Tre Maestri del Colore Verde nell'Arte Contemporanea
Abbiamo condotto alcune ricerche sul significato del colore verde, e i risultati, francamente, sono piuttosto confusi. Molte delle associazioni più comuni che le persone hanno con il verde si contraddicono direttamente. Per esempio, ci sono quelli che giurano che il verde sia il colore della salute e della natura, ma molti altri lo associano fermamente alla malattia e alla tossicità. Nel folklore irlandese il verde è supposto essere il colore della buona fortuna, mentre nel folklore cinese è il colore della sfortuna. Un sito web dice che il verde significa vita e vitalità, mentre un altro afferma che simboleggia la morte e la pigrizia; uno dice che significa speranza e ottimismo, un altro dice che significa gelosia e codardia; uno dice che significa ricchezza e successo, un altro dice che significa invidia e incompetenza. E potremmo continuare. Ma il punto è che non c’è consenso su cosa significhi il colore verde. Forse, come molte altre cose in questa vita, il colore verde richiede un contesto per acquisire significato. Quindi, ancora una volta, vorremmo guardare a un libro intitolato Chromaphilia: The Color of Art, scritto dall’ex curatrice del LACMA Stella Paul e pubblicato all’inizio di quest’anno da Phaidon Press. Esamina i diversi modi in cui vari artisti hanno usato il colore nelle loro opere. Nel suo esame del colore verde, il libro mette in evidenza tre artisti: Bruce Nauman, Brice Marden e Olafur Eliasson. Ognuno di loro fa ampio uso del colore per effetto, e ognuno crea opere che ispirano significati diversi negli spettatori a seconda del contesto.
È Facile Vedere il Verde
Lo studio della luce si chiama ottica, e l’ottica ha tutto a che fare con il colore. I nostri occhi percepiscono colori diversi in base alle variazioni di lunghezza d’onda che si verificano in quello che viene chiamato lo spettro della luce visibile. Gli esseri umani possono percepire solo un piccolo segmento dello spettro elettromagnetico. Misurata in nanometri (abbreviato nm), possiamo vedere solo la luce che si manifesta nell’intervallo di circa 400 a 700 nm. Il blu ha una lunghezza d’onda tra 450 e 495 nm. Il rosso ha una lunghezza d’onda tra 620 e 740, ma gran parte di essa è oltre lo spettro visibile per gli esseri umani. Di tutti i colori visibili, il verde ha la più ampia gamma di lunghezze d’onda nello spettro visibile per gli esseri umani: tra 487 e 570 nm. E il verde è anche il colore che l’occhio umano riesce a percepire più facilmente. Quando adattati al buio, i nostri occhi sono più sensibili alla luce a 507 nm, e quando adattati alla luce sono più sensibili alla luce a 555 nm, entrambi saldamente nella zona verde.
Ma l’ottica non è universalmente traducibile per tutte le persone. Sebbene la scienza non cambi, la nostra esperienza della scienza dipende molto dalla percezione individuale. Vediamo il colore grazie a cellule nei nostri occhi chiamate coni. Ma circa l’otto per cento degli esseri umani nasce con una carenza nelle cellule coniche, che causa un certo grado di daltonismo. Chi ha una debolezza per il verde, la forma più comune di daltonismo, ha difficoltà a percepire il colore verde. La debolezza per il verde è così comune che molti paesi aggiungono segnali visivi come linee barrate sui semafori verdi per aiutare i conducenti daltonici a interpretare i segnali. Anche se il verde è, scientificamente, il colore più abbondante che possiamo vedere, e il colore più facile da percepire poiché è perfettamente all’interno della nostra gamma di sensibilità sia al buio che alla luce, è anche il colore più comunemente contestato, uno che ciascuno di noi vede un po’ diversamente a seconda della predisposizione genetica delle nostre cellule coniche. Quindi è naturale che ciascuno di noi abbia idee diverse sul significato del verde, poiché lo percepiamo, e quindi lo associamo a esperienze, in modi idiosincratici.
Olafur Eliasson - Green river 1998, Stoccolma, 2000, © Olafur Eliasson
Olafur Eliasson e il Progetto Green River
Una sostanza chiamata fluoresceina è stata usata per rendere l’acqua fluorescente verde per più di un secolo. Conosciuta anche come colorante alimentare Giallo n. 7, la fluoresceina è stata impiegata dai soldati della Seconda Guerra Mondiale quando avevano bisogno di soccorso in mare, e dalle navicelle spaziali dopo l’ammaraggio per poter essere localizzate e recuperate. Anche i residenti di Chicago potrebbero conoscere la fluoresceina come la sostanza usata originariamente per tingere di verde il fiume Chicago il giorno di San Patrizio. E quasi due decenni fa, l’artista danese-islandese Olafur Eliasson ha usato una variazione salina di fluoresceina, chiamata uranina, alias Giallo n. 8, per creare gli effetti vibranti che ha usato nell’esecuzione di un’opera pubblica chiamata il Progetto Green River.
