढ़ी के कई अन्य चित्रकारों ने छोड़ दिया था, उन्हें आत्मविश्वास से अलग बनाता था। उनकी आदिम विशेषताएँ बास्कियात जैसे नियो-अभिव्यक्तिवादी चित्रकारों के काम के साथ संवाद करती थीं। उनका रंग संयोजन पॉप आर्ट और शिकागो इमेजिस्ट्स की याद दिलाता था। और उनकी छवियाँ अमूर्त कला इतिहास को जगाती थीं, जो Miro, Calder और Gorky जैसे चित्रकारों की ओर संकेत करती थीं।

Sam Francis - बिना शीर्षक, 1983, मोनोटाइप (बाएं) और Sam Francis - बिना शीर्षक (SF-330), 1988, लिथोग्राफ कागज पर (दाएं)। © The Sam Francis Foundation

दूसरी पीढ़ी से आगे

Sam Francis ने अपनी व्यक्तिगत कलात्मक विकास कभी नहीं रोका। यहां तक कि अपने निधन से ठीक पहले जब उन्होंने अपने दाहिने हाथ का उपयोग खो दिया, तब भी उन्होंने बाएं हाथ से चित्रकारी सीख ली और एक बड़ी नई कृतियों की श्रृंखला बनाई जिसे उन्होंने अपनी मृत्यु तक जारी रखा। अपनी सौंदर्यशास्त्र शैली बदलने के बावजूद, उन्होंने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के मूल सिद्धांतों को कभी नहीं छोड़ा। इसके प्रति उनकी निष्ठा में, उन्होंने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद को मौलिक रूप से बदल भी दिया। यह नहीं कहा जा सकता कि उन्होंने इसे बदल दिया। उन्होंने इसके आवश्यक तत्वों को बनाए रखा। वे कभी भी सहज चित्रकारी करना बंद नहीं किए, अपनी आंतरिक स्थिति से जुड़ना जारी रखा, और कैनवास को एक ऐसा क्षेत्र माना जहां एक घटना घटती है। लेकिन उन्होंने परिभाषा में भी कुछ जोड़ा। उन्होंने जो जोड़ा वह उनकी अपनी पेंटिंग की व्याख्या में अच्छी तरह समाहित है: “पेंटिंग स्थान की सुंदरता और नियंत्रण की शक्ति के बारे में है।”

चार शब्दों में सब कुछ है: सुंदरता, स्थान, शक्ति और नियंत्रण। Sam Francis ने निडर होकर सुंदरता का पीछा किया। उन्होंने परिभाषित स्थान की सीमाओं और संभावनाओं दोनों को अपनाया। उन्होंने शक्ति की मानवीय खोज की मूलभूत वास्तविकता को स्वीकार किया और उसकी व्यक्तिगत जिम्मेदारी ली। और अंत में, उन्होंने उस आत्मविश्वास और सुरक्षा को व्यक्त किया जो यह महसूस करने में निहित है कि कुछ समाहित किया गया है। इसकी तुलना करें जैक्सन पोलक के एक कथन से: “पेंटिंग की अपनी एक जीवन होती है। मैं उसे बाहर आने देता हूं।” अपने काम के अलावा, पोलक और पहली पीढ़ी के अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कलाकार प्रयोगों में बंधे नहीं थे। वे एक जंगली बाघ की पूंछ पकड़कर उसे क्या करेगा यह जानने के लिए उत्साहित थे, पूरी तरह से संभावनाओं के लिए खुले थे, और सबसे अधिक, इसे जितना संभव हो जंगली बनाए रखने के लिए प्रतिबद्ध थे। Sam Francis ने उस बाघ को वश में किया। ऐसा करते हुए उन्होंने अगली पीढ़ी के कलाकारों को यह अनुमति भी दी कि वे अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का अर्थ अपने लिए परिभाषित करें।

मुख्य छवि: Sam Francis - बिना शीर्षक, 1962, कागज पर ऐक्रेलिक और ग्वाश। © The Sam Francis Foundation
सभी चित्र केवल उदाहरण के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा