Günther Förg e la Fragile Bellezza dell'Arte Ribelle

Quest'anno ricorre il quinto anniversario della morte dell'artista tedesco Günther Förg. Per l'occasione, il Museo Stedelijk di Amsterdam ha organizzato una grande rassegna che ripercorre l'intera carriera dell'artista intitolata Günther Förg: Una fragile bellezza, visitabile fino al 14 ottobre 2018. La mostra esplora diverse aree di interesse che Förg ha seguito nel corso della sua carriera trentennale, includendo esempi di almeno otto serie di opere completamente uniche. Come appare subito evidente in questa esposizione, Förg era quello che oggi definiremmo un artista poliedrico. Ma lui non si considerava tale. Non vedeva alcun senso nel soffermarsi sulle differenze tra i vari mezzi espressivi. Si definiva semplicemente un artista. Ammetteva persino che l'unico motivo per cui passava da un mezzo all'altro era il semplice desiderio di mantenere vivo il suo interesse nel lavoro—aveva bisogno di un cambiamento di tanto in tanto per non annoiarsi. Tuttavia, mentre era in vita, la sua pratica poliedrica fu una delle tante cose su Förg fraintese dai critici. Poiché utilizzava molteplici mezzi, si presumeva che Förg stesse criticando i limiti di ciascuno. Fu inserito in una generazione di artisti postmoderni che adottavano un approccio poliedrico per mettere in discussione le definizioni consolidate dell'arte. Inoltre, poiché il suo lavoro faceva riferimento a tendenze estetiche del passato, i critici supponevano anche che volesse essere ironico sul Modernismo o sulla storia dell'arte in generale. Ciò che non compresero di lui, e che questa rassegna si impegna a mettere in luce, è che Förg non cercava affatto di essere ironico o critico. Non era un postmodernista. Era un artista curioso e sincero il cui pensiero andava molto più in profondità di quanto gli fosse mai stato riconosciuto, e il suo approccio aperto alla creazione artistica ha stabilito un’eredità che non è ancora stata pienamente compresa.

Un'arte ribelle

Förg è spesso definito un artista ribelle, per diversi motivi. Innanzitutto per la natura rozza delle sue pennellate. La sua tecnica è stata definita pigra o trasandata da alcuni critici, specialmente in America, che interpretano erroneamente tutto ciò che è stato realizzato rapidamente come sarcastico o semplicistico. In secondo luogo, Förg è considerato un ribelle perché molte delle sue diverse serie di opere sembrano fare riferimento ai lavori di altri artisti famosi. Per esempio, ha realizzato dipinti che sembrano richiamare i dipinti a zip di Barnett Newman, i dipinti del Campo di Colore di Mark Rothko e le astrazioni dai bordi irregolari di Clyfford Still. Infine, è considerato un ribelle per il contenuto che alcuni critici vedono nelle sue fotografie, le più famose delle quali esaminano i resti fatiscenti dell’architettura modernista primitiva.

Günther Förg Una fragile bellezza, vista dell’installazione, 2018, Museo Stedelijk Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

E sebbene possa essere vero che Förg fosse un ribelle, non lo era per i motivi che i critici avevano supposto. Quando era ancora in vita, condivideva le sue sincere ragioni per lavorare nel modo in cui lo faceva. Il suo stile pittorico rapido e gestuale era semplicemente un tentativo di fare il minimo possibile sulle superfici, affinché i materiali su cui dipingeva potessero esprimere le loro personalità distintive. Ogni volta che imitava i dipinti dei maestri modernisti come Newman, Rothko e Still, stava indagando cosa fosse nella loro voce matura a piacergli tanto. Non li copiava né li derideva—piuttosto cercava di ridurre la loro visione all’essenza per capirla a un livello viscerale e personale. E quando fotografava quegli edifici modernisti, non stava commentando, come disse un critico, i valori decadenti del Modernismo. Stava semplicemente, come disse lui stesso, usando “la fotografia come veicolo emotivo.” Gli piaceva l’aspetto di quegli edifici. Pensava rappresentassero una buona architettura. Li fotografava esattamente come erano in quel momento. Non era critica né ironia. Era molto più diretto di così.

Günther Förg Una fragile bellezza, vista dell’installazione, 2018, Museo Stedelijk Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Una comprensione fragile

Ciò che è più importante in Günther Förg: Una fragile bellezza è che la mostra ignora i precedenti tentativi di sminuire questo artista e invece complica volontariamente ogni tentativo di comprendere facilmente la sua opera. Presenta il suo lavoro nel contesto corretto, come lui stesso lo avrebbe mostrato. Le sue fotografie architettoniche sono esposte in alto sulle pareti, così che i visitatori possano guardare le immagini da una prospettiva estrema, portando in galleria la stessa sensazione di scala, spazio e stupore emotivo che il fotografo provò quando scattò le foto. I suoi dipinti astratti, che presi singolarmente potrebbero sembrare riproduzioni scadenti delle opere dei suoi predecessori modernisti, sono esposti insieme in modo monumentale, conferendo loro la presenza sicura per essere visti come le affermazioni estetiche autorevoli che sono realmente. Le sue maschere scultoree sono esposte in modo da poter esprimere le loro principali preoccupazioni—materialità e sperimentazione—che i visitatori ora sperano comprenderanno essere stati i due fattori più importanti che hanno ispirato quasi tutto ciò che Förg ha creato.

Günther Förg Una fragile bellezza, vista dell’installazione, 2018, Museo Stedelijk Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Naturalmente, inevitabilmente, ogni volta che interpretiamo il passato lasciamo che i riflessi del nostro mondo interferiscano con la nostra comprensione del mondo passato. Ed è naturale interpretare il presente attraverso una sorta di “fraintendimento creativo” di esso, spesso semplificandolo eccessivamente nel tentativo di contestualizzare il nostro posto in esso. Förg ha perseguito questa idea con i suoi modi idiosincratici, e così facendo ci ha mostrato l’importanza di valorizzare ciò che esiste ora in modo semplice e sincero per quello che è realmente. Guardando indietro alla variegata opera che ha lasciato, è importante ricordare come si avvicinava alle superfici, ai mezzi e alle tecniche che hanno informato il suo lavoro. Invece di sovraccaricare la sua eredità di significati, o di dipingere sopra di essa i nostri strati, come le superfici di alluminio o piombo su cui dipingeva, dobbiamo, come disse lui, compiere solo “l’intervento più piccolo,” affinché la bellezza naturale del materiale possa emergere.

Immagine in evidenza: Günther Förg Una fragile bellezza, vista dell’installazione, 2018, Museo Stedelijk Amsterdam. Foto: Gert Jan van Rooij

Di Phillip Barcio