Come Karel Appel Ha Rotto le Regole Attraverso un Esperimento

Oggi diamo per scontato che l’arte sia un campo creativo. Ma cosa significa davvero? Per creare qualcosa, questa cosa non deve essere esistita prima. La creatività richiede originalità. Gli artisti, quindi, sono gli originatori. Ma non è sempre stato così. Nel 1921, quando Karel Appel nacque, la creatività stava appena iniziando a imporsi come forza motrice dell’arte. Storicamente parlando, prima del Modernismo, il successo nel mondo dell’arte si otteneva più spesso attraverso la padronanza tecnica ed estetica che tramite la creatività. Agli artisti professionisti si chiedeva di imitare il mondo osservabile, o almeno di farvi riferimento, e di farlo in modo che avesse senso intellettuale. Anche gli artisti astratti dovevano essere in grado di spiegare a spettatori e critici cosa stavano facendo e perché, facendo riferimento a ideologie e metodologie radicate in schemi di pensiero esistenti. Karel Appel faceva parte della generazione di artisti che sfidò questo modo di approcciarsi alla creazione artistica. Invece di partire da ciò che già esiste, Appel sosteneva un’arte che esprimesse ciò che ancora non esiste. Così facendo, istituì un nuovo paradigma per gli artisti basato sulla creatività e sull’originalità, che non solo infranse le regole, ma forse abolì del tutto la necessità di regole.

Sperimentazione Indeterminata

Probabilmente tutti conosciamo l’aforisma: “Se non è rotto, non aggiustarlo.” Per quanto sintetico e banale possa sembrare, questo sentimento esprime ciò che è al cuore del Modernismo. Alla fine del XIX secolo, chiunque nel mondo occidentale con una prospettiva globale e capacità di osservazione critica poteva vedere chiaramente che “era rotto”: il “rotto” era il progresso umano. La logica della Civiltà Occidentale aveva portato a un’atmosfera di intensa competizione e violenza che minacciava di lacerare il tessuto dell’umanità. Sebbene molte persone all’epoca traessero vantaggio economico o altro da questo sistema rotto, ce n’erano molte di più che vedevano che era tempo di un cambiamento.

Il Modernismo è il nome che usiamo in senso ampio per riferirci all’epoca iniziata verso la fine del XIX secolo, durante la quale una serie di ampi sforzi trasformativi furono compiuti da persone per reimmaginare cosa fosse e potesse essere la società umana moderna. Il principio fondamentale del Modernismo fu espresso al meglio dallo scrittore Ezra Pound, quando disse: “Rendilo nuovo!” Parlava del desiderio largamente condiviso da molte persone di far nascere una qualche realtà culturale alternativa. Ma la domanda che ogni modernista si poneva era: “Come lo rendiamo nuovo?” La maggior parte delle risposte proposte riguardava l’invenzione di nuovi stili artistici, l’astrazione del modo corrente di vedere il mondo o l’innovazione nell’uso di elementi estetici come colore, linea o forma. La soluzione proposta da Karel Appel era unica. Ignorava del tutto estetica e stile, e si concentrava su un solo fattore semplice: l’originalità, resa possibile dalla libertà illimitata di sperimentare.

Karel Appel - The Wild Firemen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

La Presenza dell’Assenza

Per Appel, il valore dell’atto artistico non aveva nulla a che fare con il prodotto che sarebbe stato creato a seguito dell’atto. L’importante era il processo creativo. Non si trattava che un artista parlasse di ciò che avrebbe fatto, o giudicasse o spiegasse ciò che alla fine era stato fatto. L’importante era semplicemente creare: permettere a qualcosa di sconosciuto di manifestarsi, permettere all’irrealizzato di diventare reale. Come disse Appel, “Se il tratto del pennello è così importante, è perché esprime proprio ciò che non c’è.” 

Karel Appel - Scultura senza titolo, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

È stato spesso notato che i primi tentativi di Appel nella creazione estetica sperimentale senza limiti somigliano a immagini fatte da bambini. Le loro composizioni quasi figurative, quasi astratte utilizzano un vocabolario apparentemente caotico di colori ed espressioni primordiali di linea e forma. Furono inizialmente così fraintese che, quando furono esposte per la prima volta alla fine degli anni Quaranta, furono pubblicamente derise. Ma Appel non si lasciò scoraggiare. Non era mosso dall’approvazione pubblica. Era dedicato a confrontarsi con l’assenza attraverso un processo di manifestazione della presenza. Era in un viaggio verso l’originalità, senza curarsi di dove quel viaggio lo avrebbe portato o di come sarebbe apparso.

