Sviluppare l’Astrazione Ottica: Come Victor Vasarely Ha Trovato il Suo Stile Unico

Si presume talvolta che quando parliamo di “arti e scienze” ci riferiamo a cose nettamente diverse. La scienza riguarda lo studio delle cose, dopotutto, mentre l'arte riguarda la creazione di cose. Ma gli scienziati non creano forse anch’essi e gli artisti non studiano? E l’immaginazione non è forse parte integrante di entrambi? Victor Vasarely era sia scienziato che artista. Padre di un movimento di arte astratta modernista noto come Op-Art, abitava con disinvoltura entrambi i mondi. Inizialmente formato in medicina, Vasarely affrontava l’arte da una prospettiva sistematica. Analizzava le qualità formali di ciò che costituiva un oggetto estetico. Studiava la natura alla ricerca dei mattoni fondamentali dell’universo visivo. E analizzava il modo in cui gli spettatori percepivano l’universo visivo per capire come l’arte potesse aiutare a rivelare verità fondamentali. Dagli anni ’20, quando condusse i suoi primi esperimenti estetici, fino agli anni ’60, quando rivelò la sua creazione definitiva, l’“Alphabet Plastique”, e fino alla fine della sua vita a 90 anni, Vasarely affrontò la sua arte da un punto di vista che includeva contemporaneamente creatività e analisi. Lungo il percorso cambiò il modo in cui gli esseri umani vedono lo spazio bidimensionale e creò un corpus di opere che, anche decenni dopo la sua morte, continua a ispirare artisti, amanti dell’arte, designer e scienziati.

Victor Vasarely: lo scienziato

Nel 1906, quando nacque Victor Vasarely, artisti e scienziati erano ugualmente rispettati. A Budapest, dove Vasarely frequentò l'università, non sarebbe stato insolito che membri di entrambi i campi interagissero tra loro, specialmente nei vivaci caffè lungo le rive del Danubio, che erano centri della scena intellettuale europea. Quando Vasarely entrò per la prima volta all'università, studiava per diventare medico presso la Scuola di Medicina dell'Università di Budapest. Ma dopo due anni di corso cambiò improvvisamente direzione e decise di dedicarsi allo studio dell'arte.

Ma sebbene il suo soggetto cambiasse, il suo approccio all'apprendimento non mutò. Nel 1927, all'età di 21 anni, Vasarely si iscrisse a una scuola d'arte privata dove ricevette una formazione formale come pittore. Eccelse come studente d'arte e, mentre affinava le sue capacità estetiche, continuò anche a leggere libri dei principali scienziati dell'epoca. Uno dei suoi autori preferiti in quel periodo della sua vita era Niels Bohr, che nel 1922 ricevette il Premio Nobel per il suo studio sulla struttura atomica. Nella fisica quantistica, il modello di Bohr rappresenta la struttura di un atomo come simile a quella del sistema solare. Visivamente, assomiglia a un cerchio circondato da cerchi più grandi, un motivo che Vasarely avrebbe esplorato ripetutamente nella sua arte.

Victor Vasarely - Arlecchino Sportivo, ca. 1988 - © Victor Vasarely

Costruendo il suo Caso

Attraverso lo studio simultaneo di arte e scienza, Vasarely iniziò a formulare una teoria secondo cui i due modi di pensare si intersecano in modo tale che, percepiti insieme, potessero, come diceva lui, “formare un costrutto immaginario in accordo con la nostra sensibilità e la conoscenza contemporanea.” Nel 1929 si iscrisse all’Accademia Mühely di Budapest, che all’epoca era l’equivalente ungherese del Bauhaus. I suoi studi si concentrarono sul concetto di arte totale basata sulla geometria. Sperimentò con l’astrazione geometrica e iniziò a comprendere come le illusioni ottiche potessero essere create attraverso la disposizione di forme geometriche e colori su una superficie bidimensionale. Un confronto tra una delle sue opere dell’Accademia MUn confronto tra i dipinti dell’Accademia Mühely intitolati Etudes Bauhaus C e un’opera del 1975 intitolata Vonal-Stri dimostra il focus costante e unico di Vasarely sulle possibilità della geometria di esprimere l’intersezione tra scienza e arte.

Dopo aver lasciato l’Accademia MDopo l’Accademia Mühely, Vasarely si trasferì a Parigi, si sposò e ebbe due figli. Manteneva la famiglia come grafico, dedicandosi all’arte di notte. Mentre il lavoro diurno richiedeva uno stile pulito e preciso, la sua pratica artistica lasciava spazio all’immaginazione. Sviluppò uno stile personale che univa entrambi gli aspetti. Si manifestò nei suoi dipinti “Zebra” (vedi FAQ 9) e “Arlecchino” (vedi sopra), serie a cui tornò per tutta la vita, e in opere come “La Scacchiera” qui sotto.

Victor Vasarely - Scacchiera, 1975 - © Victor Vasarely

La "Strada Sbagliata" e il Risveglio Cinetico

Dopo 14 anni di carriera doppia a Parigi, Vasarely ricevette finalmente la sua prima grande mostra. Fu accolta così bene che si convinse di poter dedicarsi a tempo pieno all’arte. Fu in quel periodo che si allontanò dallo stile visivo che aveva creato finora. Durante una vacanza su un’isola in Bretagna, notò come le onde influenzassero il paesaggio, in particolare come modificassero la linea costiera e modellassero le pietre. Questa osservazione lo portò verso una sorta di astrazione geometrica biomorfica, mentre cercava di connettersi con una manifestazione visiva della geometria naturale del mondo organico.

Sebbene Vasarely in seguito definisse questo periodo della sua vita come “la strada sbagliata,” esso portò a un’importante evoluzione nel suo lavoro. Aggiungeva elementi più arrotondati ai suoi dipinti. Quando tornò al suo precedente stile geometrico, lo fece includendo forme arrotondate dinamiche che sembravano sporgere dalla tela o collassare verso l’interno dalla superficie. Il modo in cui queste forme ingannavano l’occhio dava l’impressione che l’immagine si muovesse. Quell’illusione cinetica, unita alla tridimensionalità delle immagini sulle tele di Vasarely, divenne la base per l’estetica iconica che oggi chiamiamo Op-Art.

Victor Vasarely - Senza titolo #8 (sfera rosa e turchese) - © Victor Vasarely

Il Manifesto Giallo: Arte in Movimento

Nel 1955, Vasarely espose alcune sue opere in una mostra di arte cinetica chiamata “Le Mouvement” a Parigi. Per accompagnare il suo lavoro pubblicò un saggio intitolato Note per un Manifesto. Stampato su carta gialla, il saggio è da allora conosciuto come Il Manifesto Giallo. In esso Vasarely dichiarava: “Siamo all’alba di una grande epoca.” Sosteneva che etichette come pittura e scultura fossero superate, poiché artisti come Arp, Kandinsky, Mondrian e Calder avevano distrutto le separazioni artificiali tra le arti plastiche. Dichiarava che, poiché tutti i fenomeni estetici sono manifestazioni dello stesso impulso, era tempo di considerare tutti i risultati artistici come parte di “una singola sensibilità plastica in spazi diversi.”

Il contributo di Vasarely a questa “grande epoca” è evidente osservando i dipinti che realizzò in quel periodo della sua vita. La sua opera ha completamente ridefinito l’esperienza dello spettatore di un’opera d’arte bidimensionale. Ha creato la percezione che lo spazio esistesse dove in realtà non c’era. L’esperienza dello spettatore si è trasformata per esistere interamente nella mente di chi guarda. Le forme che abitano una delle tele di Vasarely sono formali e scientifiche, eppure, interpretate dall’occhio, assumono qualità che sembrano sfidare i fatti scientifici della realtà spaziale.

Victor Vasarely - Papillon, 1981 - © Victor Vasarely

L'Alfabeto Plastico: Programmazione estetica

Al culmine della sua popolarità negli anni '60, Vasarely creò ciò che rappresentò il culmine della sua opera di vita. Descrisse quello che chiamò l'Alfabeto Plastico, un linguaggio visivo simbolico basato su forme geometriche e colori. C'erano 15 forme nell'alfabeto, tutte basate su variazioni del cerchio, del triangolo e del quadrato, e ciascuna forma esisteva in una gamma di 20 diverse tonalità. Ogni forma era rappresentata all'interno di una cornice quadrata, e la forma e la cornice circostante erano presentate in tonalità diverse. L'Alfabeto Plastico poteva essere disposto in un assortimento apparentemente infinito di combinazioni e utilizzato per creare una gamma evidentemente infinita di immagini.

