Alberto Burri e la Trasformazione dei Materiali

Se diciamo che un'opera d'arte ha un significato, ciò implica che crediamo che il significato esista. Ma se il significato esiste, la vita stessa non dovrebbe essere la cosa più significativa? Dopotutto, è solo perché siamo vivi che possiamo godere nel riflettere sul significato di altre cose. Alberto Burri è diventato un artista in un periodo di paradosso riguardo al significato. Ha iniziato a dipingere come prigioniero di guerra durante la Seconda Guerra Mondiale. Era stato un medico prima della guerra e aveva servito in prima linea nell'infanteria italiana, e come tale aveva assistito in prima persona alla conclusione a cui evidentemente era giunta la civiltà riguardo all'apparente mancanza di significato della vita umana. Eppure, allo stesso tempo, artisti in Europa e America si gettavano a capofitto in modalità di espressione che riguardavano interamente il significato personale: significato inconscio, significato psicologico, significato nascosto e significato universale. In qualche modo la società stava mantenendo due pensieri opposti: che un essere vivente possa avere così poco significato da poter essere sprecato in guerra, e che un oggetto inanimato possa possedere un significato tale da diventare inestimabile. Il lavoro di Burri, almeno in parte, affronta i suoi sentimenti su ciò che dovrebbe e ha significato. Considerandolo da vicino, possiamo forse arrivare a scoprire alcune delle verità che questo artista unico ha rivelato; verità che potrebbero aumentare la nostra comprensione dell'arte astratta e di noi stessi.

Le Radici di Alberto Burri

In un certo senso, senza la guerra forse Alberto Burri non sarebbe diventato un artista. Sarebbe diventato un medico di campagna invece. Burri nacque in un piccolo paese in Umbria, Italia, nel 1915, da un padre che vendeva vino e una madre che insegnava a scuola. La campagna della sua casa è idilliaca. Il suo paesaggio sarebbe poi diventato oggetto di molte delle prime opere di Burri, quelle che si insegnò a dipingere come prigioniero di guerra americano in Texas. Nel 1940, Burri si laureò in medicina. Aveva appena iniziato a esercitare come medico quando, più tardi nello stesso anno, l'Italia entrò nella Seconda Guerra Mondiale. Burri fu arruolato nell'infanteria. Per quasi tre anni combatté come soldato in prima linea in Nord Africa, servendo anche come medico sul campo.

Quando l'unità di Burri fu catturata, fu inviato in un campo di prigionia a Hereford, Texas. Lì, Burri non poteva praticare la medicina. Così, come molti altri prigionieri di guerra, si dedicò alla pittura per passare il tempo. Mancando di tele adeguate, dipinse su sacchi di juta. Dipinse paesaggi idilliaci di ciò che vedeva in Texas e di ciò che aveva visto in precedenza nella vita, in Umbria. Dopo la guerra, una volta rimpatriato in Italia, Burri abbandonò per sempre la medicina, dedicandosi completamente alla sua arte. Ma portò la sua estetica in una direzione molto diversa. Ridusse il suo linguaggio visivo, creando immagini che erano interamente astratte. Continuò a utilizzare la juta, che era in surplus nell'Italia del dopoguerra, e incorporò anche altri materiali, mezzi e strumenti che erano economici e facilmente disponibili. La sua tavolozza e le sue immagini assomigliavano al paesaggio lacerato del suo paese natale e alla texture e all'aspetto di tanto ciò che era stato sprecato.

Alberto Burri - Bianco, oil, fabric collage, sand, glue and burlap on canvas, 1952. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

La corsa al significato

Il fatto che lo stile recentemente astratto di Burri incorporates colori, texture, materiali e forme che ricordano la distruzione e il massacro sembra un invito per gli spettatori a supporre che stesse creando opere sulle sue esperienze come medico e soldato. Ma Burri ha affermato per tutta la sua carriera che non c'era alcun significato da trovare nelle sue scelte, e che non c'era alcun significato nelle sue immagini. Nel 1994, disse in riferimento a tutta la sua opera, “Forma e Spazio! La fine. Non c'è nient'altro.”

Forse in quella dichiarazione si trova la verità più profonda che Burri ha scoperto riguardo al significato e all'esistenza. L'unica universalità condivisa da tutte le cose, compresi gli esseri umani, i dipinti, gli animali e le bombe, è che tutto è solo materia che assume forme diverse nello spazio. Nella filosofia, il Realismo Materiale dà priorità al mondo fisico rispetto al mondo conscio. A volte gli atei usano il termine in riferimento alla loro negazione di un regno spirituale. A volte gli scienziati lo usano per separare le osservazioni oggettive dalle loro reazioni personali a quelle stesse osservazioni. Se dobbiamo credere a ciò che Alberto Burri stesso dice riguardo al suo lavoro (e perché non dovremmo?), la sua opera d'arte esemplifica il Realismo Materiale. Esplora la realtà delle proprietà formali e fisiche dei suoi materiali, e nient'altro.

Alberto Burri - Sacco e Rosso, acrylic paint and jute sack on canvas, 1954 (Left) / Sacco 5 P, fabric on canvas, burlap and hand stitching, 1953 (Right). © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Le Realtà Materiali di Burri

In termini delle qualità formali della sua opera, Burri è stato un innovatore estremamente creativo. Ha pionierato una gamma di tecniche per creare il suo lavoro e ha incorporato una gamma altrettanto diversificata di materiali per evidenziare l'impatto di quelle tecniche. Prendendo in prestito il concetto di collage, le sue immagini hanno assunto un aspetto stratificato che sfumava il confine tra pittura, rilievo e scultura. Le sue opere più antiche erano miscele di vernice e tessuto stratificato, che cuciva e cuciva insieme. In seguito ha aggiunto dimensionalità tagliando, strappando e praticando fori nelle sue superfici. Ha usato il fuoco per bruciare elementi in legno del suo lavoro, utilizzando il processo di carbonizzazione per creare le sue forme. Ha usato il calore per fondere la plastica, aggiungendo una dimensione e una texture stranamente organiche alle sue composizioni.

Alberto Burri - Rosso plastica M 2, 1962. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Nel tentativo di ribadire la natura formalista della sua arte, piuttosto che dare ai suoi lavori nomi poetici, li ha semplicemente intitolati in base alla loro natura fisica, utilizzando le parole italiane per il loro colore, materiale o la tecnica che ha usato per realizzarli. Le sue opere realizzate con catrame le chiamava Catrami, le sue opere in plastica fusa erano Plastichi, le sue opere in legno erano chiamate Legni. Chiamava le sue opere in juta Sacchi, la parola italiana per sacchi. Le opere che realizzava con il fuoco erano chiamate Cumbustiono, e le sue iconiche opere gonfie, che realizzava inserendo protrusioni estranee dietro le superfici; le chiamava Gobbi, la parola italiana per gobbi.

Alberto Burri - Rosso Gobbo, 1953. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

La grande crepa

Una delle realizzazioni più iconiche della carriera di Burri si è manifestata sotto forma di un'estetica che ha pionierato e che ha chiamato Cretto, una parola in gergo toscano per crepa. Per ottenere Cretto, ha esagerato i processi che portano all'aspetto naturale di sottili crepe nei vari medium pittorici man mano che invecchiano nel tempo, un effetto noto come craquelure. L'effetto è normalmente considerato un elemento dannoso per un dipinto. Ad esempio, il dipinto seminale di Kazimir Malevich Black Square, che un tempo era una forma nera solida, ora è invecchiato così male da apparire simile a uno dei dipinti Cretto di Burri.

Alberto Burri - Cretto, Acrovinyl on cellotex, 1975. © Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri, Città di Castello/2018 Artists Rights Society (ARS), New York/SIAE, Rome

Attraverso l'appropriazione di un processo normalmente attribuito alla decadenza, trasformandolo invece in un processo di creazione, Burri esprime nuovamente una dicotomia essenziale sul significato delle cose. Crea attraverso l'atto di distruzione. Trova bellezza nella decadenza. La manifestazione ultima di questa espressione è avvenuta nel 1985 quando Burri la utilizzò per creare la sua opera più monumentale, Il Grande Cretto. Una delle opere di land art più grandi conosciute, Il Grande Cretto è stata costruita sopra il sito dell'ex città di una città annientata, la città di Gibellina in Sicilia, che fu distrutta da un terremoto nel 1968. Il Grande Cretto si erge sopra le sue rovine, un'imponente assemblaggio di forme di pietra e crepe che misura circa 120.000 metri quadrati.

Kazimir Malevich - Black Square, 1915, 80 cm x 80 cm, © State Tretyakov Gallery, Moscow

Un'eredità di innovazione

Burri non è stato l'unico artista ispirato a rivolgersi a questo tipo di estetica dopo la Seconda Guerra Mondiale. Negli anni '60, così tanti artisti utilizzavano materiali scartati, apparentemente privi di valore, nel loro lavoro che il termine Arte Povera, o arte povera, è stato coniato per riferirsi al loro stile. E il termine Art Informel è stato coniato per riferirsi alle tele selvagge ed espressive che i pittori stavano creando attraverso l'intuizione e l'azione emotiva. Sebbene l'estetica di Burri lo abbia fatto associare sia all'Arte Povera che all'Art Informel, egli ha avuto un motivo molto diverso per abbracciare questa estetica rispetto agli altri che sono venuti dopo di lui.

Arte Povera è stata una reazione a qualcos'altro che stava accadendo nell'arte; è stato un ritorno a un'estetica proletaria. Arte Informel è stata un'abbraccio dell'espressione personale e del potere di creare opere che esprimessero qualcosa di profondo e nascosto all'interno dell'opera. Ciò che Burri ha fatto non è stata una reazione contro qualcos'altro. E nessun significato era nascosto nella sua opera. Ha detto: “Le parole non significano nulla per me; parlano attorno all'immagine. Ciò che devo esprimere appare nell'immagine.” Questo approccio unico e sicuro a un'esaminazione completamente formale dei materiali, della forma e dello spazio ha lasciato un esempio che affermava qualcosa di speranzoso: I dipinti sono solo dipinti. È l'artista a determinare il loro significato, e quindi l'artista – l'individuo vivente, respirante e creativo – dovrebbe essere valorizzato.

Immagine in evidenza: Alberto Burri - Ferro, 1954, crediti foto Guggenheim Museum
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park