Definire l'Astrazione Lirica

Astrazione Lirica è un termine che sembra auto-definito, eppure per generazioni la sua origine e il suo significato sono stati dibattuti. Il collezionista d'arte americano Larry Aldrich usò il termine nel 1969 per definire la natura di varie opere che aveva recentemente collezionato e che sentiva segnalassero un ritorno all'espressione personale e alla sperimentazione dopo il Minimalismo. Ma il critico d'arte francese Jean José Marchand usò una variazione del termine, Abstraction Lyrique, decenni prima, nel 1947, per fare riferimento a una tendenza europea emergente nella pittura simile all'Espressionismo Astratto negli Stati Uniti. Entrambi gli usi del termine si riferivano a opere d'arte caratterizzate da composizioni libere, emotive e personali non collegate alla realtà oggettiva. Ma quelle tendenze possono essere fatte risalire ancora più indietro, almeno al primo decennio del XX secolo e al lavoro di Wassily Kandinsky. Per scoprire le vere radici e il significato dell'Astrazione Lirica, e per capire come interagire con le sue tendenze nell'arte, dobbiamo guardare ai primi giorni dell'arte astratta.

Mettere il Lirico nell'Astrazione Lirica

Negli anni 1910, diversi gruppi di artisti stavano flirtando con l'astrazione, ciascuno da una prospettiva unica. Gli artisti cubisti e futuristi stavano lavorando con immagini del mondo reale e alterandole in modi concettuali per esprimere idee astratte. Gli artisti suprematisti e costruttivisti stavano lavorando con forme riconoscibili nella loro arte, ma utilizzandole in modi ambigui o simbolici, o in un modo che cercava di trasmettere universalità. Ma un altro gruppo di artisti stava avvicinandosi all'astrazione da una prospettiva completamente diversa rispetto al resto.

Epitomizzato da Wassily Kandinsky, questo gruppo si avvicinò all'astrazione dalla prospettiva che non sapevano quale significato potesse esserci in ciò che dipingevano. Speravano che semplicemente dipingendo liberamente, senza nozioni preconcette di estetica o del mondo oggettivo, qualcosa di sconosciuto potesse essere espresso attraverso il loro lavoro. Kandinsky paragonava i suoi dipinti a composizioni musicali, che comunicavano emozione in modo completamente astratto. I suoi dipinti astratti erano immaginativi, emotivi, espressivi, personali, appassionati e completamente soggettivi; in altre parole, lirici.

Wassily Kandinsky - Composition 6, 1913. Oil on canvas. 76.8 × 118.1" (195.0 × 300.0 cm). Hermitage Museum, Saint Petersburg

Astrazione Lirica Post-Bellica

L'astrazione lirica di Kandinsky si contrapponeva a molte delle altre tendenze dell'arte astratta degli anni '20 e '30. La sua arte non era specificamente associata a nessuna religione, ma c'era qualcosa di apertamente spirituale in essa. Altri artisti associati a stili come De Stijl, Art Concrete e Surrealismo stavano creando opere d'arte che erano secolari e si prestavano a un'interpretazione oggettiva e accademica. Kandinsky cercava qualcosa che non potesse mai essere completamente definito o spiegato. Esprimeva la sua connessione personale con i misteri dell'universo in modo aperto. Era come se avesse inventato una sorta di esistenzialismo spirituale.

L'esistenzialismo era una filosofia che è emersa dopo la Seconda Guerra Mondiale, quando le persone lottavano per comprendere ciò che percepivano come l'insensatezza della vita. I pensatori critici non potevano credere che potesse esistere un potere superiore che permettesse il tipo di distruzione che avevano appena testimoniato. Ma piuttosto che diventare nichilistici nell'apparente assenza di Dio, gli esistenzialisti cercarono di affrontare l'insensatezza predominante della vita, cercando un significato personale. Come scrisse l'autore esistenzialista Jean-Paul Sartre nel suo libro Essere e Nulla nel 1943, “L'uomo è condannato a essere libero; è responsabile di tutto ciò che fa.” La ricerca di ciò che è essenzialmente personale era fondamentale per l'esistenzialismo, e anche per la diffusione del riemergere dell'astrazione lirica dopo la Seconda Guerra Mondiale.

Wassily Kandinsky - The Last Judgment, 1912. Private collection

Con qualsiasi altro nome

Negli anni '40 e '50, emerse un gran numero di movimenti artistici astratti che, in un modo o nell'altro, coinvolgevano l'espressione personale soggettiva come fondamento per esprimere significato nell'arte. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Espressionismo Astratto, Color Field art, e persino l'arte concettuale e performativa, tutti, in una certa misura, possono essere ricondotti alla stessa ricerca esistenziale generale. Uno dei critici d'arte più influenti di questo periodo, Harold Rosenberg, lo capì quando scrisse, “Oggi, ogni artista deve intraprendere l'invenzione di se stesso... Il significato dell'arte nel nostro tempo scaturisce da questa funzione di auto-creazione.”

Ma con il cambiamento della cultura nella generazione successiva, molte di queste tendenze esistenziali nell'arte sono cadute in disuso. E ancora una volta, un approccio non emotivo, concreto e geometrico all'arte astratta, incarnato dal Minimalismo, ha preso il loro posto. Ma non tutti gli artisti hanno abbandonato la tradizione lirica. Alla fine degli anni '60, la marea era tornata a cambiare. Come è stato sottolineato da Larry Aldrich, che ha ri-coniato il termine Astrazione Lirica nel 1969, "All'inizio della scorsa stagione, è diventato evidente che nella pittura c'era un movimento lontano dal geometrico, dal hard-edge e dal minimal, verso astrazioni più liriche, sensuali e romantiche in colori più morbidi e vibranti... Il tocco dell'artista è sempre visibile in questo tipo di pittura, anche quando i dipinti sono realizzati con pistole a spruzzo, spugne o altri oggetti."

Jean-Paul Riopelle - Composition, Oil on canvas, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Astrazione Lirica Contemporanea

È evidente che, come spesso accade nei movimenti artistici, le tendenze che definiscono l'Astrazione Lirica precedevano la coniazione del termine. Nei primi decenni del XX secolo, artisti come Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee e Wols incarnarono per primi le tendenze liriche nell'astrazione. E decenni dopo, artisti come Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages e Joan Mitchell le portarono avanti. Poi, alla fine degli anni '60 e '70, artisti come Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko e dozzine di altri rivitalizzarono ed espandero la rilevanza della posizione.

Nel 2015, una delle voci più affascinanti della Lyrical Abstraction contemporanea, l'artista spagnolo Laurent Jiménez-Balaguer, è scomparso. Ma i suoi concetti, teorie e tecniche continuano a manifestarsi in modi potenti oggi nel lavoro di artisti come Margaret Neill, le cui composizioni istintive di linee liriche e intrecciate invitano lo spettatore a una partecipazione soggettiva di significato personale, e quella di Ellen Priest, il cui lavoro dà vita alla sua conversazione estetica personale, che dura da tutta la vita, con la musica jazz. Ciò che tiene insieme tutti questi artisti in un legame comune è la ricerca fondamentale della Lyrical Abstraction: esprimere qualcosa di personale, soggettivo ed emotivo, e farlo in modo poetico e astratto.

Ellen Priest - Dolphin dance study 15.

Immagine in evidenza: Margaret Neil - Switchback (dettaglio).
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park