Un museo in Tasmania riunisce i fondatori del movimento artistico Zero

Il collezionista d'arte australiano e magnate del gioco David Walsh ha recentemente inaugurato una mostra storica del movimento artistico Zero presso il suo Museo d'Arte Antica e Contemporanea (MONA) a Hobart, Tasmania. Intitolata ZERO, la mostra presenta opere di 16 artisti provenienti da sette paesi, alcune delle quali sono state installate per la prima volta da quando sono state presentate oltre mezzo secolo fa. Aggiungendo ulteriore drammaticità per i visitatori e maggiore incentivo a fare il viaggio in questo luogo remoto, c'è l'ambiente in cui si svolge questa monumentale esposizione. Il MONA è per lo più sotterraneo. L'edificio è costruito a diversi piani sotto un paio di edifici storici dell'architetto modernista australiano Roy Grounds. A differenza della maggior parte degli altri musei, che accolgono la luce naturale e si sforzano di far sentire i visitatori in uno spazio aperto e accogliente, il MONA è decisamente innaturale e, a volte, persino un po' inospitale. Entrando, i visitatori scendono in un ambiente piuttosto alieno dove la forza dell'architettura spesso compete con l'arte che è destinata a sostenere. Eppure, lo spazio spinge anche gli spettatori a cercare conforto l'uno dall'altro e dall'opera. In un certo senso, l'ambientazione è ideale per mettere in mostra il lavoro degli artisti Zero, poiché incarna due delle loro idee essenziali: che l'arte riguarda le possibilità e l'ignoto, e che dovrebbe coinvolgere esperienze reali tra persone, materiali e spazio.

Salvato da zero

Il movimento Zero fu fondato da Heinz Mack e Otto Piene nel 1957 con il desiderio di ricominciare. Come molti dei loro contemporanei, Mack e Piene cercavano di sfuggire al passato e di allontanarsi dall'egoismo e dall'emozione che avevano preso il controllo su gran parte dell'arte del loro tempo. A Düsseldorf, dove vivevano e lavoravano, c'erano poche gallerie d'arte. E altrove, i gusti del mercato tendevano verso opere d'arte che esprimevano una sorta di “culto dell'individualità”, incarnato da posizioni estetiche che esprimevano emozioni personali, come Tachisme, Art Informel e Espressionismo Astratto. Mack e Piene consideravano la collaborazione più importante dell'individualismo. Credevano che il valore dell'arte risiedesse nell'esperienza che poteva innescare tra creatori, spettatori, materiali e ambienti. Sentivano che l'oggetto tradizionale, singolo, creato dall'artista fosse morto e volevano innescare un nuovo punto di partenza da cui potessero permettere al futuro di mettere radici.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), anni '60; ricreato nel 2012. Collezione More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Immagine per gentile concessione del Museum of Old and New Art (Mona)

Mack e Piene tennero la loro prima esposizione di ciò che consideravano il futuro dell'arte l'11 aprile 1957, nel loro studio. Era un evento di una sola notte destinato ad abbracciare l'ephemeralità. La mostra generò un immenso interesse e fu rapidamente seguita da diverse altre esposizioni esperienziali, sempre di una sola notte. Ma fu solo dopo la loro quarta esposizione, nel settembre del 1957, che coniarono la parola Zero per descrivere la loro collaborazione. La parola intendeva trasmettere l'idea che il passato era ufficialmente finito—era un punto di partenza per il futuro. Come lo descrisse Piene: “Noi consideravamo il termine...come una parola che indicava una zona di silenzio e di pure possibilità per un nuovo inizio, come nel conto alla rovescia quando i razzi decollano—zero è la zona incomensurabile in cui il vecchio stato si trasforma nel nuovo.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Stanza di Frantumazione delle Bottiglie), 1961; ricreata nel 2018. Collezione Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Copyright: Adolf Luther Stiftung. Immagine per gentile concessione del Museo dell'Arte Antica e Contemporanea (Mona)

ZERO, non Zero

Nonostante l'apertura del movimento, Mack e Piene avevano una strana concezione. Stabilirono che, quando si scriveva su di loro, i fondatori dovessero essere chiamati "Zero", mentre gli altri artisti associati dovessero essere chiamati "ZERO". È per questo che l'esposizione al MONA utilizza tutte le lettere maiuscole: perché presenta principalmente opere della più ampia rete internazionale di artisti che si associano alla filosofia. Tuttavia, come chiarisce ZERO al MONA, non c'erano estranei nel movimento. Tutti erano i benvenuti. Non c'era un manifesto di Zero e non c'era un'iscrizione ufficiale. Questo atteggiamento ha portato alla creazione di una vasta gamma di opere da parte degli artisti ZERO, incarnate in questa esposizione dalla ricreazione di opere fondamentali come "Bottle Smashing Room" (1961) di Adolf Luthor e "Mirror Environment" (1963) di Christian Megert. L'atteggiamento accogliente del movimento è dimostrato anche in questa esposizione dall'inclusione di artisti provenienti da molti altri movimenti internazionali che Zero ha contribuito a ispirare, come il Gutai Group in Giappone, al Nouveau Realism a Parigi, allo Light and Space negli Stati Uniti, fino al movimento internazionale noto come Fluxus. A dimostrare queste connessioni ci sono opere rare di Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein e Yayoi Kusama, ad esempio, che evidenziano aspetti della loro pratica molto diversi dal lavoro per cui sono principalmente conosciuti.

Roy Lichtenstein - Seascape II, 1965. Collezione Kern, Großmaischeid. Copyright: Estate of Roy Lichtenstein/Copyright Agency, 2018. Immagine cortesemente fornita dall'artista e dal Museum of Old and New Art (Mona)

Uno degli aspetti più importanti di questa esposizione è che riporta l'attenzione contemporanea sulla necessità di rinnovare l'arte contemporanea. Anche se i fondatori di Zero si sono ufficialmente sciolti nel 1966, il movimento che hanno avviato non è mai realmente finito. E questa esposizione accenna anche a qualcosa di ancora più importante: l'idea che forse il movimento artistico Zero non sia mai realmente iniziato. Non era forse un movimento inventato in un luogo e in un momento specifico, ma piuttosto parte di un continuum molto più ampio che si estende all'infinito, fino al primo momento in cui gli esseri umani desiderarono utilizzare fenomeni visivi per andare oltre se stessi verso qualcosa di puro e nuovo. Le opere in ZERo al MONA sono così fresche e vitali, anche ora, che mi ispirano a credere che ZERO possa continuare anche oggi, ogni volta che gruppi di artisti si riuniscono per collaborare a creazioni estetiche che vanno oltre ciò che è previsto o ciò che è già conosciuto. In questo momento, infatti, questa esposizione e il messaggio che trasmette sono essenziali. Ci ricorda quel principio chiave dell'arte Zero: che l'arte riguarda esperienze e relazioni tra le persone, il loro ambiente e i loro sforzi collaborativi per immaginare un futuro migliore. ZERO al MONA è visibile fino al 22 aprile 2019.

Immagine in evidenza: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastic Space), 1967–68. Collezione Archivio Gianni Colombo, Milano © Archivio Gianni Colombo. Immagine per gentile concessione del Museum of Old and New Art (Mona)

Di Phillip Park