Che cos'è la Pittura Concettuale?

Ogni opera d'arte è stata una volta solo un'idea nella mente di qualcuno. È un pensiero curioso, considerando quanto le idee possano essere fugaci e quanto sia difficile trasformare anche le migliori idee in realtà. La pittura concettuale, come campo di pratica artistica, tenta di affrontare il divario tra idee e realtà fisica. Considera la possibilità che per ogni dipinto che finisce appeso a una parete, ce ne siano innumerevoli altri che non sono mai arrivati sulla tela, e innumerevoli modi alternativi di dipingere quello che invece è arrivato sulla parete. Arriva persino a dire che il dipinto potrebbe non avere alcuna importanza; che l'unica cosa che conta davvero è l'idea.

Basta Pensarlo

A volte il modo migliore per portare a termine qualcosa è non pensarci. Fallo semplicemente, come dice lo slogan. Quando invece ci fermiamo a riflettere sulla natura di ciò che stiamo facendo, questo può paralizzarci, mentre ci chiediamo se ciò che stiamo facendo valga lo sforzo o abbia qualche valore. Quando i primi pittori astratti iniziarono la loro ricerca per creare opere puramente astratte, c'era molto pensiero in corso e erano pieni di idee. Ma contemporaneamente alcuni artisti si ponevano domande sul valore di quelle, o di qualsiasi altra idea.

Nel 1917, Marcel Duchamp creò un'opera d'arte intitolata “Fountain.” Era un orinatoio capovolto e firmato “R. Mutt.” Duchamp prese un oggetto ordinario e lo trasformò, in questo caso capovolgendolo e rimuovendolo dal suo contesto utilitaristico, rendendo obsoleto il suo uso originale e invitandolo a nuove possibilità di significato. “Fountain” fu rifiutato dalla mostra a cui era stato presentato, ma divenne il punto di riferimento per ciò che sarebbe poi stato conosciuto come Arte Concettuale, una tendenza a porre il valore delle idee di un artista al di sopra del valore dei processi o degli oggetti dell'artista.

Sarah Hinckley - 2009, 38 x 25 cm, © Sarah Hinckley

L’Immagine Non Conta

Molti dei primi dipinti concettuali non erano affatto dipinti. Nel 1953, l’artista Robert Rauschenberg ebbe l’idea di cancellare un dipinto. Intendeva far scomparire l’oggetto materiale, lasciando solo l’idea, e così elevandola a nuova riverenza. Credeva che per realizzare pienamente la sua idea, qualcun altro dovesse tenere in considerazione l’oggetto. Doveva cancellare l’opera di un altro pittore, altrimenti sarebbe stato come negare qualcosa che non è mai esistito.

Rauschenberg si rivolse al suo amico Willem de Kooning e gli chiese di donare un dipinto amato per il suo concetto. Sebbene de Kooning resistette all’inizio, alla fine diede a Rauschenberg un disegno, uno che odiava vedere sparire e che sarebbe stato difficile da cancellare. Rauschenberg usò più di una dozzina di gomme nel corso di più di un mese, riuscendo infine a cancellare l’intera immagine. Il risultato, chiamato “Erased de Kooning Drawing,” affermava con sicurezza l’idea che ciò che conta di più è l’idea di un’opera d’arte, e che l’opera stessa non deve necessariamente esistere.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Tracce di materiali da disegno su carta, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation

Creare l’Invisibile

L’idea dell’importanza primaria dell’idea si diffuse rapidamente nel mondo occidentale. Gli artisti iniziarono a sperimentare ogni possibile manifestazione di un’idea, credendo che se un’idea deve manifestarsi, può farlo in molti modi. Un’opera d’arte su un’immagine di un albero poteva manifestarsi come una fotografia di un albero, un dipinto di un albero, un disegno di un albero, un dipinto astratto di un albero, le parole “immagine di un albero” scritte su una superficie, un interprete che indica un albero reale, una danza interpretativa che imita un albero, o persino un artista seduto a terra con gli occhi chiusi che pensa a un’immagine di un albero.

Nel 1958, l’artista Yves Klein tenne una mostra di pittura a Parigi spesso chiamata “Il Vuoto.” Il titolo completo della mostra era “La Specializzazione della Sensibilità nello Stato Grezzo della Materia in Sensibilità Pittorica Stabilizzata, Il Vuoto.” Secondo la leggenda, più di 3000 visitatori vennero a vedere la mostra. Entrando nella galleria, gli spettatori si trovarono davanti a una stanza bianca priva di dipinti, contenente solo un armadietto vuoto. Klein disse della mostra, “I miei dipinti ora sono invisibili e vorrei mostrarli in modo chiaro e positivo.”

Fieroza Doorsen - Senza titolo (Id. 1281), 2017, Olio su carta, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

Nel 1968, il pittore astratto Sol LeWitt aggiunse un’altra dimensione al campo della pittura concettuale. Teorizzò che non solo non importa se un’idea si manifesta mai come un dipinto fisico, ma non importa nemmeno come venga dipinto o chi lo dipinga. Ciò che conta è solo l’idea originale espressa dall’artista. Come dimostrazione di questo concetto, LeWitt iniziò a progettare murales che potevano essere, e di solito erano, eseguiti da persone diverse da lui.

L’idea di LeWitt era che ogni mano individuale avrebbe tracciato ogni linea in modo diverso, quindi anche se lavoravano tutti dagli stessi piani, ogni artista avrebbe disegnato il murale in modo diverso dagli altri. I prodotti finiti variavano dal progetto originale e tra loro, ma poiché conta solo il progetto originale, la variazione è irrilevante, così come i mezzi di produzione. L’eredità dell’idea di LeWitt è che i suoi dipinti murali concettuali vengono ancora riprodotti oggi, dopo la sua morte.

John Monteith - Il Cielo Notturno, 2010, grafite su carta fatta a mano, 61 x 45 cm, © John Monteith

Il Futuro delle Idee

La pittura concettuale contemporanea continua ad ampliare la nostra comprensione delle idee che formano la base di un’opera d’arte. Il lavoro della pittrice astratta americana contemporanea Debra Ramsay si fonda su idee fondamentali per il nostro tempo. Il suo processo consiste nel seguire i cambiamenti di colore della natura, come quelli della flora stagionale, e poi analizzare tali cambiamenti cromatici con un programma informatico. I dati risultanti vengono usati per creare una tavolozza che fa riferimento ai colori naturali in mutamento. Usa poi quella tavolozza per creare una rappresentazione astratta di oggetti nello spazio che cambiano nel tempo.

Il lavoro di Ramsay richiama alla mente due idee fondamentali che dominano la nostra cultura attuale. La prima è l’idea dei dati, e la nozione che ogni aspetto della nostra vita viene monitorato, digitalizzato, calcolato e analizzato in una monumentale ricerca di comprensione. L’altra è l’idea che la natura sta cambiando, e che ora possiamo solo osservare questo cambiamento e in qualche modo trovare in esso una bellezza estetica. Le idee di Ramsay sono splendidamente rese sotto forma di dipinti astratti, ma sono le idee stesse a rendere il suo lavoro così rilevante per la nostra cultura attuale.

Debra Ramsay- Un Anno di Colore, Regolato per la Durata del Giorno, 2014, Acrilico su film di poliestere, 101 x 152 cm.

H7

Il pittore astratto canadese John Monteith lavora in diversi mezzi mentre cerca la manifestazione fisica più riuscita dei suoi concetti artistici. Un ambito che esplora spesso è quello del testo. Monteith estrae frammenti di testo da altre fonti che incontra durante il lavoro, come le notizie quotidiane, un libro o una conversazione. Presenta poi il testo fuori contesto in un ambiente di galleria, che invita a nuove interpretazioni concettuali delle idee contenute nelle parole.

Attingendo a molteplici fonti mediatiche per il testo che usa nelle opere, i disegni basati sul testo di Monteith portano un punto di vista contemporaneo alle opere degli artisti concettuali di prima generazione come Robert Barry, che spesso lavora anch’egli con il testo. Il lavoro di Barry consiste nel mostrare frammenti di testo su carta, tela, pareti, pavimenti o qualsiasi altra superficie adatta all’idea. Le sue parole sono spesso sue, ma a volte prese da altri testi, e sono presentate in modo da invitare nuove associazioni e significati. Spesso queste opere concettuali presentano molte più informazioni di un dipinto tradizionale, richiedendo la partecipazione dell’immaginazione dello spettatore.

Materia e Significato

Nel 1965, in un’opera fondamentale dell’arte concettuale chiamata One and Three Chairs, l’artista concettuale Joseph Kosuth presentò una sedia reale, una fotografia di una sedia e una descrizione scritta di cosa sia una sedia. Come molte altre opere concettuali, portò in primo piano la questione della differenza tra idee, oggetti e astrazioni.

Ora accettiamo che un dipinto concettuale non debba essere un dipinto, né debba esistere in forma materiale. Ma quando esiste, è importante? Conta che sia qui, nel mondo fisico? Davvero non c’è differenza tra l’oggetto e l’idea? Valutiamo davvero di più l’idea? Se fossimo affamati, preferiremmo una ricetta, un dipinto di cibo o il cibo vero? In termini pratici, la pittura concettuale pone e risponde a una delle domande più importanti dell’umanità: Conta ciò che facciamo?

Immagine in evidenza: Robert Barry - Senza titolo (Qualcosa che non potrà mai essere una cosa specifica), 1969, Dattiloscritto su carta, 10 x 15 cm, © Robert Barry

Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo