6人の重要な南アジアの女性抽象芸術家
COVID-19パンデミックによって脇に追いやられたもう一つの美術館の展覧会は、「Fault Lines: Contemporary Abstraction by Artists from South Asia」で、フィラデルフィア美術館で春の初めにオープンしました。これは、都市がロックダウンに入る直前のことです。この展覧会は、6人の南アジアの女性抽象アーティスト、タニャ・ゴエル、シーラ・ゴウダ、プリヤ・ラヴィッシュ・メーラ、プラバヴァティ・メッピャイル、ナスリーン・モハメディ、ザリーナの作品に焦点を当てています。キュレーションは世代を超えたもので、南アジアの現代抽象の中に存在する多様性のほんの一部を際立たせる、幅広い美的立場を集めています。展覧会のタイトルが示すように、すべての作品は形式的な要素である線を何らかの形で利用しています。しかし、「fault」という言葉も同様に重要です。キュレーターのアマンダ・スロカは、形式主義的な関心を超え、より広い文化的コメントの領域に入るアーティストと作品を中心に据える決定を明確に下しました。展覧会の中で、物質性は意味と融合し、これらのアーティストが私たちのさまざまな欠陥を引き裂いて、最も差し迫った社会的関心が展開される限界的で変革的な移動ゾーンを検証します。性別役割、気候変動、人間の移動、政治的対立、個人のアイデンティティ、宗教的寛容の問題に関する詩的なコメントを提供しています。IdeelArtは、9月6日に再オープンするこの展覧会に出展されている6人のアーティストそれぞれの実践を詳しく見ていきます。
ザリーナ・ハシュミ（1937年生まれ、アリガル、2020年没、ロンドン）
IdeelArt は、この特異なアーティストを最初に紹介しました。彼女は、昨年の5月に亡くなるまで、単に ザリナ と呼ばれることを好んでいました。子供の頃にインドの分割に深く影響を受けたザリナは、アートを通じて個人的な経験を表現することの意味を探求するためにスタジオの活動を捧げました。彼女の作品は幾何学的抽象の言語を呼び起こしつつ、地図、家、手書きの手紙など、固定されることのなかった故郷の移り変わる記憶への視覚的参照を取り入れています。生涯にわたる移民である彼女が含まれている作品は、Fault Lines に収められている彼女の今やアイコニックな木版画シリーズ「These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich after Ghalib)」(2003) であり、境界が流動的な戦争で荒廃した場所の空中地図を最小限の線的な白黒の構成に還元しています。
ザリナ・ハシュミ - 9作品: これらの都市は荒野に染み込んでいる (アドリアン・リッチ、ガリブの後に), 2003年。ウルドゥー語のテキストが黒で印刷された9つの木版画のポートフォリオ、オカワラ紙に印刷され、サマセット紙に貼り付けられています。シートサイズ: 16 x 14 インチ (40.6 x 35.5 cm)。全エディション 5/20。© ザリナ・ハシュミ
ナスリーン・モハメディ（1937年、カラチ生まれ、1990年、バドダラで死去）
ボンベイ・プログレッシブ・アーティスツ・グループの数人のメンバーの同時代人であるナスリーン・モハメディは、20世紀中頃のアーティストの緩やかな連合で、インドの主流スタイルと現代西洋文化を結びつけることに専念していました。彼女はワシリー・カンディンスキーとカジミール・マレーヴィチの精神主義に触発されました。彼女は、時間、空間、自然界との相互作用を微妙な幾何学的抽象作品に凝縮する独自の視覚言語を発展させました。しばしば複雑で層状である彼女の線に基づくドローイングは、瞑想的な静けさを持っています。
ナスリーン・モハメディ - 無題、1975年。インクとガッシュで紙に描かれています。19 x 24 インチ (48.3 x 61 cm)。メトロポリタン美術館。
シーラ・ゴウダ（1957年生まれ、バドラバティ）
シーラ・ゴウダにとって、彼女自身が作品を物理的に構築するプロセスは不可欠です。彼女は、インドの女性たちが日常的に使用する素材から彫刻やインスタレーションを作り上げます。顔に色を付けるために使用されるクムクマパウダーを好んで使い、これはインドの精神的な儀式で額に色を付けるために使われ、七つの人間のエネルギー渦（チャクラ）に関連しています。ゴウダは「フォールトラインズ」に二つの作品を出展しています。一つは油缶から作られ、長方形のスラムのような家に似ています。もう一つは牛の糞のレンガと顔料を使用して、床に曲線的でミニマルなラインを作り出しています。彼女の作品はしばしば物語的要素を含み、現代のフェミニストの関心に明確に関連していますが、ゴウダは意味がその物質的現実に埋め込まれていると信じており、彼女の作品はオープンで抽象的であると考えています。
シーラ・ゴウダ - 無題、1997年、インスタレーションビュー。10点：糸、顔料、針。サイズは異なる（約120 x 300インチ）+91ファウンデーション（シュミタとアラニ・ボースのコレクション）、ニューヨーク。写真提供：フィラデルフィア美術館。
プリヤ・ラヴィシュ・メーラ（1961年 - 2018年、ニューデリー）
彼女の織物専門分野を通じて、プリヤ・ラヴィシュ・メーラは、ファインアート、クラフト、日常生活の交差点を詩的に明らかにする多分野にわたる実践を発展させました。彼女の繊細な織り紙作品は、強烈でありながら繊細な美しさと構造を持っています。メーラは、損傷した衣服やその他の織物を修繕または保存するラフォガリのあまり理解されていない仕事の専門家として知られていました。彼女はこの伝統に祖先のルーツを持ち、ラフォガルを布の治療者と見なしていました。彼女は、複雑で層状の立体的な抽象的構成を作成するために同じ伝統的な方法を用いた彼女のラフォガリ作品は、「生活の腐食した布を癒す」試みとして解釈できると説明しました。『フォルトラインズ』に出展された作品は、紙作りと織りの技術を結びつけ、幾何学的および生物形状の線と形の言語を融合させ、彼女のトーテミックでミニマルなビジョンの象徴的な例となっています。
プリヤ・ラヴィシュ・メーラ - 無題 5, 2016年。ジュート生地の断片とダフネパルプ。62.2 x 45.7 cm。© プリヤ・ラヴィシュ・メーラ
プラバハティ・メッパイイル（1965年生まれ、ナジバーバード）
ジュエリーと金属加工における祖先のルーツを持ち、金細工師に囲まれたスタジオで、金属はプラバヴァティ・メッパイイルの作品にとって非常に重要です。しかし、彼女のこの媒体の使用は、装飾や実用性とはほとんど関係がありません。彼女は、金属が彼女の彫刻的な支持体と共存する方法に興味を持っており、それらは白または他の muted monochrome です。彼女は、さまざまな金属要素を用いた最小限のグリッド状の構成を作成し、それが空白の背景に対して一種の文字の存在を持つようになります。メッパイイルが Fault Lines のために作成した作品は、白いジェッソで塗られた16枚の正方形パネルの列で構成されています。パネルの表面には銅線が埋め込まれています。ジェッソは部分的に銅線を隠し、作品を一種のパリンプセスト、または消去されつつある原稿に変えます。作品の抽象的な特性は、このアーティストが彼女の媒体の歴史を消去し、書き直しているという文字通りの意味と対比されています。
プラバヴァティ・メッパイイル - se/百六、2018年。ゲッソパネルにティンナムのスタンプ。31 9/10 x 37 1/10 x 1 1/10 インチ (80.96 x 94.3 x 2.86 cm)。エスター・シッパー © アンドレア・ロッセッティ
タニャ・ゴエル（1985年生まれ、ニューデリー）
タニャ・ゴエルは、ニューデリーの建築解体現場から集めた材料で自ら顔料を作ります。彼女がこれらの顔料で作り出すカラフルで複雑な層状の幾何学模様は、現代インドの変容の物質的な地図のようなものが埋め込まれています。彼女の作品は、ゴエルが構築し、自由に破る数学的な公式の視覚化として単純に解釈することもできます。秩序と自由の間を揺れ動いています。フォルトラインズのために、ゴエルは、自然のレンガとインディゴパウダー顔料を混ぜた最小限の線形構成を使用したサイト特有のインスタレーションを作成しました。これは、建設作業員が使用するスナップラインのように壁に貼り付けられ、海面上昇をマッピングしています。
ターニャ・ゴエル - x, y, z の表記, 2015年。グラファイト、顔料、油彩キャンバス。213.3 x 274.3 cm (84 x 108 in)。© ターニャ・ゴエル
「フォールトライン：南アジアのアーティストによる現代の抽象」がフィラデルフィア美術館で2020年10月25日まで展示されます。
特集画像: ターニャ・ゴエル - メカニズム 3, 2019年。染色された紙シルク、グラファイトペン、色鉛筆、アクリルキャンバス。243 x 198 cm (96 x 78")。© ターニャ・ゴエル
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