Karel Appel - Mindscape #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Karel Appel e il Gruppo CoBrA

Cosa c’era di così sconvolgente nei dipinti di Appel? Era il fatto che sembrava non curarsi dei risultati estetici del suo processo? O era la libertà con cui creava a risultare così inquietante? La risposta si può trovare nelle circostanze del mondo in cui l’arte di Appel fu introdotta. La sua prima mostra avvenne nel 1946, quando l’Europa era appena uscita dalla Seconda Guerra Mondiale. La convinzione largamente diffusa era che il mondo fosse impazzito. Le necessità pratiche di ricostruire il continente e di affrontare le perdite strazianti imposero alla cultura un senso netto di angoscia esistenziale. Vi era un forte desiderio metafisico di contestualizzare la guerra affinché i sopravvissuti sentissero che il sacrificio era valso il prezzo.

Durante la guerra, gli abitanti di Danimarca, Paesi Bassi e Belgio furono praticamente completamente isolati dal resto del mondo a causa dell’occupazione tedesca dei loro territori. Subito dopo la guerra, divenne chiaro che un piccolo gruppo di artisti che aveva trascorso la guerra a Copenaghen, Bruxelles e Amsterdam aveva adottato un approccio simile alla creazione artistica. Il gruppo, che includeva Appel, rifiutava la logica e la ragione delle istituzioni occidentali esistenti. Erano ispirati dall’arte popolare primitiva e dalle opere dei bambini. Creavano arte radicata nell’intuizione, nella spontaneità e nella libertà di espressione. Quando questi artisti iniziarono a esporre insieme, furono chiamati gruppo CoBrA, un nome tratto dalle prime lettere delle loro città natali.

Karel Appel - Bambini interrogativi, 1949. Gouache su legno. Oggetto: 873 x 598 x 158 mm, cornice: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

Una Convergenza di Influenze

Appel non arrivò al suo approccio nel vuoto. Nei suoi scritti menziona di aver visto una mostra di Kurt Schwitters, la sua prima esperienza con quello che chiama un objet trouvé, un’opera d’arte fatta con oggetti trovati. Chiama quell’esperienza “devastante.” Essa lo liberò dalla necessità di seguire le tradizioni storiche riguardo ai mezzi espressivi, e per questo lo liberò da tutte le tradizioni storiche in generale. La libertà intuitiva e infantile con cui Appel crea deve anche molto ad artisti come Paul Klee e Joan Miró, entrambi capaci di trasmettere uno spirito di libertà senza freni nelle loro opere.

Oltre alle influenze artistiche, Appel scrive anche di tre altre influenze sul suo pensiero. Menziona il libro Leaves of Grass del poeta americano Walt Whitman, il poema lungo The Songs of Maldoror dello scrittore uruguaiano-francese Conte de Lautréamont, e gli scritti di Jiddu Krishnamurti, un pensatore influente sulla natura dell’essere umano. Presi insieme, questi influssi mostrano un ampio spettro di pensiero. Leaves of Grass è una delle celebrazioni più eloquenti e ottimistiche della libertà e dell’apertura mai scritte. The Songs of Maldoror, invece, è una delle esplorazioni più distintive del male assoluto mai composte. Nel frattempo, Jiddu Krishnamurti incoraggiava la dedizione esclusiva alla coscienza personale per sperimentare la verità e diventare liberi.

Karel Appel - dalla serie Nudi, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation

L’Eredità di Appel

Osservando l’entusiasmo senza limiti dei bambini e degli artisti popolari, Appel trovò una via per scoprire in sé lo stesso senso di libertà. Mise in primo piano il valore di una mente umana libera. Dimostrò in modo pratico come gli artisti potessero esprimere liberamente e spontaneamente l’esperienza interiore della propria verità. Solo questo atto ispirò un’intera generazione di artisti, inclusi personaggi importanti come Willem de Kooning e Jackson Pollock, che cambiarono il mondo attraverso movimenti come Art Informel e Espressionismo Astratto.

Ma al di là degli artisti e degli stili individuali che influenzò, la vera eredità del contributo di Appel può essere riassunta nelle parole “processo creativo.” È grazie ad artisti come Appel che oggi diamo per scontato che l’aspetto più importante dell’arte debba essere l’originalità, e non l’imitazione. Nel 1989, Appel riassunse la sua esperienza dicendo: “La creatività è molto fragile. È come una foglia in autunno; pende e quando cade non sai dove andrà a finire…Come artista devi lottare e sopravvivere nella natura selvaggia per mantenere la tua libertà creativa.” Abbracciando la vera originalità, Appel eliminò la necessità di aderire a qualsiasi percorso diverso dalla libera espressione. Attraverso il suo lavoro impariamo che l’importante non è solo raccogliere, catalogare e ammirare i prodotti del lavoro di un artista, ma meravigliarsi dell’originalità e della libertà da cui questi oggetti sono nati, e abbracciare la loro fonte come il processo veramente prezioso e senza fine della creatività.

Immagine in evidenza: Karel Appel - Little Moon Men, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York / Karel Appel Foundation
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio