सैम फ्रांसिस के कार्यों में लेट एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म

कुछ लोग कहते हैं कि सच्चे कलाकारों के लिए, कला बनाना एक विकल्प नहीं है; यह एक मजबूरी है। वे कला का निर्माण करते हैं चाहे उन्हें भुगतान मिले या नहीं, भले ही उन्हें नजरअंदाज किया जाए। दूसरे शब्दों में, कलाकार कला बनाते हैं क्योंकि वे कला नहीं बना नहीं सकते। जितना गंभीर यह लगता है, सैम फ्रांसिस ने कलाकारों और कला निर्माण के बीच के संबंध को और भी अधिक तीव्र माना। उन्होंने कला निर्माण को कुछ ऐसा नहीं देखा जो एक कलाकार करता है, बल्कि कुछ ऐसा जो बस है क्योंकि कलाकार है। उन्होंने कहा, “कलाकार उसका काम है और अब वह मानव नहीं है।” फ्रांसिस के लिए, कला को कलाकार से अलग करना उतना ही असंभव था जितना कि बारिश को बादल से अलग करना। बारिश बादल है। कला कलाकार है। कोई अलगाव नहीं है। वे एक हैं।

अंधेरा केवल एक रंग है

जब एब्स्ट्रैक्ट एक्सप्रेशनिज्म के इतिहास पर नज़र डालते हैं, तो यह जल्दी ही स्पष्ट हो जाता है कि इस आंदोलन के प्रारंभिक दिनों से जुड़े कलाकार अपने समय की चिंताओं से गहराई से प्रभावित थे। वे एक ऐसी पीढ़ी के थे जो दुख और बलिदान से परिभाषित थी, युद्ध के आतंक और परमाणु बम के डर से haunted। अपने कलाकृतियों के माध्यम से उन्होंने ईमानदारी से अपने अवचेतन से जुड़ने और अपने आंतरिक अस्तित्व की अवस्थाओं को व्यक्त करने का प्रयास किया। उनके समय का अंधकार अक्सर उनके कला में स्पष्ट दिखाई देता है, चाहे वह रंग पैलेट में हो या इशारों, रूपों, बनावटों या रचनाओं की चिंता में। लेकिन वही काम भी प्रकट करने वाले होते हैं, जो दर्शकों को उच्चतर, ध्यानात्मक चेतना की अवस्थाओं का अनुभव करने के लिए ले जाते हैं। तो क्या वे वास्तव में अंधकार व्यक्त करते हैं?

सैम फ्रांसिस दूसरे पीढ़ी के अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से जुड़े हुए हैं। वह 1956 में MoMA में आयोजित 12 अमेरिकी कलाकारों की प्रदर्शनी में शामिल होने के बाद प्रमुखता के साथ उभरे, उसी वर्ष जैक्सन पोलॉक, जो प्रारंभिक आंदोलन के प्रमुख व्यक्ति थे, का निधन हुआ। फ्रांसिस ने द्वितीय विश्व युद्ध में एक फाइटर पायलट के रूप में सेवा करते समय हुई रीढ़ की चोट से ठीक होने के दौरान अस्पताल में पेंटिंग करना शुरू किया। युद्ध के बाद, वह अपने मूल कैलिफोर्निया में स्कूल लौटे, जहाँ उन्होंने 1950 में UC बर्कले से मास्टर डिग्री प्राप्त की। वहाँ उन्होंने कुछ पहले पीढ़ी के अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों से मुलाकात की, जिनमें मार्क रोथको शामिल थे, जो उस समय सैन फ्रांसिस्को में कैलिफोर्निया स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स में पढ़ा रहे थे। फ्रांसिस ने इन रचनाकारों के होने और बनने पर ध्यान केंद्रित करने और प्रामाणिक आत्मा की खोज के प्रति उनकी प्रतिबद्धता में प्रेरणा पाई। 

Sam Francis - Untitled, 1959, gouache on paper, 11.5 x 36 cm. © The Sam Francis Foundation

अंधकार और प्रकाश का विवाह

सैम फ्रांसिस के लिए, अंधकार और प्रकाश विरोधी शक्तियाँ नहीं थीं। वे पूरक शक्तियाँ थीं, या शायद एक ही गुण के उतार-चढ़ाव वाले रूप। उन्होंने एक बार कहा, "प्रकाश में वृद्धि अंधकार में वृद्धि देती है।" क्या वह कह रहे थे कि प्रकाश और अंधकार एक हैं? या वह इस बारे में बात कर रहे थे कि प्रकाश कैसे छाया डालता है, मतलब जितना अधिक प्रकाश होता है, उतनी ही गहरी छाया वह डालता है? या वह ज्ञान की ओर इशारा कर रहे थे, और यह आध्यात्मिक प्रभाव कि जितना अधिक हम सीखते हैं, उतना ही हम समझते हैं कि हम कितना कम जानते हैं?

उसका मतलब इनमें से कोई भी नहीं हो सकता था। उसने एक बार कहा था, "रंग प्रकाश और अंधकार के आपसी प्रवेश से जन्म लेता है।" इसलिए यह संभव है कि वह बस विपरीतताओं के बारे में बात कर रहा था, और कैसे कैनवास पर सफेद स्थान रंग के अंधकार को व्यक्त करता है। किसी भी मामले में, उसकी टिप्पणियाँ कम से कम एक सूक्ष्म दृष्टिकोण प्रदान करती हैं जिससे हम सामान्य रूप से अमूर्त अभिव्यक्तिवादी आंदोलन की स्पष्ट अंधकारता की व्याख्या कर सकते हैं। और वे हमें यह समझने के लिए एक प्रारंभिक बिंदु देती हैं कि उसने अपने स्वयं के चित्रों में अंधकार, प्रकाश और रंग का सामना कैसे किया।

Sam Francis - SF 70 42, 1970. © The Sam Francis Foundation

12 अमेरिकी चित्रकार

फ्रांसिस ने MoMA में अपने ब्रेकआउट समूह प्रदर्शनी में सात पेंटिंग्स दिखाई। वे आकार में विशाल थीं। सबसे छोटी छह फीट से अधिक ऊँची थी और सबसे बड़ी बारह फीट बाई दस फीट से अधिक थी। पेंटिंग्स का नाम रंगों पर रखा गया था: ब्लू ब्लैक, येलो, बिग रेड, ब्लैक इन रेड, रेड इन रेड, ग्रे, और डीप ऑरेंज ऑन ब्लैक। इन सभी पेंटिंग्स में एक सामान्य सौंदर्य था, जिसने फ्रांसिस को एक चित्रकार के रूप में स्थापित किया, जिसके पास एक परिभाषित दृश्य शैली थी। वे परतदार बायोमोर्फिक रूपों से बनी थीं, जिन्हें अनियंत्रित ड्रिप्स द्वारा बढ़ाया गया था।

ये कैनवस दर्शकों को रचनाओं में लपेट लेते हैं। कार्यों की आवाज़ शब्द रचना को फिर से परिभाषित करती है, जो सौंदर्य तत्वों की व्यवस्था पर कम और संयमित महसूस करने के अर्थ पर अधिक ध्यान केंद्रित करती है। वे नियंत्रण, आत्मविश्वास और सामंजस्य का अनुभव कराते हैं। वे यह एहसास कराते हैं कि पेंटिंग को समझने के लिए आवश्यक सब कुछ कैनवस की जगह में निहित है। और फिर भी, उनकी संवेदनशील, व्यक्तिगत प्रकृति हमें अंदर आने के लिए आमंत्रित करती है ताकि हम यह जान सकें कि और क्या छिपा हुआ है।

Sam Francis - Deep Orange on Black, 1955, oil on canvas. © The Sam Francis Foundation

रोकथाम

जैसे ही सैम फ्रांसिस अपनी अनूठी सौंदर्यशास्त्र के लिए जाने जाने लगे, उन्होंने उससे आगे बढ़ना शुरू कर दिया। उन्होंने अपने रंग पैलेट का विस्तार करते हुए उज्ज्वल, शुद्ध रंगों की एक जीवंत श्रृंखला को शामिल किया। और उन्होंने रचना के लिए कई दृष्टिकोणों का अन्वेषण किया, जिसमें ब्लू बॉल्स नामक कार्यों की एक श्रृंखला में जैविक प्रतिनिधित्व शामिल है, जिसमें प्रमुख नीले गोले हैं जो उनके गुर्दे की बीमारी से प्रेरित हैं। 1960 के मध्य में, उन्होंने एक और विशिष्ट सौंदर्यशास्त्र की शैली में प्रवेश किया, जो उनके चित्रों के किनारों के चारों ओर रंगीन ब्रश स्ट्रोक द्वारा विशेषता प्राप्त करता है, जो लगभग खाली सफेद स्थान को घेरता है।

ये काम सीधे और सुरुचिपूर्ण तरीके से उन विचारों को व्यक्त करते हैं जो फ्रांसिस ने हल्केपन और अंधकार के बारे में व्यक्त किए थे। बढ़ी हुई सफेद जगह, या हल्कापन, उस अंधकार की अभिव्यक्ति को तीव्र करता है जो रंग के माध्यम से व्यक्त किया गया है। रंग को न्यूनतम किया गया है और फिर भी यह छवि को परिभाषित करता है। ये चित्र कई अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कार्यों की समग्र प्रकृति को चुनौती देते हैं। ये शून्यता और बारीकी की शक्ति के बारे में बात करते हैं, और उस पर ध्यान लाते हैं जो व्यक्त नहीं किया जा रहा है।

Sam Francis - Untitled, 1965, gouache on paper (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-106A), 1969, lithograph (Right). © The Sam Francis Foundation

बिना रोक-टोक के

अपने करियर के अधिकांश समय में, फ्रांसिस ने न्यूयॉर्क कला दृश्य से बचते हुए पेरिस, टोक्यो और कैलिफोर्निया में रहना और काम करना पसंद किया। वह प्रवृत्तियों से बंधे नहीं थे। उन्होंने एक्शन पेंटिंग से संबंधित तकनीकों का उपयोग किया, जैसे कि ड्रिपिंग, पोरिंग और स्प्लैटरिंग, और साथ ही दाग लगाने का भी उपयोग किया और पारंपरिक ब्रश के साथ काम किया। उन्होंने प्रिंट, लिथोग्राफ और मोनोटाइप बनाए, विभिन्न माध्यमों और सतहों के साथ काम करते हुए। और उन्होंने अपने संयोजनात्मक शैली को निरंतर विकसित किया। 1970 और 80 के दशक में, उन्होंने अक्सर अपनी पेंटिंग में ज्यामितीय रूपों को शामिल किया, और कभी-कभी तो हार्डएज ज्यामितीय काम भी बनाए।

उन्हें सबसे अधिक याद किया जाता है उनके द्वारा 1980 के दशक में बनाए गए चमकीले रंग के स्प्लैटर पेंटिंग के लिए। उनकी तकनीकों का पालन, जो उनके पीढ़ी के कई अन्य चित्रकारों द्वारा लंबे समय से छोड़ दी गई थीं, उन्हें आत्मविश्वास से अलग करता है। उनकी प्राचीन विशेषताएँ नियो-एक्सप्रेशनिस्ट चित्रकारों जैसे कि बास्कियाट के कामों के साथ बातचीत करती हैं। उनका रंग पैलेट पॉप आर्ट और शिकागो इमेजिस्ट्स का प्रतिध्वनित करता है। और उनकी छवियाँ अमूर्त कला के इतिहास को जगाती हैं, जो चित्रकारों जैसे कि मिरो, काल्डर और गॉर्की की याद दिलाती हैं।

Sam Francis - Untitled, 1983, monotype (Left) and Sam Francis - Untitled (SF-330), 1988, lithograph on wove paper (Right). © The Sam Francis Foundation

दूसरी पीढ़ी के परे

सैम फ्रांसिस ने अपनी व्यक्तिगत कलात्मक विकास को कभी नहीं छोड़ा। यहां तक कि अपनी मृत्यु से ठीक पहले जब उन्होंने अपनी दाहिनी हाथ का उपयोग खो दिया, तब भी उन्होंने बाईं हाथ से पेंट करना सीख लिया और एक बड़े नए कार्य के निर्माण में संलग्न हो गए जिसे उन्होंने अपनी मृत्यु तक जारी रखा। अपने सौंदर्यशास्त्र की शैली को बदलने के बावजूद, उन्होंने अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के आवश्यक सिद्धांतों को कभी नहीं छोड़ा। इसके प्रति अपनी निष्ठा में, हालांकि, उन्होंने यह भी मौलिक रूप से बदल दिया कि अमूर्त अभिव्यक्तिवाद क्या हो सकता है। यह नहीं कहने के लिए कि उन्होंने इसे बदल दिया। उन्होंने इसके अभिन्न तत्वों को बनाए रखा। उन्होंने कभी भी सहजता से पेंट करना, अपने भीतर की स्थिति से जुड़ना, और कैनवास के साथ एक ऐसे क्षेत्र के रूप में बातचीत करना नहीं छोड़ा जिसमें एक घटना होती है। लेकिन उन्होंने परिभाषा में भी जोड़ा। उन्होंने जो जोड़ा है, उसे उनके अपने शब्दों में इस प्रकार संक्षेपित किया गया है: “पेंटिंग स्थान की सुंदरता और संधारण की शक्ति के बारे में है।”

"सब कुछ चार शब्दों में है, सुंदरता, स्थान, शक्ति और संधारण। सैम फ्रांसिस ने बिना किसी शर्म के सुंदरता का पीछा किया। उन्होंने एक परिभाषित स्थान की सीमाओं और संभावनाओं दोनों को अपनाया। उन्होंने मानव शक्ति की खोज की प्राचीन वास्तविकता के लिए व्यक्तिगत जिम्मेदारी को स्वीकार किया और उसे लिया। और, अंत में, उन्होंने इस भावना में निहित आत्मविश्वास और सुरक्षा को व्यक्त किया कि कुछ को संधारित किया गया है। इसे जैक्सन पोलॉक द्वारा पेंटिंग के बारे में कहे गए शब्दों से तुलना करें: "पेंटिंग की अपनी एक ज़िंदगी होती है। मैं इसे बाहर आने देने की कोशिश करता हूँ।" उनके काम के अलावा, पोलॉक और अमूर्त अभिव्यक्तिवादियों की पहली पीढ़ी अपने प्रयोग में बिना किसी रोक-टोक के थे। वे एक जंगली बाघ को उसकी पूंछ से पकड़ रहे थे, यह जानने के लिए उत्सुक कि वह अगली बार क्या करेगा, संभावनाओं के लिए पूरी तरह से खुले, और सबसे बढ़कर, इसे जितना संभव हो उतना जंगली बनाए रखने के लिए प्रतिबद्ध थे। सैम फ्रांसिस ने बाघ को वश में करने में मदद की। ऐसा करते हुए, उन्होंने अगली पीढ़ियों के कलाकारों को यह परिभाषित करने की अनुमति भी दी कि उनके लिए अमूर्त अभिव्यक्तिवाद का क्या अर्थ है।"

विशेष छवि:सैम फ्रांसिस - बिना शीर्षक, 1962, कागज पर ऐक्रेलिक और गुआश। © द सैम फ्रांसिस फाउंडेशन
सभी चित्र केवल उदाहरणात्मक उद्देश्यों के लिए उपयोग किए गए हैं
फिलिप Barcio द्वारा