I Dipinti Astratti di Donne più Famosi

Un dipinto può potenzialmente racchiudere molto più di quanto riveli ai nostri occhi. Per esempio, cosa rivela alla nostra mente? Alcune delle opere realistiche più famose sono ritratti di donne. Ma cosa comunicano quei celebri dipinti di donne agli spettatori oltre a ciò che appare in superficie? Possono comunicare la maestria dei loro creatori, ma trasmettono anche l’essenza interiore delle loro soggette femminili? Possono rappresentare visivamente il loro tempo, ma estrapolano anche una comprensione culturale o storica del genere? Ci mostrano semplicemente immagini di donne in varie situazioni, oppure esplorano i significati più ampi contenuti nelle realtà femminili situazionali? I dipinti astratti a volte hanno un vantaggio in queste questioni, poiché incoraggiano intrinsecamente gli spettatori a cercare oltre la superficie. Ecco dieci celebri dipinti astratti di donne che ci hanno aiutato ad approfondire la comprensione della femminilità da diverse prospettive di genere, storia, cultura ed estetica.

Lee Krasner - Gaea

Vi siete mai chiesti da dove deriva il termine Madre Natura? Gli antichi Greci credevano che il creatore dell’universo fosse un’entità femminile chiamata Gaea. Lei diede vita a tutte le cose esistenti, inclusi tutti gli altri dèi e dee e la razza umana. Lee Krasner dipinse il suo monumentale dipinto astratto Gaea nel 1966. Il dipinto segna un’importante evoluzione nella sua opera, poiché emerse da un periodo particolarmente difficile della sua vita personale. I suoi colori esplosivi e i gesti espressivi incarnano una complessa miscela di potere, bellezza, energia e armonia. Come espressione astratta dell’essenza femminile originale ed eterna nell’universo, si colloca tra i più importanti dipinti astratti di donne.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Olio su tela. 175,3 x 318,8 cm. Kay Sage Tanguy Fund. 212.1977. Collezione MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Pablo Picasso - Ma Jolie

Ma Jolie significa La mia bella, una canzone francese popolare quando Picasso dipinse il suo dipinto cubista con lo stesso nome. La frase era anche il soprannome affettuoso per la sua amante, Marcelle Humbert. Come una delle prime e più memorabili espressioni del Cubismo analitico, questo dipinto è famoso per ragioni che poco hanno a che fare con il soggetto. Ma come ritratto di donna è anche estremamente espressivo. L’espressione dignitosa di noncuranza sulla testa in alto a destra; la sensualità carnosa delle dita dei piedi; le note musicali e la mano che pizzica la chitarra; la vertiginosa varietà di prospettive e fonti di luce; tutto questo parla della mescolanza di capriccio, serietà, rispetto e mistero che definiscono i sentimenti che Picasso ha espresso per tutta la vita per l’anima femminile.

Pablo Picasso - Ma Jolie, 1911. Olio su tela. 100 x 64,5 cm. Acquisito tramite lascito Lillie P. Bliss (per scambio). 176.1945. © 2019 Estate di Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Georgia O’Keeffe - Astratto (donna che dorme)

Georgia O’Keeffe eliminò tutto ciò che considerava superfluo. Cercava di immergere gli spettatori in un sentimento. Per farlo spesso creava immagini ravvicinate di grandi dimensioni, avvolgendo gli spettatori nello spazio pittorico. Questo dipinto è una delle diverse composizioni astratte simili che O’Keeffe realizzò di una donna che dorme. Lo disegnò a carboncino e poi lo ripassò con un pennello bagnato, creando un’eterealità onirica all’interno della cornice. È un’immagine di grazia stoica e dignitosa, che parla di qualcosa di transitorio e delicato, legato alla terra eppure eterno.

Georgia O Keeffe - Astratto (donna che dorme), 1916. Carboncino e lavatura ad acquerello su carta

Kazimir Malevich - Donna con secchi: disposizione dinamica

Kazimir Malevich era un vero credente nell’astrazione. Un anno dopo aver dipinto questo quadro, inventò il suo stile iconico, il Suprematismo, dedicato al rifiuto del soggetto a favore delle universalità. Questo dipinto di una donna non riguarda tanto la donna quanto le qualità formali della composizione. Ciò che comunica sulla femminilità è soggettivo. Ma nell’intento dell’artista troviamo qualcosa di democratico e, in effetti, universale. Il titolo, Donna con secchi, fa riferimento ai tradizionali ruoli di genere femminili nella Russia operaia quando Malevich realizzò l’opera. Il fatto che abbia scelto questo soggetto comunica che cercava un modo utopico di vedere il mondo non in termini divisivi come genere e classi sociali, ma in termini di comunanze.

Kazimir Malevich - Donna con secchi: disposizione dinamica. 1912-13 (datato sul retro 1912). Olio su tela. 80,3 x 80,3 cm. Acquisizione 1935 confermata nel 1999 per accordo con l’Eredità di Kazimir Malevich e resa possibile con fondi dal lascito Mrs. John Hay Whitney (per scambio). 815.1935. Collezione MoMA

Joan Miró - Donna con tre capelli circondata da uccelli nella notte

Joan Miró non si immerse mai completamente nell’astrazione totale. Invece coltivò una voce estetica unica che incorporava iconografia primitiva, forme ridotte e una tavolozza di colori vibrante e limitata. Attraverso questo stile idiosincratico riuscì a comunicare profondità in modi diretti, semplici e spesso giocosi. Spesso esplorò il tema della donna e dei bambini nelle sue opere. Questa immagine astratta di una donna solitaria esprime forza tranquilla e equilibrio. È meditativa e suggerisce una figura in contemplazione delle gioie quotidiane. È un’immagine di sicurezza, solitudine e armonia. Nonostante la sua strana stranezza evoca gioia.