Il concetto che Vasarely implicava esplicitamente con il suo Alfabeto Plastico era che attraverso la sua applicazione l'atto creativo potesse essere condotto tramite un processo puramente scientifico. Da un lato era disumanizzante, poiché rappresentava una forma di programmazione, come una proto-intelligenza artificiale che poteva prendere il controllo del processo di creazione artistica. Dall'altro lato era umanizzante, poiché democratizzava e smitizzava il processo creativo, permettendo a chiunque di impegnarsi in un'attività estetica creativa.

Victor Vasarely - Titan A, 1985 - © Victor Vasarely

Arte per tutti

È giusto che il contributo per cui Vasarely è più ricordato sia una forma di rottura. Non solo il suo lavoro visivo ha distorto la superficie dell'arte bidimensionale, ma le sue idee e il suo Alfabeto Plastico hanno distorto la superficie della cultura. Amici, colleghi e seguaci di Vasarely ricordano con entusiasmo che uno dei suoi motti era “arte per tutti.” Era entusiasta di vedere la sua arte inclusa su abbigliamento, cartoline, prodotti commerciali e pubblicità. Prevedeva che in futuro l'unico modo per mantenere l'arte rilevante fosse che ogni essere umano potesse partecipare al suo godimento.

Non solo possiamo vedere echi dell'arte di Vasarely nei prodotti dell'arte e del design contemporanei, ma vediamo anche echi della sua filosofia nella comunità digitale e nella cultura globale a cui ha contribuito. Creando uno stile di arte raffinata che potesse avere un fascino universale oltre le divisioni sociali artificiali, Vasarely ha creato qualcosa di unico: un'esperienza estetica sincera e gioiosa che, sebbene astratta, può essere facilmente apprezzata da chiunque sappia vedere. E forse ancora più prezioso, ha condiviso una visione di un futuro in cui arte e scienza lavorano insieme per un mondo più interessante ed equo.

L’eredità vivente: Maestri percettivi contemporanei

Traslando il focus storico di Vasarely sul movimento ottico, le griglie e la creazione democratica nell’era moderna, molti artisti astratti contemporanei su IdeelArt continuano a spingere i confini di come l’occhio umano percepisce luce, spazio e movimento. Pur non approfondendo qui le loro pratiche individuali, avendone recentemente esplorato il lavoro in dettaglio nel nostro editoriale completo, Op Art: L’imboscata percettiva e l’arte che rifiuta di stare ferma, questa selezione curata rappresenta alcuni dei più entusiasmanti maestri percettivi contemporanei:

• Cristina Ghetti: Usa ritmi geometrici pulsanti e vibrazioni cromatiche calcolate per creare tele dipinte che sembrano espandersi e mutare fisicamente sotto lo sguardo dell’osservatore.

• Andy Harwood: Impiega gradienti traslucidi meticolosi e mascherature nette nella sua serie Mesmerism per mantenere l’occhio in uno stato di continuo flusso visivo.

• Sebastiaan Knot: Reinventa l’illusione ottica in studio, fotografando strutture geometriche fisiche scolpite esclusivamente attraverso l’intersezione di fasci di luce colorata.

• Louise Blyton: Libera l’astrazione ottica dal quadro piatto creando tele di lino tridimensionali sagomate, rivestite con pigmenti grezzi e vellutati.

• Jesus Perea: Compone forme geometriche architettoniche meticolosamente bilanciate che giocano con ombra, profondità e orientamento spaziale su piani piatti.

• Bernadette Jiyong Frank: Sovrappone dozzine di sottilissime bande traslucide di colore per catturare la rifrattività luminosa e mutevole della luce.

• Brent Hallard: Utilizza mascherature nette e superfici monocromatiche altamente saturate che spingono i limiti della tensione geometrica e della vibrazione visiva a bordi netti.

Immagine in evidenza: Victor Vasarely - Universal Structure, Periodo Vega (dal 1968), DETTAGLIO, © Victor Vasarely
Tutte le immagini sono utilizzate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio (2016) e Francis Berthomier (2026)

F Berthomier (co-fondatore di IdeelArt) alla Fondation Vasarely - 2022

C Thomas (co-fondatore di IdeelArt) alla Fondation Vasarely - 2022

FAQ: Victor Vasarely e le origini dell'Op Art

ACQUISTA OP ART SU IDEELART (UNA SELEZIONE)