कला में अमूर्तता क्या है - परिभाषा और उदाहरण

अमूर्तन की अवधारणा वर्षों से मतभेदों को जन्म देती रही है। इसका क्या अर्थ है? यह कला कैसे है? कुछ ऐसा जो समझने में कठिन लगता है, स्वाभाविक रूप से वर्षों में कई गलतफहमियों को जन्म देता है, लेकिन क्यों? असली में अमूर्तन क्या है? हमने इस विषय पर हमारे अमूर्त कलाकारों और अन्य योग्य योगदानकर्ताओं द्वारा लिखित लेखों की एक श्रृंखला शुरू की है। वे अमूर्तन की अपनी व्याख्या, अपनी दृष्टि और इसे पसंद करने के कारणों के बारे में बात करते हैं। यहाँ हमारा परिचयात्मक लेख है।

कला में अमूर्तन की सरल व्याख्या

अमूर्तन कोई शैली या आंदोलन नहीं है; यह सभी कला में एक निश्चित हद तक मौजूद हो सकता है। विभिन्न शब्दकोश अमूर्तन को ‘कला में प्रतिनिधित्वात्मक गुणों से स्वतंत्रता’ और ‘चीजों का चित्रात्मक रूप में प्रतिनिधित्व न करना’ के रूप में परिभाषित करते हैं। टेट इसे इस प्रकार वर्णित करता है कि जब कोई कलाकार किसी वस्तु से तत्वों को हटा (अमूर्त) कर एक सरल रूप बनाता है या कुछ ऐसा बनाता है जिसका बाहरी वास्तविकता में कोई स्रोत नहीं होता।

जबकि एक कलाकार चित्र बनाते समय किसी वास्तविक वस्तु को ध्यान में रख सकता है, वह वस्तु रंगों और बनावटों का उपयोग करके भावनाओं को व्यक्त करने के लिए शैलीबद्ध, विकृत या बढ़ा-चढ़ा कर प्रस्तुत की जा सकती है, न कि उसकी नकल बनाने के लिए। यह अधिक इस बात पर केंद्रित है कि आकृतियों और रंगों की सुंदरता प्रतिनिधित्वात्मक सटीकता से ऊपर कैसे हो सकती है। अमूर्तन एक ‘सतत प्रक्रिया’ है। कई कला आंदोलनों ने अमूर्त सिद्धांतों से प्रभावित होकर उन्हें विभिन्न हद तक अपनाया है; जितना अधिक कोई चित्र या मूर्ति वास्तविकता से दूर होगा, उतना ही वह अमूर्त माना जा सकता है। उदाहरण के लिए, क्यूबिज्म, अपने विकृत विषयों के साथ, अत्यंत अमूर्त है, जबकि एक इंप्रेशनिस्ट चित्र अधिक पारंपरिक हो सकता है।

Kyong Lee - प्रेयड फॉर 02, 2018। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 90.9 x 72.7 सेमी।

अमूर्त पृष्ठभूमि

अमूर्त कला प्रागैतिहासिक गुफा चित्रों के रूप में पत्थर युग से मौजूद है, जिनमें बिंदु और प्रतीक बने होते थे। फिर भी, 19वीं सदी के अंत तक कलाकारों ने प्रमुख शास्त्रीय यथार्थवाद (पहचाने जाने योग्य विषयों का चित्रण) से अलग होना शुरू किया, जिसमें मोनेट जैसे कलाकारों ने इंप्रेशनिस्ट आंदोलन का नेतृत्व किया। हालांकि, यह शैली अभी भी वास्तविकता में गहराई से जड़ी थी, जो बाद के अमूर्तन दृश्य से अलग थी। इसका यह मतलब नहीं कि पोस्ट-इंप्रेशनिज्म ने इसका प्रभाव नहीं डाला।

20वीं सदी की शुरुआत में कई नए विकास, संघर्ष और प्रगतिशील सोच के तरीके आए, जिनके लिए एक अलग कलात्मक प्रतिक्रिया की आवश्यकता थी। पिकासो, सेज़ान और मैटिस जैसे कलाकार पहले से ही पारंपरिक तकनीकों से हटकर काम कर रहे थे, लेकिन रूसी कलाकार वासिली कैंडिंस्की को व्यापक रूप से अमूर्तन की स्थापना का श्रेय दिया जाता है, जिन्होंने 1911 में ‘ऑन द स्पिरिचुअल इन आर्ट’ प्रकाशित किया; यह पुस्तक आज भी अमूर्त कला के लिए एक आधारभूत ग्रंथ मानी जाती है। कैंडिंस्की, जो एक कला सिद्धांतकार थे और जिनमें सिनेस्थेसिया (रंग संवेदनशीलता) थी – जिससे वे रंगों को सुन और देख सकते थे – मानते थे कि विभिन्न रंगों की छायाएं विभिन्न भावनाओं और ध्वनियों को उत्पन्न करती हैं, और चित्रों को मस्तिष्क के उन हिस्सों को छूना चाहिए जो संगीत से जुड़े होते हैं। यह सीमाओं को आगे बढ़ाने की आवश्यकता दशकों तक बनी रही, जिसमें अमूर्तन विश्व युद्धों और महामंदी जैसे अन्य घटनाओं को व्यक्त करने के लिए एक उपयुक्त माध्यम था।

Arvid Boecker - #1276, 2019। कैनवास पर तेल। 50 x 40 x 5.5 सेमी।

प्रसिद्ध अमूर्त कलाकार

कैंडिंस्की ने कई अमूर्त कलाकारों के लिए द्वार खोला, विशेष रूप से फ्रांसीसी चित्रकार रॉबर्ट डेलोनाय, जो एक पूर्व रंगमंच डिजाइनर थे और अपनी चित्रों में शुद्ध रंग, वृत्ताकार डिस्क और रंग ताल का उपयोग करते थे – 1934 की ‘एंडलेस रिदम’ इसका अच्छा उदाहरण है। अमूर्त कला के अन्य प्रसिद्ध नामों में पिएट मोंड्रियन, मार्क रोथको और जैक्सन पोलक शामिल हैं। अधिकांश लोग शायद उनकी चित्रकारी देख चुके होंगे, बिना यह जाने कि वे कौन हैं, क्योंकि उनके चित्रों की प्रतियां इकेया से लेकर सुपरमार्केट के शुभकामना कार्ड की अलमारियों तक हर जगह मिलती हैं।

मोंड्रियन की क्यूबिस्ट शैली प्रतिष्ठित है और आमतौर पर रंगीन ब्लॉकों के ग्रिड से बनी होती है, जैसे ‘कंपोजीशन II इन रेड, ब्लू, एंड येलो’, और आज भी लोकप्रिय है। रोथको भी बड़े रंगीन ब्लॉकों को पसंद करते थे जिनकी सीमाएं धुंधली होती थीं। उन्होंने कभी अपने चित्रों के विषय का खुलासा नहीं किया, बल्कि दर्शक को इसे अपनी समझ से देखने की अनुमति दी। पोलक, दूसरी ओर, अपनी रोमांचक ड्रिप शैली के लिए जाने जाते थे (जैसे ‘नं.5, 1948’ में देखा गया), जहाँ रंग आमतौर पर बड़े कैनवास पर बहता था और उन्हें ‘जैक द ड्रिपर’ की उपाधि मिली। उनकी विरासत आज भी कई कलाकारों को प्रेरित करती है, जिनमें से कई अमूर्त कला के क्षेत्र में स्थापित हो चुके हैं और जिनका कार्य IdeelArt पर प्रदर्शित होता है।

Pierre Muckensturm - 17p23091, 2014। कैनवास पर ऐक्रेलिक। 222.5 x 183 सेमी।

IdeelArt और अमूर्तन

IdeelArt एक ऑनलाइन चयनित प्रदर्शनी है जो अन्य किसी से अलग है, जहाँ प्रदर्शित कार्य हजारों समकालीन अमूर्त कलाकारों में से सावधानीपूर्वक चुने गए हैं और सीधे उनके कार्यशालाओं से आते हैं – जो प्रामाणिकता और मौलिकता दोनों की गारंटी देता है। यह एक नवोन्मेषी प्रदर्शक भी है; जो अमूर्त कलाकारों का ऑनलाइन प्रतिनिधित्व, समर्थन और प्रचार करता है, उनकी ई-प्रतिष्ठा को बढ़ाता है, और उनके कार्यों को विश्व स्तर पर वेब के माध्यम से प्रदर्शित और वितरित करता है।

IdeelArt में, हमें यह विचार पसंद है कि शब्द उस कला का वर्णन आसानी से नहीं कर सकते जिसकी असली प्रकृति किसी भी प्रकार के प्रतिनिधित्व से परे होती है, लेकिन हम खुद को अमूर्तन की ‘गैर-आकृतिक’ दिशा में रखते हैं, जहाँ हम कुछ बेहतरीन अंतरराष्ट्रीय अमूर्त कलाकारों के कार्य प्रदर्शित करते हैं। इसे और समझने और सराहने के लिए, हमारे चयनित कलाकृतियों पर नज़र डालें।

मुख्य चित्र: Jeremy Annear - जैज़-लाइन, 2016। कैनवास पर तेल। 80 x 100 सेमी।