Joan Miro - Donna con tre capelli circondata da uccelli nella notte Palma/ 2 settembre 1972. Olio su tela. 243,5 x 168,9 cm. Dono dell’artista in onore di James Thrall Soby. 116.1973. Collezione MoMA. © 2019 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Willem de Kooning - Donna I

Pioniere dell’Espressionismo Astratto, Willem de Kooning si specializzò in tele emotive ed energiche. La sua tecnica era allo stesso tempo spontanea e faticosa. Dipingeva strati aggressivi e immediati per poi raschiarli via, aggiungendo ed eliminando nel tempo. I suoi numerosi dipinti di donne sono stati interpretati come grotteschi o arrabbiati, persino misogini. Ma lui negava tali associazioni, preferendo riflettere sulla loro natura primitiva e sulla provenienza che condividono con le rappresentazioni classiche della femminilità. Questo suo dipinto più famoso di Donna sembra adatto come esempio di quella dualità tra l’intento dell’artista maschio nel dipingere una donna e il modo in cui il risultato finale della sua espressione può essere interpretato dagli spettatori. Ci offre un’immagine astratta iconica di una donna, oltre a un punto di partenza per una conversazione più ampia sull’oggettivazione e l’intento nell’arte.

Willem de Kooning - Donna I, 1950-1952. Olio e vernice metallica su tela. 192,7 x 147,3 cm. 478.1953. Collezione MoMA. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr (Colazione con un orecchio)

Nessuna conversazione sul ritratto astratto femminile contemporaneo sarebbe completa senza menzionare l’influenza dell’artista austriaca Maria Lassnig. La sua pratica oscillava tra figurazione e astrazione, ma ruotava sempre attorno a una conversazione più ampia di ciò che nel 1948 descrisse come coscienza corporea. Il suo dipinto Colazione con un orecchio è un rappresentante iconico delle centinaia di autoritratti che Lassnig dipinse, spesso contenenti solo una parte del corpo, relativa alla parte del corpo di cui era più consapevole in quel momento. Questa immagine affronta la più ampia conversazione sociale sui ruoli di genere tradizionali, poiché la funzione di ascoltatrice/nutrice è evidenziata tra immagini di utensili da cucina elettronici.

Maria Lassnig - Frühstück mit Ohr (Colazione con un orecchio), 1967. © Maria Lassnig

Yves Klein - Anthropométrie de l'époque bleue

Come molte opere di Yves Klein, anche questo dipinto ha uno strato concettuale che merita di essere discusso. Non lo dipinse da solo, ma partecipò alla sua creazione come regista. L’antropometria è lo studio delle dimensioni fisiche del corpo umano. Per la sua serie Anthropométrie, Klein diresse assistenti femminili affinché si spogliassero e si coprissero di Blu Klein, la sua tonalità eponima. Le assistenti poi imprimettero fisicamente i loro corpi dipinti su superfici, distese sul pavimento o montate sulla parete. Questo dipinto è in un certo senso una pittura d’azione. In un altro senso è un reportage, poiché crea un documento fisico di un evento reale. Come immagine astratta offre un suggerimento coinvolgente di sensualità. Suggerisce anche il cromosoma X, simbolo della femminilità genetica. Da un punto di vista concettuale può risultare ripugnante nell’uso del lavoro femminile oggettificato per completare una visione estetica maschile e pruriginosa.

Yves Klein - Anthropométrie de lépoquebleue, 1960. Blu Klein internazionale su carta su legno. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Parigi

Carrie Moyer - Tableau

Spesso l’opera di Carrie Moyer è carica di contenuti politici, come nei suoi manifesti agitprop impegnati in attivismo sociale diretto e commento. Altre volte, come nelle sue stampe astratte, sembra avvolta in universalità metafisiche. Nei suoi dipinti questi due poli spesso convergono in composizioni graficamente contenute che combinano ciò che lei chiama “sia illusionismo che piattezza.” Formalmente, Tableau possiede una gravità compositiva e mostra una padronanza della sensualità del mezzo acrilico. Il suo senso di femminilità è decisamente contemporaneo, evocando simultaneamente qualcosa di primitivo e umano e qualcosa di futuristico e alieno, ancorandolo in un presente strano ma confortante.

Carrie Moyer - Tableau, 2008. Acrilico, glitter su tela. © Carrie Moyer

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien

Sarebbe semplicistico dire che i dipinti dell’artista nata in Kenya Wangechi Mutu sono di donne o sulle donne. Ma sono pieni di un linguaggio di forme che comunicano la femminilità fisica. Attraverso le sue immagini inquietanti Mutu esprime l’ampia e varia esperienza di come il corpo femminile venga incontrato nella cultura globale. Questo dipinto, intitolato come la canzone di Edith Piaf Non je ne regrette rien (Non rimpiango nulla), celebra e oggettifica simultaneamente il corpo femminile evocando universalità subconsce attraverso immagini femminili totemiche.

Wangechi Mutu - Non je ne regrette rien, 2007. Inchiostro, pittura, tecniche miste, materiale vegetale e perle di plastica su Mylar. 137 x 221 cm. 54 x 87 1/8 in. Victoria Miro

Immagine in evidenza: Georgia O Keeffe - Astratto - Donna che dorme (dettaglio), 1916, carboncino e lavatura ad acquerello su carta
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio