I Dipinti Astratti di Donne più Famosi

C'è potenzialmente molto di più in un dipinto di quanto non riveli ai nostri occhi. Ad esempio, cosa rivela alle nostre menti? Alcuni dei più famosi lavori artistici realistici sono dipinti di donne. Ma cosa comunicano quei famosi dipinti di donne agli spettatori oltre a ciò che è in superficie? Possono comunicare la maestria dei loro creatori, ma comunicano anche l'essenza interiore dei loro soggetti femminili? Possono rappresentare visivamente i loro tempi, ma estrapolano anche una comprensione culturale o storica del genere? Ci mostrano solo immagini di donne in varie situazioni, o esplorano i significati complessivi contenuti nelle realtà femminili situazionali? I dipinti astratti a volte hanno un vantaggio quando si tratta di tali questioni, poiché incoraggiano intrinsecamente gli spettatori a cercare oltre ciò che è in superficie. Ecco dieci famosi dipinti astratti di donne che ci hanno aiutato ad aumentare la nostra comprensione della femminilità da varie prospettive di genere, storia, cultura ed estetica.

Lee Krasner - Gaea

Ti sei mai chiesto quale sia l'origine del termine Madre Natura? Gli antichi greci credevano che il creatore dell'universo fosse un'entità femminile di nome Gaea. Lei diede vita a tutte le cose esistenti, compresi tutti gli altri dei e dee e la razza umana. Lee Krasner dipinse il suo monumentale dipinto astratto Gaea nel 1966. Il dipinto segna un'importante evoluzione nel suo lavoro, poiché emerse da un periodo particolarmente difficile della sua vita personale. I suoi colori esplosivi e i gesti espressivi incarnano una complessa miscela di potere, bellezza, energia e armonia. Come espressione astratta dell'essenza femminile originale ed eterna nell'universo, si colloca al primo posto tra i dipinti astratti di donne.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Olio su tela. 69" x 10' 5 1/2" (175,3 x 318,8 cm). Kay Sage Tanguy Fund. 212.1977. Collezione MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie si traduce in La Mia Bella Ragazza, una popolare canzone francese quando Picasso dipinse il suo quadro cubista dello stesso nome. La frase era anche il suo soprannome per la sua amante, Marcelle Humbert. Come una delle prime e più memorabili espressioni del cubismo analitico, questo dipinto è famoso per motivi che hanno poco a che fare con il suo soggetto. Ma come dipinto di una donna è anche enormemente espressivo. L'espressione dignitosa di nonchalance sulla testa in alto a destra; la sensualità carnosa delle dita dei piedi; le note musicali e la mano che strimpella la chitarra; l'incredibile varietà di prospettive e fonti di luce; tutto ciò parla del mix di capriccio, serietà, rispetto e mistero che definiscono i sentimenti che Picasso ha espresso per tutta la vita per l'anima femminile.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Olio su tela. 39 3/8 x 25 3/4" (100 x 64,5 cm). Acquisito tramite il lascito di Lillie P. Bliss (per scambio). 176.1945. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Georgia O’Keeffe - Astrazione (donna che dorme)

Georgia O’Keeffe ha eliminato tutto ciò che considerava non essenziale. Cercava di immergere gli spettatori in una sensazione. Per farlo, spesso creava immagini in grande scala e in primo piano, avvolgendo gli spettatori nello spazio pittorico. Questo dipinto è uno di diversi simili composizioni astratte che O’Keeffe realizzò di una donna che dorme. Lo disegnò a carboncino e poi lo ripassò con un pennello bagnato, creando un'eterealità onirica all'interno della cornice. È un'immagine di grazia stoica e dignitosa, che parla di qualcosa di transitorio e delicato, legato alla terra eppure eterno.

Georgia O Keeffe - Astrazione (donna che dorme), 1916. Carboncino e acquerello su carta

Kazimir Malevich - Donna con secchi: Composizione dinamica

Kazimir Malevich era un vero credente nell'astrazione. Un anno dopo aver dipinto questo quadro, inventò il suo stile iconico, il Suprematismo, che era dedicato al rifiuto del soggetto a favore delle universalità. Questo dipinto di una donna non riguarda tanto una donna quanto le qualità formali della composizione. Ciò che comunica sulla femminilità è soggettivo. Ma nell'intento dell'artista troviamo qualcosa di democratico e, infatti, universale. Il titolo, Donna con secchio, parla dei tradizionali ruoli di genere femminile nella Russia della classe lavoratrice quando Malevich realizzò l'opera. Il fatto che abbia scelto questo soggetto comunica che stava cercando un modo utopico di vedere il mondo non in termini divisivi come generi e classi sociali, ma in termini di comunanze.

Kazimir Malevich - Donna con secchi: Composizione dinamica. 1912-13 (data sul retro 1912). Olio su tela. 31 5/8 x 31 5/8" (80.3 x 80.3 cm). Acquisizione del 1935 confermata nel 1999 con accordo con l'Eredità di Kazimir Malevich e resa possibile con fondi della Donazione Mrs. John Hay Whitney (per scambio). 815.1935. Collezione MoMA

Joan Miró - Donna con Tre Capelli Circondata da Uccelli nella Notte

Joan Miró non si è mai immerso completamente nell'astrazione totale. Invece, ha coltivato una voce estetica unica che incorpora iconografia primitiva, forme ridotte e una palette di colori vibrante e limitata. Attraverso questo stile idiosincratico è stato in grado di comunicare profondità in modi diretti, semplici e spesso fantasiosi. Ha spesso esplorato il tema della donna e dei bambini nel suo lavoro. Questa immagine astratta di una donna solitaria esprime forza e equilibrio silenziosi. È meditativa e suggerisce una figura in contemplazione delle piacevolezze quotidiane. È un'immagine di sicurezza, solitudine e armonia. Nonostante la sua strana stranezza, evoca gioia.

Joan Miro - Donna con Tre Capelli Circondata da Uccelli nella Notte Palma/ 2 Settembre 1972. Olio su tela. 7' 11 7/8" x 66 1/2" (243.5 x 168.9 cm). Dono dell'artista in onore di James Thrall Soby. 116.1973. Collezione MoMA. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Willem de Kooning - Donna I

Un importante esponente dell'Espressionismo Astratto, Willem de Kooning si specializzò in tele emotive ed energetiche. La sua tecnica era al contempo spontanea e faticosa. Dipingeva strati aggressivi e immediati, poi li raschiava via, aggiungendo ed eliminando nel tempo. I suoi numerosi dipinti di donne sono stati interpretati come grotteschi o arrabbiati, e persino misogini. Ma lui negava tali associazioni, preferendo riflettere sulla loro natura primitiva e sulla provenienza che condividono con le rappresentazioni classiche della femminilità. Questo suo dipinto di donne più famoso, Woman, sembra adatto come esempio di quella dualità tra l'intento dell'artista maschio nel dipingere una donna e il modo in cui il risultato finale della sua espressione può essere interpretato dagli spettatori. Ci offre un'immagine astratta iconica di una donna, così come un punto di partenza per una conversazione più ampia sull'oggettivazione e l'intento nell'arte.

Willem de Kooning - Donna I, 1950-1952. Olio e vernice metallica su tela. 6' 3 7/8" x 58" (192,7 x 147,3 cm). 478.1953. Collezione MoMA. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Maria Lassnig - Colazione con un Orecchio

Nessuna conversazione sulla ritrattistica femminile astratta contemporanea sarebbe completa senza menzionare l'influenza dell'artista austriaca Maria Lassnig. La sua pratica oscillava tra figurazione e astrazione, ma orbitava sempre attorno a una conversazione più ampia su ciò che lei descrisse nel 1948 come consapevolezza del corpo. Il suo dipinto Colazione con un orecchio è un rappresentante iconico dei centinaia di autoritratti che Lassnig dipinse, spesso contenenti solo una parte del suo corpo, in relazione alla parte del corpo di cui era più consapevole in quel momento. Questa immagine affronta la più ampia conversazione sociale sui ruoli di genere tradizionali, poiché la funzione di ascoltatore/nutriente è messa in evidenza tra le immagini di gadget elettronici da cucina.

Maria Lassnig - Colazione con un Orecchio, 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Antropometria dell'epoca blu

Come per molte opere d'arte di Yves Klein, c'è uno strato concettuale in questo dipinto che dovrebbe essere discusso. Non lo ha dipinto da solo, ma ha partecipato alla sua creazione come direttore. L'antropometria è lo studio delle dimensioni fisiche del corpo umano. Per la sua serie Anthropométrie, Klein ha diretto assistenti femminili a spogliarsi e coprirsi di Yves Klein Blue, il suo colore eponimo. Le assistenti hanno poi stampato fisicamente i loro corpi dipinti su superfici, sia distese sul pavimento che montate sulla parete. Questo dipinto è in un certo senso un'azione pittorica. In un altro senso è reportage, poiché crea un record fisico di un evento reale. Come immagine astratta offre un suggerimento coinvolgente di sensualità. Suggerisce anche il cromosoma X, un simbolo di femminilità genetica. Da un punto di vista concettuale è potenzialmente ripugnante nel suo uso del lavoro femminile oggettivato per completare una visione estetica maschile e pruriginosa.

Yves Klein - Antropometria dell'epoca blu, 1960. Blu Klein Internazionale su carta su legno. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Carrie Moyer - Tableau

Spesso il lavoro di Carrie Moyer è carico di contenuti politici, come nei suoi Agitprop, manifesti grafici impegnati in un attivismo sociale diretto e in commento. Altre volte, come nelle sue stampe astratte, sembra avvolto in universalità metafisiche. Nelle sue pitture, quei due poli spesso convergono in composizioni graficamente contenute che combinano ciò che lei chiama “sia illusionismo che piattezza.” Formalmente, Tableau possiede una gravità compositiva e mostra una padronanza della sensualità del medium acrilico. Il suo senso di femminilità è distintamente contemporaneo, evocando simultaneamente qualcosa di primitivo e umano e qualcosa di futuristico e alieno, ancorandolo in un presente inquietante ma confortante.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acrilico, glitter su tela. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien

Sarebbe semplicistico dire che i dipinti dell'artista nata in Kenya Wangechi Mutu sono di donna, o riguardano le donne. Ma sono pieni di un linguaggio di forme comunicative della femminilità fisica. Attraverso le sue immagini inquietanti, Mutu esprime la vasta e variegata esperienza di come il corpo femminile venga incontrato nella cultura globale. Questo dipinto, intitolato come la canzone di Edith Piaf Non je ne regrette rien (Non rimpiango nulla), celebra e oggettifica simultaneamente il corpo femminile evocando universalità subconscie attraverso immagini totemiche femminili.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Inchiostro, pittura, media misti, materiale vegetale e perle di plastica su Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 in. Victoria Miro

Immagine in evidenza: Georgia O Keeffe - Astrazione - Donna che dorme (dettaglio), 1916, carboncino e acquerello su carta
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park