Perché la Visione di Gauguin Dopo il Sermone Era Importante per l'Arte Astratta

Paul Gauguin dipinse Visione dopo il sermone nel 1888. Era un'opera religiosa, che prendeva come punto di partenza una storia dalla Bibbia cristiana. Il racconto proviene dal libro della Genesi, capitolo 32, versetti 22-31. Riguarda il personaggio di Giacobbe, che in seguito sarà rinominato Israele, e che è considerato il progenitore storico degli Israeliti. Il versetto recita: “Quella stessa notte si alzò e prese le sue due mogli, le sue due serve e i suoi undici figli, e attraversò il guado del Jabbok. Li prese e li inviò oltre il torrente, e così tutto ciò che aveva. E Giacobbe rimase solo; e un uomo lottò con lui fino all'alba.” L'interpretazione poetica o filosofica generale di questa scena è che riguarda un uomo che sta combattendo con i suoi demoni, per così dire. L'uomo, Giacobbe, lotta con quello che è evidentemente un angelo, un rappresentante della divinità. Il fiume Jabbok (alias il fiume Giordano) separa Giacobbe dalla Canaan, o Terra Promessa. Quindi Giacobbe sta, in sostanza, cercando di fare pace alla vecchia maniera tra i migliori e i peggiori elementi della sua natura umana, in modo da poter continuare a vivere una vita decente. È un soggetto affascinante che Gauguin ha scelto per questo dipinto perché il dipinto stesso ha sviluppato un'interpretazione simile tra gli storici dell'arte. È considerato un punto di svolta nella marcia post-impressionista verso l'astrazione. È un argomento adatto per un dipinto che gioca un ruolo fondamentale nel processo degli artisti che combattono i loro demoni mentre cercano di fare pace con ciò che l'arte dovrebbe essere, in modo da poter continuare a creare opere decenti.

Eliminare le Illusioni

Gauguin era un membro di un piccolo gruppo di pittori alla fine del XIX secolo che credeva che, prima di diventare un'immagine illusoria, un dipinto fosse prima di tutto solo colori applicati a una superficie. Il processo di trasformazione della vernice e della superficie in qualcosa di realistico, come un'immagine di qualcosa di identificabile, arrivò dopo, a posteriori. Nella mente di questi artisti lungimiranti, quel passo successivo non era più così importante e stava persino cominciando a sembrare superfluo. Cominciavano ad apprezzare cose come il colore e la superficie per i loro meriti, indipendentemente dalle forme, dalle sagome e dagli spazi illusori che venivano utilizzati per creare. In generale, questa mentalità iniziò con l'Impressionismo, uno stile che si concentrava sulla qualità della luce in un'immagine. Ma il periodo ora noto come Post-Impressionismo è quando tali idee iniziarono davvero a decollare.

La lista dei movimenti post-impressionisti che hanno ridotto la pittura ai suoi elementi formali, portando infine alla pura astrazione, è lunga. Include il Simbolismo, il Synthetism, il Cloisonnism, il Fauvism, il Cubismo, e molti altri -ismi. Ognuno di questi movimenti è emerso in una successione piuttosto rapida negli ultimi decenni del XIX secolo. Ognuno ha adottato un particolare programma, isolando uno o più elementi dell'arte classica e sovvertendoli per scoprire qualcosa di nuovo sul potenziale della pittura. Tra gli elementi che questi artisti cercavano di eliminare c'erano la prospettiva, la gradazione dei colori, i colori realistici, il soggetto comprensibile e l'idea che forme e figure dovessero essere rappresentative degli elementi del mondo reale. Uno degli aspetti chiave di Vision After the Sermon che lo rende così iconico di questo impulso generale verso l'astrazione è che affronta quasi tutti questi elementi contemporaneamente.

Prospettiva e Gradazione

La prospettiva e la gradazione dei colori sono due degli elementi più essenziali e definitivi degli stili di pittura classica. Insieme, possono conferire a un dipinto un potente senso di realismo, poiché creano lo spazio illusorio all'interno dell'immagine. La prospettiva dà a un dipinto un senso di profondità e una sensazione che le forme fisiche nello spazio illusorio abbiano senso per l'occhio, proprio come accadrebbe nella vita reale. Non importa quanto un dipinto sia fotograficamente perfetto, senza un senso di prospettiva realistica, l'illusione si rompe. Nel frattempo, la gradazione graduale dei colori è ciò che conferisce ai toni degli oggetti nel dipinto le loro qualità realistiche. Il tono della pelle non è solo un colore, ma è centinaia, forse migliaia di colori gradualmente mescolati tra loro. Senza gradazione, i colori diventano irrealistici e l'immagine inizia a sembrare inquietante o addirittura assurda.

Visione dopo il sermone elimina quasi completamente sia la prospettiva che la gradazione del colore, sebbene non del tutto. Gauguin ha usato astutamente il soggetto religioso per confondere se l'immagine sia destinata ad essere realistica o meno. Mostra un gruppo di quelle che sembrano essere suore e un sacerdote riuniti in fila, alcune in piedi e altre in ginocchio. La prospettiva è utilizzata in modo piuttosto tradizionale per questa parte dell'immagine. Ma il resto dell'immagine sembra più un sogno. Evidentemente c'è stato un sermone, e queste suore stanno uscendo dalla chiesa dopo. Il sermone deve essere stato la storia di Giacobbe che combatte i suoi demoni, perché quella è l'immagine che si sta svolgendo davanti agli occhi delle suore in uno spazio mistico, quasi surrealista, nella parte superiore dell'immagine. In quell'area del telaio, non c'è tentativo di prospettiva, nessun tentativo di profondità, e quasi una completa eliminazione della gradazione di colore. L'immagine è appiattita, per così dire.

Paul Gauguin - Vision after the Sermon, 1888, Oil on canvas, 72,20 x 91,00 cm

Colori e forme innaturali

I colori in Visions After the Sermon non sono del tutto stravaganti, come sarebbero diventati in seguito nelle opere dei pittori fauvisti. Ma in questo dipinto Gauguin ha fatto un enorme passo verso quel risultato finale compiendo la audace mossa di dipingere una vasta porzione dell'immagine con quello che lui chiamava "vermiglione puro". Il vermiglione è un pigmento rosso che un tempo era comunemente usato nella pittura. Era derivato da un minerale chiamato cinabro, che conteneva così tanto mercurio che già ai tempi dei Romani si sapeva che estrarre il minerale era una condanna a morte. Per questo motivo, il pigmento non è facile da trovare oggi. È tossico. Ma conferisce a questo pezzo un tono particolarmente sinistro. Il rosso può essere visto come un colore simbolico, implicando rabbia, morte e pericolo. Definisce l'immagine come qualcosa di irreale, qualcosa di onirico.

Per quanto riguarda le forme, è chiaro che per la maggior parte Gauguin intendeva che fossero in qualche modo realistiche. L'immagine mostra chiaramente figure umane, una mucca, un albero e un uomo che lotta con un angelo. Ma ci sono momenti nell'immagine che suggeriscono che Gauguin non fosse tanto interessato a replicare la realtà con le sue forme, quanto piuttosto fosse affascinato dalle qualità delle forme stesse. Questo è più evidente nei copricapi indossati dalle suore. Iniziando con il copricapo in primo piano, in basso a destra dell'immagine, la forma è ridotta alla sua essenza geometrica. In tutta l'immagine Gauguin segue quella tendenza ancora e ancora. Se i volti venissero eliminati dall'immagine, le aree rimanenti di colore perderebbero gran parte del loro potere narrativo, e l'immagine potrebbe facilmente scivolare in una composizione astratta.

Intenzioni sincere

Una delle domande che spesso sorgono quando si parla dei pittori post-impressionisti è se sapessero davvero esattamente cosa stessero cercando di fare. E naturalmente, nel caso di pittori come Gauguin, la risposta è sì. Lui e i suoi contemporanei, come Paul Sérusier, Maurice Denis ed Émile Bernard, erano avidi filosofi, scrittori e sperimentatori. Erano completamente intenzionati a smantellare la definizione di pittura e il significato dell'arte. Si stavano dando da fare per scoprire cosa, se c'è qualcosa, ci sia nell'arte che possa essere contemplativa, trascendente e persino spirituale, oltre al suo soggetto narrativo.

In effetti, quando si tratta delle intenzioni sperimentali di questi artisti, personalmente ritengo che un altro dipinto, realizzato l'anno prima di Vision After the Sermon, sia andato molto più lontano nel rivelare le potenzialità nascoste nell'astrazione. Quel dipinto è The Talisman, dipinto da Paul Sérusier nell'ultimo giorno del 1887. Secondo la leggenda, Gauguin incoraggiò Sérusier a dipingere l'opera. In ogni caso, è davvero innovativa. Se solo un paio di linee verdi che attraversano il centro dell'immagine venissero eliminate, sarebbe completamente astratta. Somiglierebbe quasi perfettamente all'opera che Hans Hofmann creò una generazione dopo. È l'essenza del Synthetism, lo stile a cui Gauguin si attribuì, in quanto sintetizza l'essenza esteriore delle forme naturali senza copiarle precisamente, con un senso di come l'artista si sente nei confronti delle forme nell'immagine e una pura considerazione estetica del colore, della linea e della forma. Tuttavia, Vision After the Sermon è ovviamente importante anche, poiché dimostra molte delle stesse idee, rendendolo un punto di svolta definitivo nella marcia verso l'astrazione pura.

Immagine in evidenza: Paul Gauguin - Visione dopo il sermone (dettaglio), 1888, Olio su tela, 72,20 x 91,00 cm

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park