La prima edizione del Progetto Green River si è svolta a Brema, in Germania, nel 1998. Senza annunciare le sue intenzioni a nessuno in città, Eliasson e un assistente hanno condotto una canoa lungo il fiume Weser, rilasciando lungo il percorso una grande quantità di uranina nell’acqua. Presto è apparsa una massiccia striscia verde fluorescente, a sorpresa di chiunque si trovasse vicino al fiume. Eliasson ha permesso che lo spettacolo pubblico si svolgesse per un po’ mentre il suo intervento estetico scuoteva la sfera sociale della città. La prima reazione, ovviamente, è stata paura e orrore, poiché la gente pensava fosse qualche tossina. Solo più tardi l’artista ha rivelato cosa aveva fatto, alleviando le preoccupazioni del pubblico. Eliasson ha poi ripetuto il progetto in Norvegia, Islanda, Svezia, Giappone e Stati Uniti. Il colorante verde ha suscitato reazioni diverse in ogni città, ma a causa del contesto, quasi tutte le reazioni sono state universalmente negative. Eliasson definisce questo tipo di lavoro un “produttore di fenomeni” e crede che tali progetti siano importanti per tirare le persone fuori dalle loro interazioni normali con l’ambiente, oltre che per portare l’arte a persone che normalmente non la incontrerebbero.
Olafur Eliasson - Green river 1998, The Northern Fjallabak Route, Islanda, 1998, © Olafur Eliasson
Brice Marden e il Monocromo
Brice Marden è uno dei tanti artisti che hanno sperimentato l’idea della pittura monocroma. Crea i suoi monocromi aggiungendo strati successivi di vernice in colori diversi, permettendo ai colori sottostanti di contribuire alla tonalità finale. La fisicità dei suoi monocromi li rende oggetti da ammirare: la loro presenza è imponente mentre il loro colore ricco, sontuoso e profondo cattura lo sguardo. Ma l’atto di incontrare un dipinto monocromo verde di Marden non è affatto come vedere improvvisamente una striscia verde fluorescente che scorre lungo un fiume pubblico. Se ti trovi davanti a un monocromo verde di Marden, probabilmente sei in un museo, a una fiera d’arte o in una galleria d’arte di alto livello. È un luogo sicuro, e quindi un’opportunità per interrogarti su cosa significhi il verde per te personalmente, al di là di qualsiasi interferenza contestuale esterna.
Riguardo ai suoi dipinti monocromatici, Marden una volta disse: “Mi piace pensare che il mio dipinto vada oltre il semplice essere ciò che è.” Il colore gioca certamente un ruolo fondamentale nel far sì che i suoi monocromi siano più della somma delle loro parti. L’esempio di un monocromo di Brice Marden usato da Stella Paul in Chromaphilia risale al 1976, ed è un dipinto chiamato Grove IV. Marden ha dipinto l’opera come riflessione sulla natura, facendo specifico riferimento all’isola greca di Hydra dove ha trascorso del tempo. “La natura è corretta,” disse una volta Marden. Ma in che modo questo dipinto è stato ispirato dalla natura? È un’immagine figurativa di erba verde? Oppure si riferisce a qualche associazione astratta che potremmo fare tra la natura e il colore verde? C’è qualcosa di intrinsecamente naturale nel verde? Il dipinto monocromo verde offre l’opportunità di rispondere a questa domanda da soli.
Brice Marden - Grove IV, 1976, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Brice Marden/Artists Rights Society (ARS), New York
Bruce Nauman dà il Via Libera al Verde
L’artista nato in Indiana Bruce Nauman si dedica alle sue imprese artistiche in parte per indagare la psicologia e il comportamento delle persone. Spesso usa il testo nelle sue opere, sfidando gli spettatori a distinguere tra il significato delle parole e il contesto della loro interazione con l’arte. Ma è forse più comunemente associato all’uso della luce colorata. Nel 1970, Nauman costruì un paio di muri alti e li posizionò uno accanto all’altro, creando un corridoio stretto, largo solo 30 centimetri. Poi appese sopra di esso lampadine fluorescenti verdi in modo che il corridoio brillasse di un verde intenso. Gli spettatori erano incoraggiati a camminare attraverso il corridoio. Se riuscivano a entrare nello spazio, i loro occhi si sarebbero adattati all’inondazione di luce verde e poi, uscendo dal corridoio, i loro occhi si sarebbero riadattati, causando un’illusione ottica del colore rosa, l’estremo opposto dello spettro dei colori.
È difficile dire se Nauman intendesse implicare qualcosa di specifico riguardo al colore verde con quest’opera. Avrebbe potuto usare qualsiasi altro colore e ottenere effetti simili. Potrebbe non esserci stato alcun significato nella sua scelta di questo colore. Ma il fatto che abbia scelto il verde ha spinto molti spettatori d’arte a creare nuove associazioni contestuali con il colore. Questa esperienza intensa, claustrofobica e ultraterrena è stata descritta come terrificante, psichedelica e persino sacra. Ci si chiede ancora una volta: i colori hanno un significato intrinseco? Il loro significato dipende dal contesto? Il lavoro di questi tre artisti ci porta a credere che la maggior parte delle nostre associazioni con il colore si sviluppino solo dalle nostre esperienze personali.
Bruce Nauman - Green Light Corridor,
Copenhagen Contemporary, Copenaghen
Immagine in evidenza: Bruce Nauman -
