Brice Marden e il trattamento calligrafico della linea

Oltre ai tradizionali pennelli, su un tavolo nello studio di New York di Brice Marden ci sono dozzine di bastoncini. Solo normali bastoncini presi dai rami degli alberi, tranne per il fatto che ogni bastoncino è colorato su una punta, risultato di essere stato immerso nell'inchiostro. Marden disegna con essi, creando simboli gestuali in colonne e righe su carta, in composizioni evocative di poesia scritta su un rotolo. Disegnati intuitivamente dall'immaginazione di Marden, i simboli sono parzialmente ispirati dalla calligrafia cinese. Sono anche influenzati da oggetti chiamati gongshí, altrimenti noti come pietre da studioso cinesi. Le rocce gongshí si trovano in, o meglio, vengono scelte dalla natura. Sono apprezzate per le loro proprietà fisiche astratte e sono utilizzate dagli studiosi per scopi contemplativi. Molto si può imparare dallo studio delle loro forme, delle loro rughe, delle loro perforazioni, del loro equilibrio asimmetrico, della lucentezza delle loro superfici, delle loro qualità testurali, dei loro colori e della loro somiglianza con le cose naturali. Come nei dipinti che Marden realizza, le potenzialità all'interno del gongshí aspettano di essere scoperte, nascoste in bella vista all'interno degli strati e delle linee.

L'immagine dell'aereo

Brice Marden è emerso come pittore negli anni '60. Ha conseguito il suo MFA presso la Yale University nel 1963 e si è trasferito a New York City nello stesso anno. Gli è stata rapidamente offerta una posizione come guardiano di sicurezza al Jewish Museum. Lì ha potuto studiare il lavoro dei suoi contemporanei più affermati. In quel periodo, molti dei suoi colleghi artisti avvertivano un generale malessere nei confronti della pittura. Alcuni deridevano la tradizionale tela rettangolare e sperimentavano con tele formate in forme insolite. E molti artisti stavano persino proclamando apertamente la morte della pittura.

Ma Marden non avrebbe potuto essere più in disaccordo. Nella sua mente c'era ancora molto da fare per la pittura. Intorno al 1964, iniziò a concentrare la sua attenzione su il piano della pittura. Espressa in un altro modo, il piano si riferisce alla totalità della superficie di un dipinto. Qualsiasi cosa un pittore aggiunga al dipinto esiste all'interno del piano. Gran parte del Modernismo si concentrava sull'appiattimento del piano il più possibile, eliminando la prospettiva, la spinta e la trazione, o qualsiasi cosa che potesse aggiungere profondità all'immagine. Per raggiungere l'apice di quel obiettivo, Marden iniziò a dipingere monocromi, che considerava la manifestazione ultima della piattezza. Chiamò la sua versione del monocromo l'Immagine Piano, perché, come disse, “il piano era l'immagine”.

Brice Marden - Il dipinto di Dylan, 1966. Olio e cera d'api su tela. 153,35 x 306,07 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

In lode dei rettangoli

Per quanto riguarda il disprezzo che i pittori degli anni '60 provavano per la tela rettilinea, Brice Marden non era, e non è ancora, decisamente nel campo degli odiatori. Considera il rettangolo la forma definitiva per un dipinto. In un'intervista con la National Gallery of Art nel 2014, ha detto: “Il rettangolo è una grande invenzione umana. Negli anni '60 c'era molto di questo tipo di dipinti a forma. Ma a me piaceva davvero il rettangolo. E pensavo che se riuscissi a ottenere il colore esatto per quella forma, e se lo avessi davvero azzeccato, se avessi la correttezza assoluta della forma, Dio sa cosa quel dipinto sarebbe stato capace di fare.”

Quell'idea, che un dipinto possa fare qualcosa, rivela in Marden un profondo rispetto per l'arte in generale e in particolare per la pittura. Negli anni in cui realizzava i suoi monocromi, si stava svolgendo una conversazione più ampia su cosa fosse e potesse essere l'arte. L'idea popolare era che l'arte potesse essere qualsiasi cosa e che tutto fosse potenzialmente arte. Marden non era d'accordo. Difese l'arte come un impegno umanistico, insistendo sul fatto che un'opera d'arte deve essere realizzata da mani umane. Negli anni '60 e '70, si fece un nome difendendo la pittura attraverso i suoi audaci monocromi dipinti su rettangoli senza scuse. Quest'opera lo rese famoso e nel 1975 era considerato uno dei maestri del Minimalismo, ricevendo una retrospettiva personale al Guggenheim di New York.

Brice Marden - Le Stagioni, 1974-75. Olio su tela. 243,8 x 632,5 cm. La Collezione Menil, Houston, TX. © Brice Marden

L'Occidente incontra l'Oriente

Proprio mentre Marden stava raggiungendo l'apice della sua fama negli anni '70, stava anche iniziando a cercare nuove direzioni in cui portare la sua arte. Nei primi anni '80, trovò l'ispirazione che stava cercando, quando una serie di incontri con la cultura orientale lo aiutò a ispirarsi verso una nuova relazione con l'immagine dipinta. In particolare, notò la calligrafia cinese, ammirando sia le linee gestuali dei singoli simboli sia la qualità a griglia delle colonne e delle righe dei versi scritti.

Iniziò una serie di dipinti, basati su estetiche calligrafiche, chiamati i dipinti della Montagna Fredda. Per realizzarli, dipinse uno strato di simboli calligrafici astratti e intuitivi, poi raschiò la vernice e dipinse un altro strato di simboli, ripetendo il processo fino a quando la composizione non fu risolta. Il nome Montagna Fredda è stato ispirato dai Poemi della Montagna Fredda, una serie di centinaia di poesie scritte da un monaco cinese eremita di nome Hanshan nel IX secolo. La palette netta e l'aspetto calligrafico dei dipinti parlano dell'estetica dei rotoli poetici, mentre le loro immagini gestuali e stratificate evocano lo spirito delle poesie, che abbracciavano la libertà, la natura e la ricerca dell'armonia.

Brice Marden - Cold Mountain 6 (Bridge), 1989-1991. Olio su tela. 108 × 144 in. 274.3 × 365.8 cm. Museo d'Arte Moderna di San Francisco (SFMOMA), San Francisco, CA. © Brice Marden

Le rocce dello studioso

Oltre alla calligrafia, la principale influenza orientale su Marden è stata il suo incontro con gongshí, o pietre da studioso cinesi. Si dice che nelle pietre sia visibile l'intero mondo e tutta la vita. Negli ultimi anni, Marden ha accumulato una collezione di rocce da studioso nel suo studio. Esplora le loro complessità, i loro schemi, i loro strati, le loro relazioni cromatiche e le complesse armonie che osserva in esse. Queste osservazioni si sono manifestate in una serie chiamata i dipinti delle Rocce Rosse.

Nei dipinti delle Red Rocks, Marden lavora nuovamente a strati, creando forme lineari, raschiandole, dipingendole sopra e costruendo gradualmente la vernice fino a quando l'immagine si risolve. Le forme finali in questi dipinti sembrano relazionarsi più direttamente alle forme naturali evidenti nelle pietre. Ma contengono ancora l'energia gestuale dei suoi segni calligrafici, conferendo un costante senso di movimento alle composizioni.

Brice Marden - Orange Rocks, Red Ground 3, 2000-2002. Olio su lino. 75 x 107 in. © Brice Marden

È tutto nella pittura

Inoltre, nei suoi dipinti Red Rock, Marden estende il suo uso della linea fino ai margini più lontani della tela, utilizzando la linea come un modo per delineare il bordo della cornice, migliorando il senso dei limiti rettangolari dell'opera. Parlando recentemente di queste opere, ha notato che la sua scelta di utilizzare la linea in questo modo era legata a domande sulla natura dei dipinti e su come venivano interpretati. Ha detto: “Questa immagine non è un dettaglio. Questa immagine è se stessa. Non succede nulla al di fuori di essa. È di questo che si tratta tutto questo inquadramento.”

Quella affermazione, che niente accade al di fuori del dipinto, e che tutto ciò che è essenziale è contenuto al suo interno, è vitale per i temi generali delle tradizioni orientali che hanno ispirato le opere lineari calligrafiche che Marden realizza. È un'alternativa alla percezione culturale che gli esseri umani in qualche modo esistano al di fuori della natura e possano operare indipendentemente da essa. La realtà è che gli esseri umani fanno parte della natura, non sono separati da essa osservandola dall'esterno. Tutto è nella natura, compresi noi. Niente accade al di fuori di essa.

Brice Marden - Return I, 1964-65. Olio su tela. 50 1/4 x 68 1/4" (127,6 x 173,4 cm). Collezione MoMA. Dono frazionale e promesso di Kathy e Richard S. Fuld, Jr. © 2019 Brice Marden / Artists Rights Society (ARS), New York

Linee sfocate

"Guardando oltre i sei decenni di lavoro di Brice Marden, ci sono delle costanti che attraversano l'intera sua opera. La sua tavolozza è costantemente tenue e ha costantemente abbracciato i rettangoli, sia direttamente nelle sue opere monocromatiche a pannelli rettangolari, sia indirettamente nelle sue composizioni lineari calligrafiche. Ma ci sono stati anche cambiamenti profondi, poiché è passato dal cercare una totale piattezza con l'Immagine Piana all'abbracciare un senso stratificato di profondità nel suo lavoro lineare."

Per Marden, quei cambiamenti rappresentano un elemento della pittura che apprezza. Ogni dipinto che osserva da ciascuna fase della sua carriera è un promemoria di chi era in quel momento. Essere in grado di tornare indietro e incontrare quelle opere gli offre un senso di essere radicato in qualcosa di immutabile, nonostante il cambiamento costante. Come ha espresso una volta, “Una delle cose riguardo a un dipinto è che rimane così. E puoi tornarci. E ogni volta che ci torni sei diverso, ma è lo stesso. È una cosa stabile.”

Immagine in evidenza: Brice Marden - Second Letter, Zen Spring (dettaglio), 2006 – 2009. Olio su lino. © Brice Marden
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park