Cosa abbiamo imparato da Constantin Brancusi?

Quando immagini uno scultore astratto, cosa ti viene in mente? Qualcuno con abiti da lavoro robusti, coperto di macchie di gesso? Qualcuno serio, curioso e ossessionato dalla perfezione? Qualcuno visionario, colmo sia di fiducia che di umiltà? Tutto ciò può sembrare eccessivamente poetico, quasi una caricatura. Ma descrive perfettamente Constantin Brancusi, il padre della scultura astratta modernista. L’atto di manifestare il volume nello spazio in modo non figurativo non è facile. Ma quando Brancusi lo fece per la prima volta, era quasi sconosciuto. Brancusi fu pioniere delle questioni tecniche ed estetiche che hanno plasmato il modo in cui oggi comprendiamo la scultura astratta. Fu anche fondamentale nel gettare le basi filosofiche del campo. Per comprendere la traiettoria che la scultura astratta ha seguito nell’ultimo secolo e il posto che occupa nel mondo dell’arte oggi, torniamo indietro e scopriamo la fonte.

La leggenda di Constantin Brancusi

La maggior parte delle fotografie di un Constantin Brancusi maturo mostrano una sorta di uomo selvaggio con un volto profondamente segnato, capelli disordinati, una lunga barba e un guardaroba che ricorda un vagabondo. Potrebbe sembrare una maschera adottata per adattarsi alla visione pubblica di un artista, ma nel caso di Brancusi l’aspetto non era una finzione. Pochi altri artisti famosi hanno le sue credenziali di uomo semplice. Constantin Brancusi nacque in una famiglia contadina nella campagna rumena, a circa 80 chilometri dal moderno confine serbo. A parte il fatto che a 7 anni pascolava pecore, le circostanze precise della sua giovinezza sono poco chiare, ma basti dire che pochi bambini felici scappano di casa. Brancusi scappò più volte, fuggendo definitivamente intorno agli undici anni.

Si diresse verso la città di Craiova, a 188 km di distanza. Un luogo relativamente cosmopolita e allora abitato da circa 40.000 persone, Craiova aveva un’economia basata sulla manifattura e l’industria. Brancusi si arrangiò facendo lavoretti, tra cui leggere la fortuna e servire i clienti in un caffè. Alla fine iniziò a frequentare corsi di lavorazione del legno e trovò impiego nella produzione di mobili. La leggenda narra che a 18 anni costruì a mano un violino con pezzi di legno di scarto. Il violino impressionò un ricco mecenate che successivamente finanziò gli studi di Brancusi alla Scuola Nazionale di Belle Arti nella capitale rumena, Bucarest. Dopo essersi diplomato con lode, Brancusi, l’ex pastore di pecore, bambino fuggitivo, ragazzo di strada e intagliatore di violini, lasciò nuovamente casa, secondo alcune fonti percorrendo quasi interamente i 2300 km da Bucarest attraverso Austria e Germania fino a Parigi.

L’essenza delle cose

Arrivato a Parigi nel 1904, Brancusi si trovò al centro di un turbine di pensiero modernista. Proseguì con entusiasmo gli studi di scultura e nel giro di pochi anni lavorò come assistente nello studio di uno dei più grandi scultori dell’epoca, Auguste Rodin. Ma dopo solo un mese di lavoro con Rodin, Brancusi se ne andò per concentrarsi sulla propria arte. Una delle prime sculture che Brancusi realizzò da solo, nel 1907, la chiamò Il Bacio, un apparente commento alla famosa scultura di Rodin con lo stesso nome, realizzata nel 1889. Confrontare le due opere fianco a fianco mostra la grande differenza tra la visione di Brancusi e quella del suo breve maestro.

Oltre alla evidente differenza estetica, altre profonde differenze separavano il lavoro di Brancusi da quello di Rodin. La più importante era il modo in cui ciascun artista cercava di esprimere il vero carattere di un soggetto. Rodin tendeva a enfatizzare la muscolatura dei suoi soggetti per comunicare la forza e lo spirito del loro carattere interiore. Brancusi invece portò la ricerca dello spirito dei suoi soggetti in una direzione diversa, rifiutando del tutto la forma realistica alla ricerca di una forma astratta che potesse comunicare quella che chiamava “la realtà nascosta interiore.”

Un’altra differenza fondamentale tra il lavoro di Rodin e quello di Brancusi era nel loro metodo di creazione. Rodin aveva introdotto un metodo di produzione su scala industriale per realizzare le sue opere monumentali in metallo. Iniziava un’opera scolpendola in argilla, poi impiegava un team di assistenti per aiutarlo a fondere la forma finale in metallo o scolpirla nel marmo. In netto contrasto con questa pratica, Brancusi preferiva realizzare le sue sculture a mano, scolpendole lui stesso nel legno o nella pietra, o fondendole personalmente in metallo. La fisicità di questo metodo, unita all’aspetto astratto delle sculture di Brancusi, contribuì a stabilire il primo focus modernista sull’importanza della mano dell’artista e sull’espressione di una visione artistica personale.

Rodin - Il Bacio, circa 1882. Marmo. 181,5 cm × 112,5 cm × 117 cm (71,5 in × 44,3 in × 46 in), © Musee Rodin (a sinistra) e Brancusi - Il Bacio, 1907, © Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parigi

Superficie e lucentezza

Oltre alla sua dedizione alla scultura a mano, Brancusi curava con grande attenzione le superfici delle sue opere, levigandole e lucidandole a mano fino a renderle perfettamente lisce e con un alto grado di brillantezza. La sua scultura Ritratto di Mademoiselle Pogany fu derisa dai critici per la sua superficie liscia e lucida, paragonata a quella di un uovo. Principessa X, una delle opere più controverse di Brancusi, è un esempio perfetto della sua dedizione alle qualità superficiali del suo lavoro. Realizzata intorno al 1915, questa scultura in bronzo dall’aspetto futuristico suscitò un vero scalpore al Salon des Indépendants di Parigi.

La controversia intorno a Principessa X era che giudici e spettatori credevano che rappresentasse un fallo. Brancusi insistette che questa interpretazione era errata. Piuttosto, sosteneva che la scultura altamente lucidata e specchiata fosse una versione astratta della forma femminile, suggerendo la testa, il collo e il busto di una donna, con la testa inclinata verso il basso a riflettersi in uno specchio. A parte la controversia, l’opera contribuì a definire l’estetica iconica di Brancusi, altamente lucidata, e la sua ricerca astratta per “l’essenza delle cose.”

Constantin Brancusi - Principessa X, 1915, bronzo lucido; blocco di pietra calcarea, 57,5 × 41 × 23 cm, Philadelphia Museum of Art, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parigi

Natura animale

L’attenzione di Brancusi per soggetti astratti e qualità formali materialiste trovò espressione accentuata in diverse sculture di animali realizzate negli anni Venti. La più famosa delle sue forme animali si chiamava Uccello nello Spazio. Una forma a cui tornò più volte per molti anni, non era destinata a rappresentare un uccello reale, ma evocava l’ala di un uccello e intendeva suggerire l’essenza del volo.

Un’altra scultura animale di Brancusi, chiamata Pesce, sembra quasi figurativa a prima vista, poiché l’elemento superiore sembra imitare la forma di un pesce. Ma la forma è ridotta a una sottile lamina. E la sottile forma metallica è solo un elemento dell’intera opera. Brancusi realizzò questa scultura in modo che l’opera stessa fungesse da base. Piuttosto che poggiare su una piattaforma, Pesce si sostiene da solo. Visto nel contesto della sua forma completa, quindi, Pesce diventa più simbolico. L’elemento metallico a forma di pesce poggia su una lastra specchiata, che a sua volta si appoggia su una forma di legno intagliato che ricorda un calice. Nel cuore del calice c’è un’apertura che ricorda un uovo. Presa nel suo insieme, la forma sottile sopra una lastra sopra un calice evoca un servizio di comunione, un riferimento quasi esplicito alla mitologia cristiana.

Constantin Brancusi - Uccello nello Spazio, Marmo, 144 x 16,5 cm (a sinistra) e Pesce, Bronzo, metallo e legno, 934 x 502 x 502 mm (a destra), © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parigi

Elementi di base

Oltre al suo pioniere abbraccio modernista di riferimenti mitologici, Pesce di Brancusi, e molte altre sculture realizzate nello stesso spirito, furono pioniere del concetto che una scultura e il suo metodo di sostegno potessero costituire un tutto unito. L’idea di un insieme scultoreo autosufficiente aprì un mondo di potenzialità espositive che permise alle opere scultoree di abitare gli spazi in modo completamente nuovo, non come oggetti in mostra all’interno di uno spazio, ma come oggetti che partecipano allo spazio, contestualizzandolo e persino definendolo per gli spettatori. La scultura di Brancusi La Strega, creata nel 1920, non solo si sostiene da sola, ma la base sembra presentare un ulteriore elemento narrativo, evocando un altare che sostiene la figura apparente di una strega.

Constantin Brancusi - La Strega, 1920,© Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parigi

L’influenza contemporanea di Brancusi

Seguendo le sue idee fino alle loro conclusioni, Brancusi creò un’estetica di superficie e materialità che influenzò movimenti lontani come il Minimalismo. Le sue sculture naturalistiche furono tra i primi esempi dello stile biomorfico abbracciato da artiste come Barbara Hepworth. La sua miscela di modernismo, mito e primitivismo fu un precursore di movimenti neoprimitivi come l’Astrazione Lirica e l’Espressionismo Astratto.

Ma oltre a essere un pioniere estetico nel campo dell’astrazione, Brancusi fu un leader di mentalità. Credeva nelle sue idee. Considera lo studente più famoso di Brancusi, Isamu Noguchi. Prima di incontrare Brancusi, Noguchi era stato deriso dal suo precedente maestro, lo scultore figurativo Gutzon Borglum, famoso come creatore del Monte Rushmore. Borglum disse che Noguchi non aveva talento. Anni dopo, mentre viaggiava a Parigi, Noguchi divenne assistente di Brancusi. Lì ricevette l’incoraggiamento che ispirò il suo percorso come maestro modernista. Questa fu l’influenza più importante di Brancusi nella storia della scultura modernista: la sua feroce dedizione al potere e al potenziale della visione individuale di un artista.

Immagine in evidenza: Constantin Brancusi - Ritratto di Mademoiselle Pogany, 1912, © Art Resource, NY / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Parigi
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio