Un museo in Tasmania riunisce i fondatori del movimento artistico Zero

Il collezionista d’arte australiano e magnate del gioco d’azzardo David Walsh ha recentemente inaugurato una mostra storica del movimento artistico Zero presso il suo Museo di Arte Antica e Moderna (MONA) a Hobart, Tasmania. Intitolata ZERO, la mostra presenta opere di 16 artisti provenienti da sette paesi, molte delle quali sono state esposte per la prima volta dopo il loro debutto di oltre mezzo secolo fa. A rendere l’esperienza ancora più intensa per i visitatori, e a dare un motivo in più per intraprendere il viaggio verso questa località remota, è l’ambiente in cui si svolge questa mostra monumentale. MONA è per lo più sotterraneo. L’edificio è costruito su più piani sotto una coppia di edifici simbolo dell’architetto modernista australiano Roy Grounds. A differenza della maggior parte degli altri musei, che accolgono la luce naturale e cercano di far sentire i visitatori in uno spazio aperto e accogliente, MONA è decisamente innaturale e a volte persino un po’ poco ospitale. Entrando, i visitatori scendono in un ambiente alquanto alieno dove la forza dell’architettura spesso compete con l’arte che dovrebbe sostenere. Eppure lo spazio spinge anche gli spettatori a cercare conforto l’uno nell’altro e nelle opere. In un certo senso, l’ambientazione è ideale per mettere in mostra il lavoro degli artisti Zero, poiché incarna due delle loro idee essenziali: che l’arte riguarda le possibilità e l’ignoto, e che dovrebbe coinvolgere esperienze reali tra persone, materiali e spazio.

Salvati dallo Zero

Il movimento Zero fu fondato da Heinz Mack e Otto Piene nel 1957 con il desiderio di ricominciare da capo. Come molti dei loro contemporanei, Mack e Piene cercavano di fuggire dal passato e di allontanarsi dall’egotismo e dall’emotività che avevano preso il sopravvento su gran parte dell’arte del loro tempo. A Düsseldorf, dove vivevano e lavoravano, c’erano poche gallerie d’arte. E altrove, i gusti del mercato tendevano verso opere che esprimevano una sorta di “culto dell’individualità”, incarnato da posizioni estetiche che esprimevano emozioni personali, come il Tachisme, Art Informel e Espressionismo Astratto. Mack e Piene consideravano la collaborazione più importante dell’individualismo. Credevano che il valore dell’arte risiedesse nell’esperienza che poteva generare tra creatori, spettatori, materiali e ambienti. Ritenevano che l’oggetto artistico tradizionale, singolo e realizzato dall’artista, fosse morto, e volevano dare inizio a un nuovo punto di partenza da cui permettere al futuro di radicarsi.

Otto Piene - Pirouetten (Piroette), anni ’60; ricostruita nel 2012. Collezione More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Immagine concessa dal Museo di Arte Antica e Moderna (Mona)

Mack e Piene tennero la loro prima mostra di ciò che consideravano il futuro dell’arte l’11 aprile 1957, nel loro studio. Fu un evento di una sola sera pensato per abbracciare l’effimero. La mostra suscitò un enorme interesse e fu rapidamente seguita da altre esposizioni esperienziali di una sola notte. Ma fu solo dopo la loro quarta mostra, nel settembre del 1957, che coniarono la parola Zero per descrivere il loro gruppo collaborativo. La parola voleva trasmettere l’idea che il passato fosse ufficialmente finito—era un punto di partenza per il futuro. Come lo descrisse Piene: “Consideravamo il termine... come una parola che indica una zona di silenzio e di pure possibilità per un nuovo inizio, come nel conto alla rovescia quando i razzi decollano—zero è la zona incommensurabile in cui lo stato vecchio si trasforma in quello nuovo.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Stanza della rottura delle bottiglie), 1961; ricostruita nel 2018. Collezione Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Copyright: Adolf Luther Stiftung. Immagine concessa dal Museo di Arte Antica e Moderna (Mona)

ZERO, non Zero

Nonostante l’apertura del movimento, Mack e Piene avevano una singolare particolarità. Stabilirono che, quando si scriveva di loro, i fondatori dovessero essere indicati come “Zero”, mentre gli altri artisti associati dovessero essere indicati come “ZERO”. Per questo la mostra al MONA usa tutte le lettere maiuscole—perché presenta principalmente opere della più ampia rete internazionale di artisti che si riconoscono nella filosofia. Tuttavia, come chiarisce ZERO al MONA, non c’erano estranei nel movimento. Tutti erano benvenuti. Non esisteva un manifesto Zero, né un’adesione ufficiale. Questo atteggiamento ha portato alla creazione di una vasta gamma di opere da parte degli artisti ZERO, incarnate in questa mostra dalla ricostruzione di opere fondamentali di ZERO come “Stanza della rottura delle bottiglie” (1961) di Adolf Luther e “Ambiente a specchio” (1963) di Christian Megert. L’atteggiamento accogliente del movimento è dimostrato anche in questa mostra dall’inclusione di artisti di molti altri movimenti internazionali che Zero ha contribuito a ispirare, come il Gruppo Gutai in Giappone, il Nuovo Realismo a Parigi, la Luce e Spazio negli Stati Uniti, e il movimento internazionale noto come Fluxus. A dimostrare queste connessioni ci sono opere rare di Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein e Yayoi Kusama, per esempio, che evidenziano aspetti della loro pratica molto diversi dal lavoro per cui sono principalmente conosciuti.

Roy Lichtenstein - Paesaggio marino II, 1965. Collezione Kern, Großmaischeid. Copyright: Eredità di Roy Lichtenstein/ Copyright Agency, 2018. Immagine concessa dall’artista e dal Museo di Arte Antica e Moderna (Mona)

Uno degli aspetti più importanti di questa mostra è che riporta l’attenzione contemporanea sulla necessità di rinnovare l’arte contemporanea. Anche se i fondatori di Zero si sciolsero ufficialmente nel 1966, il movimento che hanno avviato non è mai veramente finito. E questa mostra suggerisce anche qualcosa di ancora più importante: l’idea che forse il movimento artistico Zero non sia mai davvero iniziato. Forse non fu un movimento inventato in un luogo e in un momento precisi, ma piuttosto parte di un continuum molto più ampio che si estende all’infinito, fino al primo momento in cui gli esseri umani desiderarono usare fenomeni visivi per andare oltre se stessi verso qualcosa di puro e nuovo. Le opere in ZERO al MONA sono così fresche e vitali, anche ora, che mi ispirano a credere che ZERO possa continuare ancora oggi, ogni volta che gruppi di artisti si riuniscono per collaborare a creazioni estetiche che vanno oltre ciò che è previsto o già noto. In questo momento, infatti, questa mostra e il messaggio che trasmette sono essenziali. Ci ricordano quel principio chiave dell’arte Zero: che l’arte riguarda esperienze e relazioni tra persone, il loro ambiente e i loro sforzi collaborativi per immaginare un futuro migliore. ZERO al MONA è aperta fino al 22 aprile 2019.

Immagine in evidenza: Gianni Colombo - Spazio elastico, 1967–68. Collezione Archivio Gianni Colombo, Milano © Archivio Gianni Colombo. Immagine concessa dal Museo di Arte Antica e Moderna (Mona)

Di Phillip Barcio