Come Karel Appel Ha Rotto le Regole Attraverso un Esperimento

Oggi diamo per scontato che l'arte sia un campo creativo. Ma cosa significa? Perché qualcosa venga creato, deve non essere esistito in precedenza. La creatività richiede originalità. Gli artisti, quindi, sono originatori. Ma non è sempre stato così. Nel 1921, quando Karel Appel nacque, la creatività stava appena iniziando a affermarsi come forza trainante dell'arte. Storicamente parlando, prima del Modernismo, il successo nel mondo dell'arte si otteneva più spesso attraverso cose come la padronanza tecnica ed estetica piuttosto che la creatività. Si aspettava che gli artisti professionisti imitassero il mondo osservabile, o almeno lo facessero riferimento, e lo facessero in un modo che avesse senso intellettuale. Anche gli artisti astratti dovevano essere in grado di spiegare a spettatori e critici cosa stessero facendo e perché lo stessero facendo, facendo riferimento a ideologie e metodologie radicate in schemi di pensiero esistenti. Karel Appel faceva parte della generazione di artisti che sfidava quel modo di approcciare la creazione dell'arte. Invece di avvicinarsi all'arte dalla prospettiva di ciò che già esiste, Appel sosteneva un'arte che esprimesse ciò che non esiste ancora. Facendo ciò, istituì un nuovo paradigma per gli artisti basato sulla creatività e sull'originalità, che non solo infrangeva le regole ma aboliva forse anche la necessità di regole del tutto.

Sperimentazione Indeterminata

Siamo tutti probabilmente familiari con l'aforisma: “Se non è rotto, non aggiustarlo.” Per quanto possa sembrare conciso e cliché, quel sentimento esprime la sensazione che è al cuore del Modernismo. Alla fine del XIX secolo, chiunque nel mondo occidentale avesse una prospettiva globale e fosse capace di osservazione critica poteva chiaramente vedere che “era rotto”: il “ciò” era il progresso umano. La logica della Civiltà Occidentale aveva portato a un'atmosfera di intensa competizione e violenza che minacciava di strappare il tessuto dell'umanità. Anche se c'erano indubbiamente molte persone all'epoca che beneficiavano finanziariamente o in altro modo dal sistema rotto, ce n'erano molte di più che potevano vedere che era tempo di un cambiamento.

Il Modernismo è il nome che usiamo in modo ampio per riferirci all'epoca che iniziò verso la fine del XIX secolo, durante la quale una serie di ampie trasformazioni furono intraprese dalle persone per reimmaginare cosa sia e cosa potrebbe essere la società umana moderna. Il principio fondamentale del Modernismo fu meglio espresso dall'autore Ezra Pound, quando disse: “Fallo nuovo!” Stava parlando del desiderio ampiamente condiviso da molte persone di dare vita a qualche tipo di realtà culturale alternativa. Ma la domanda nella mente di ogni Modernista era: “Come possiamo farlo nuovo?” La maggior parte delle varie risposte proposte comportava l'invenzione di nuovi stili artistici, o l'astrazione del modo attuale di vedere il mondo, o l'innovazione nell'uso di elementi estetici come colore, linea o forma. La soluzione proposta da Karel Appel era unica. Ignorava completamente l'estetica e lo stile, e si concentrava su un semplice fattore: l'originalità, abilitata da una libertà illimitata di sperimentare.

Karel Appel - I Vigili del Fuoco Selvaggi, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

La Presenza dell'Assenza

Per Appel, il valore dell'atto artistico non aveva nulla a che fare con il prodotto che sarebbe stato eventualmente creato come risultato dell'atto. L'importante era il processo creativo. Il punto non era che un artista parlasse di ciò che sarebbe stato realizzato, o giudicasse o spiegasse ciò che era stato infine creato. Il punto era semplicemente creare: permettere a qualcosa di sconosciuto di manifestarsi, permettendo all'irreale di diventare reale. Come disse Appel, “Se il colpo di pennello è così importante, è perché esprime precisamente ciò che non c'è.” 

Karel Appel - Scultura senza titolo, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

È stato spesso notato che i primi sforzi di Appel nella creazione estetica sperimentale senza vincoli somigliano a immagini realizzate da bambini. Le loro composizioni quasi figurative, quasi astratte utilizzano un vocabolario apparentemente caotico di colori e espressioni primordiali di linea e forma. In effetti, furono inizialmente così fraintese che, quando furono esposte per la prima volta alla fine degli anni '40, furono pubblicamente derise. Ma Appel non si lasciò scoraggiare. Non era motivato dall'approvazione pubblica. Era dedicato a confrontare l'assenza attraverso un processo di manifestazione della presenza. Era in un viaggio verso l'originalità, senza preoccuparsi di dove quel viaggio sarebbe finito o di come sarebbe apparso.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel e il Gruppo CoBrA

Cosa c'era di così scioccante nei dipinti di Appel? Era il fatto che sembrava non preoccuparsi dei risultati estetici del suo processo? O era la libertà con cui creava che era così disturbante? La risposta può essere trovata nelle circostanze del mondo in cui l'arte di Appel è stata introdotta. La sua prima esposizione si è svolta nel 1946, mentre l'Europa era appena emersa dalla Seconda Guerra Mondiale. La convinzione diffusa era che il mondo fosse impazzito. Le pratiche di ricostruzione del continente e di affrontare le perdite strabilianti hanno imposto una netta sensazione di angoscia esistenziale sulla cultura. C'era un potente desiderio metafisico di contestualizzare la guerra affinché i sopravvissuti potessero sentire che il sacrificio era valso il costo. 

Durante la guerra, gli abitanti di Danimarca, Paesi Bassi e Belgio furono effettivamente completamente isolati dal resto del mondo a causa dell'occupazione tedesca del loro territorio. Immediatamente dopo la guerra, divenne evidente che un piccolo gruppo di artisti che aveva trascorso la guerra a Copenaghen, Bruxelles e Amsterdam era giunto a un approccio simile alla creazione artistica. Il gruppo, che includeva Appel, rifiutò la logica e la razionalità delle istituzioni occidentali esistenti. Furono ispirati dall'arte popolare primitiva e dalle opere d'arte dei bambini. Creavano arte radicata nell'intuizione, nella spontaneità e nella libertà di espressione. Quando questi artisti iniziarono a esporre insieme, furono chiamati gruppo CoBrA, un'etichetta presa dalle prime lettere delle loro città natali.

Karel Appel - Questioning Children, 1949. Gouache su legno. Oggetto: 873 x 598 x 158 mm, cornice: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Una Convergenza di Influenze

Appel non è arrivato al suo approccio in un vuoto. Menziona nei suoi scritti di aver visto una mostra di Kurt Schwitters, la sua prima esperienza nel vedere quello che chiama un objet trouvé, un'opera d'arte realizzata con oggetti trovati. Chiama l'esperienza “shattering.” Lo ha liberato dalla necessità di seguire tradizioni storiche riguardo ai mezzi, e per questo lo ha liberato da tutte le tradizioni storiche in generale. La libertà intuitiva e infantile con cui Appel crea deve anche un debito ad artisti come Paul Klee e Joan Miro, entrambi dei quali hanno trasmesso uno spirito di libertà sfrenata nel loro lavoro.

Oltre alle influenze artistiche, Appel scrive anche di altre tre influenze sul suo pensiero. Menziona il libro Foglie d'erba del poeta americano Walt Whitman, il poema in forma lunga Le canzoni di Maldoror dello scrittore uruguaiano-francese Comte de Lautréamont, e gli scritti di Jiddu Krishnamurti, un pensatore influente sulla natura dell'umanità. Presi insieme, queste influenze mostrano una vasta gamma di pensiero. Foglie d'erba è una delle celebrazioni più eloquenti e ottimistiche della libertà e dell'apertura mai scritte. Le canzoni di Maldoror, tuttavia, è una delle esplorazioni più distintive del male totale mai composte. Nel frattempo, Jiddu Krishnamurti incoraggiava la dedizione solo alla coscienza personale per sperimentare la verità e diventare liberi.

Karel Appel - dalla serie Nude, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

L’eredità di Appel

Osservando l'entusiasmo illimitato dei bambini e degli artisti popolari, Appel trovò un modo per scoprire dentro di sé quella stessa sensazione di libertà. Mise un valore elevato sull'importanza di una mente umana libera. Dimostrò in modo pratico come gli artisti potessero esprimere liberamente e spontaneamente l'esperienza interiore della propria verità. Quel solo atto ispirò un'intera generazione di artisti, inclusi figure importanti come Willem de Kooning e Jackson Pollock, che andarono a cambiare il mondo attraverso movimenti come Art Informel e Espressionismo Astratto. 

Ma al di là degli artisti e degli stili individuali che ha influenzato, il vero lascito del contributo di Appel può essere riassunto nelle parole “processo creativo.” È interamente grazie ad artisti come Appel che diamo per scontato oggi che l'aspetto più importante dell'arte debba essere l'originalità, e non la mimetizzazione. Nel 1989, Appel riassunse la sua esperienza, dicendo: “La creatività è molto fragile. È come una foglia in autunno; pende e quando cade non sai dove sta andando... Come artista devi combattere e sopravvivere nella wilderness per mantenere la tua libertà creativa.” Abbracciando la vera originalità, Appel eliminò la necessità di aderire a qualsiasi percorso diverso dall'espressione libera. Attraverso il suo lavoro impariamo che l'importante non è solo collezionare, catalogare e ammirare i prodotti del lavoro di un artista, ma meravigliarsi dell'originalità e della libertà da cui questi oggetti provengono, e abbracciare la loro fonte come il processo di creatività veramente prezioso e senza fine.

Immagine in evidenza: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park