Definire l'Astrazione Lirica

Lyrical Abstraction è un termine apparentemente autoesplicativo, eppure per generazioni la sua origine e il suo significato sono stati oggetto di dibattito. Il collezionista d'arte americano Larry Aldrich usò il termine nel 1969 per definire la natura di varie opere che aveva recentemente raccolto e che riteneva segnalassero un ritorno all'espressione personale e alla sperimentazione dopo il Minimalismo. Ma il critico d'arte francese Jean José Marchand usò una variante del termine, Abstraction Lyrique, decenni prima, nel 1947, per riferirsi a una tendenza emergente nella pittura europea simile all'Espressionismo Astratto negli Stati Uniti. Entrambi gli usi del termine si riferivano a un'arte caratterizzata da composizioni libere, emotive, personali, non legate alla realtà oggettiva. Ma queste tendenze possono essere fatte risalire ancora più indietro, almeno al primo decennio del XX secolo e al lavoro di Wassily Kandinsky. Per scoprire le vere radici e il significato della Lyrical Abstraction, e per capire come interagire con le sue tendenze nell'arte, dobbiamo guardare ai primi giorni dell'arte astratta.

Mettere il lirico nella Lyrical Abstraction

Negli anni 1910, diversi gruppi di artisti si avvicinavano all'astrazione, ciascuno da una prospettiva unica. Artisti cubisti e futuristi lavoravano con immagini del mondo reale modificandole in modi concettuali per esprimere idee astratte. Artisti suprematisti e costruttivisti usavano forme riconoscibili nella loro arte, ma in modi ambigui o simbolici, o in modo da tentare di trasmettere universalità. Ma un altro gruppo di artisti si avvicinava all'astrazione da una prospettiva completamente diversa rispetto agli altri.

Esemplificato da Wassily Kandinsky, questo gruppo affrontava l'astrazione con la consapevolezza di non sapere quale significato potesse esserci in ciò che dipingevano. Speravano che dipingendo liberamente, senza nozioni preconcette di estetica o del mondo oggettivo, qualcosa di sconosciuto potesse essere espresso attraverso il loro lavoro. Kandinsky paragonava i suoi dipinti a composizioni musicali, che comunicavano emozioni in modo completamente astratto. I suoi dipinti astratti erano immaginativi, emotivi, espressivi, personali, appassionati e completamente soggettivi; in altre parole, lirici.

Wassily Kandinsky - Composizione 6, 1913. Olio su tela. 76,8 × 118,1" (195,0 × 300,0 cm). Museo dell'Hermitage, San Pietroburgo

Lyrical Abstraction del dopoguerra

La Lyrical Abstraction di Kandinsky si contrapponeva a molte altre tendenze dell'arte astratta degli anni '20 e '30. La sua arte non era specificamente associata a nessuna religione, ma aveva qualcosa di apertamente spirituale. Altri artisti associati a stili come De Stijl, Art Concrete e Surrealismo realizzavano opere laiche e soggette a interpretazioni oggettive e accademiche. Kandinsky cercava qualcosa che non potesse mai essere completamente definito o spiegato. Esprimeva il suo legame personale con i misteri dell'universo in modo aperto. Era come se avesse inventato una sorta di esistenzialismo spirituale.

L'esistenzialismo fu una filosofia che emerse dopo la Seconda Guerra Mondiale, quando le persone faticavano a comprendere ciò che percepivano come il senso di vuoto della vita. I pensatori critici non potevano credere che potesse esistere un potere superiore che permettesse il tipo di distruzione che avevano appena visto. Ma invece di diventare nichilisti di fronte all'apparente assenza di Dio, gli esistenzialisti cercarono di affrontare il senso generale di vuoto della vita cercando un significato personale. Come scrisse l'autore esistenzialista Jean-Paul Sartre nel suo libro Essere e il nulla nel 1943, “L'uomo è condannato a essere libero; è responsabile di tutto ciò che fa.” La ricerca di ciò che è essenzialmente personale era fondamentale per l'esistenzialismo, e anche per la diffusa rinascita della Lyrical Abstraction dopo la Seconda Guerra Mondiale.

Wassily Kandinsky - Il Giudizio Universale, 1912. Collezione privata

Con altri nomi

Durante gli anni '40 e '50 emersero numerosi movimenti di arte astratta che in un modo o nell'altro coinvolgevano l'espressione personale soggettiva come base per esprimere significato nell'arte. Abstraction Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Espressionismo Astratto, Color Field e persino arte concettuale e performativa, tutti, in certa misura, possono essere ricondotti alla stessa generale ricerca esistenziale. Uno dei critici d'arte più influenti di questo periodo, Harold Rosenberg, comprese questo quando scrisse, “Oggi, ogni artista deve intraprendere l'invenzione di se stesso...Il significato dell'arte nel nostro tempo deriva da questa funzione di auto-creazione.”

Ma con il cambiamento culturale della generazione successiva molte di queste tendenze esistenziali nell'arte caddero in disgrazia. E ancora una volta un approccio disumano, concreto e geometrico all'arte astratta, esemplificato dal Minimalismo, prese il loro posto. Ma non tutti gli artisti abbandonarono la tradizione lirica. Alla fine degli anni '60, la corrente si invertì nuovamente. Come sottolineò Larry Aldrich, che coniò di nuovo il termine Lyrical Abstraction nel 1969, “All'inizio della scorsa stagione, divenne chiaro che nella pittura si stava andando verso un allontanamento dal geometrico, dal bordo netto e dal minimale, verso astrazioni più liriche, sensuali, romantiche in colori più morbidi e vibranti…Il tocco dell'artista è sempre visibile in questo tipo di pittura, anche quando i dipinti sono realizzati con pistole a spruzzo, spugne o altri oggetti.”

Jean-Paul Riopelle - Composizione, olio su tela, 1954. © Jean-Paul Riopelle

Lyrical Abstraction contemporanea

È evidente che, come spesso accade con i movimenti artistici, le tendenze che definiscono la Lyrical Abstraction precedettero la coniazione del termine. Nei primi decenni del XX secolo artisti come Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee e Wols incarnarono per primi tendenze liriche nell'astrazione. E decenni dopo artisti come Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages e Joan Mitchell le portarono avanti. Poi, alla fine degli anni '60 e negli anni '70, artisti come Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko e dozzine di altri rivitalizzarono ed ampliarono la rilevanza di questa posizione.

Nel 2015, una delle voci più affascinanti della Lyrical Abstraction contemporanea, l'artista spagnolo Laurent Jiménez-Balaguer, è venuto a mancare. Ma i suoi concetti, teorie e tecniche continuano a manifestarsi in modi potenti oggi nel lavoro di artisti come Margaret Neill, le cui composizioni istintive di linee liriche e intrecciate invitano lo spettatore a una partecipazione soggettiva di significato personale, e di Ellen Priest, il cui lavoro dà vita alla sua conversazione estetica personale e continua con la musica jazz. Ciò che unisce tutti questi artisti in un legame comune è la ricerca fondamentale della Lyrical Abstraction: esprimere qualcosa di personale, soggettivo ed emotivo, e farlo in modo poetico e astratto.

Ellen Priest - Studio di danza del delfino 15.

Immagine in evidenza: Margaret Neil - Switchback (dettaglio).
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio